Пейзаж русских художников: 404 Страница не найдена — «Лермонтов»

Содержание

Русские художники-пейзажисты — 5 самых известных пейзажистов в России

Автор Наталья Юршина На чтение 13 мин. Просмотров 4.7k. Опубликовано

Великие русские художники-пейзажисты. Рассказываю о наиболее известных русских пейзажистах, картины которых вы точно видели.

Российский жанр пейзажа и его традиции начали формироваться в конце XVIII века. До этого, художники писали отталкиваясь от опыта французских и итальянских мастеров, соблюдая каноны академической живописи того времени.

Жанр пейзажа был очень популярен у художников, так как многие из них узнавали и постигали природу и создавали образ любимого края именно через свои произведения.

Наиболее известные русские художники-пейзажисты, знаменитые картины которых вы точно видели и без труда сможете назвать автора:

  • Иван Шишкин (1832-1898)
  • Василий Поленов (1844-1927)
  • Алексей Саврасов (1830-1897)
  • Исаак Левитан (1860-1900)
  • Иван Айвазовский (1817-1900)

Ниже в статье вы найдете небольшой рассказ о жизни художников, которые рисовали пейзажи (список фамилий выше) и некоторые самые известные их картины. Кстати, посмотреть произведения знаменитых пейзажистов можно не только в Москве или Санкт-Петербурге. В большинстве регионов в столицах есть картины кисти русских пейзажистов, находящихся в постоянной экспозиции в художественных музеях.

Так, в Новосибирске, например, можно посмотреть работы Ивана Айвазовского, Ивана Шишкина и других художников-пейзажистов.

Иван Шишкин

Иван Иванович Шишкин родился в 1832 году, в семье с древним и богатым родом Шишкиных. Его отец был представителем зажиточного купечества, который хотел дать своему сыну самое лучшее образование.

Сначала Шишкин обучался в казанской гимназии, а в 20 лет отправился учиться в Московское училище живописи. После его окончания, поступил в Императорскую Академию художеств. Уже тогда Шишкин обнаружил свою любовь к пейзажу. Его многочисленные путешествия по окрестностям Петербурга и красота северной природы навсегда заняли место в его сердце.

В 31 год он отправляется за границу, за счет Академии – обучаться там художественному мастерству. Там он знакомится с творчеством других художников и совершенствует свое мастерство. Поездка продлилась 5 лет, а на родине его ждало звание академика.

По возвращении, он продолжает создавать пейзажи, много путешествует по России, выставляет свои работы в Академии, принимает участие в работе выставок передвижников. У него была безупречная репутация и несравненный талант. К 1873 году Шишкин становится профессором Академии художеств.

Что касается личной жизни, то Иван Иванович был жена дважды, на сестре художника Васильева, и, второй раз, на своей ученице. У него было четверо детей, но до зрелого возраста дожили только две дочери.

«Утро в сосновом лесу», 1889 год

Сам художник умер, внезапно, в 1898 году.

Он был хорошим натуралистом, поэтому его работы такие живые, словно фотографии. Он прекрасно знал русскую природу, и лес, в частности.

«Сумерки», 1896 год, самая дорогая картина Шишкина. В 2013 году была продана на аукционе за 3,3 млн долларов

Знаменитая картина «Утро в сосновом лесу» была написана совместно с Константином Савицким. Незадолго до ее написания, была создана другая картина –«Туман в сосновом бору». Эта картина так понравилась художникам, что они решили переписать ее, но добавить небольшую жанровую сцену. Вдохновением на этот пейзаж послужила поездка по чистым и нетронутым вологодским лесам.

«Рожь», 1878, первая картина, которую написал художник после тяжелых трагических событий, произошедших в жизни

Коллекцию работ Ивана Шишкина сегодня можно увидеть в Третьяковской галерее, а также в Русском музее. Многие рисунки и картины находятся в частных коллекциях. Кстати, и в региональных художественных музеях тоже могут быть картины Ивана Шишкина, конечно, не такие известные, но все же, кисти мастера.

Василий Поленов

Еще один яркий представитель русской живописи и пейзажистов 19 века.

Василий Дмитриевич Поленов родился в 1844 году в дворянской семье в Санкт-Петербурге. Его отец был очень образованным человеком, увлекался литературой, археологией, переводами. Мать Поленова была тоже творческим человеком – увлекалась живописью, историей, была детским писателем. Она обучала детей урокам рисования, в дополнение к тем учителям, что приходили к детям из Академии художеств.

Но в университет Василий Поленов, несмотря на любовь к живописи, поступает учиться физике и математике. В этот период ему многое интересно. Он берет свободные уроки живописи в Академии. В конце концов, оставляет университет, чтобы посвятить себя живописи.

В 1867 году едет во Францию, на всемирную выставку, где представлен весь цвет европейской живописи того времени.

«Бабушкин сад», 1878 год

Вернувшись, в 1868 году он снова поступает в университет, на этот раз, изучать юриспруденцию.

Он очень усердно занимается живописью, чтобы получить золотую медаль в Академии. И в конце концов получает награду, хотя это было не просто, ведь с ним соперничал сам Илья Репин.

Эта и последующие победы позволили художнику поехать в Европу изучать живопись. Германия, Италия, Франция – Поленов впитывает культуру и опыт европейских художников, колорит, знания. Ходит по музеям и галереям, общается с зарубежными коллегами.

«Христос и грешница (Кто без греха?)», 1888 год

В последствии он сам станет академиком, и будет преподавать живопись в московском училище. Коровин, Левитан, Архипов – многие художники под его началом станут известными.

Живя в Москве, он подмечает все ее детали, улочки, интересные городские пейзажи и передает все это в своих работах с особой любовью и теплотой.

В 1879 году примыкает к передвижникам и проводит свои собственные выставки.

«Московский дворик», 1878 год

В 1881 году вместе с другими художниками едет на Ближний Восток. Вдохновляясь местным колоритом, пишет новые картины. В 1885 году проходит выставка передвижников, где Василий Поленов выставляет эти работы. Ими очаровывается Павел Третьяков – известный коллекционер и ценитель искусства.

Насытившись московской жизнь, в 1890-х годах, художник вместе с семьей уезжает в Тульскую область. Там он покупает дом на берегу реки Оки, которую не раз изобразит на своих полотнах.

Там же он строит дом с мастерскими, в которых с местными художниками обучает детей живописи и рисунку. Он очень много работает и создает ряд картин с прекрасными русскими пейзажами.

«Золотая осень», 1893 год

Помимо живописи он очень много работает с театром – декорациями, сценариями, художественными решениями.

Последние годы жизни художник провёл в усадьбе Борок, где организовал музей художественных и научных коллекций. Умер в 1927 году.

«Заросший пруд», 1879 год

Работы Василия Дмитриевича Поленова можно увидеть в Третьяковской галерее и в Русском музее.

Алексей Саврасов

Алексей Кондратьевич Саврасов родился в 1830 году в купеческой семье, в Москве. С раннего детства увлекался рисованием и перерисовывал картины известных художников. Его первым заработком были как раз картины-копии, которые он продавал. 

Портрет Алексея Саврасова кисти Василия Перова, 1878 год

В 14 лет Саврасов поступает в Московское училище живописи. Через 10 лет он заканчивает его в звании академика, получив его за картину «Пейзаж в окрестностях Ораниенбаума».

Но, самая его, конечно, известная картина, это «Грачи прилетели». Пейзаж русской земли, которая пробуждается от зимней спячки. Он, как и предыдущие художники, выставлялся на передвижнической выставке, где его работу приобрел Третьяков для своей коллекции.

В 1870-х годах Саврасов работал и преподавал в своей альма-матер – Московском училище живописи. Он был очень талантливым педагогом. Так, под его крылом выросли такие известные художники, как Исаак Левитан и Константин Коровин.

«Грачи прилетели», 1871 год

Но, в этот же период у него возникают проблемы в личной жизни. Наступает творческий кризис, брак распадается, здоровье становится хуже. Все это усугубляется пристрастием к алкоголю.

В 1882 году новый удар – не стало его друга и коллеги, художника Перова. Он постоянно выгораживал Саврасова перед начальством училища, а с его смертью Саврасова уволили – так он лишился квартиры и денег.

Он умер в 1897 году, оставив после себя большое наследие – картины и своих учеников.

«Вид на Кремль с Крымского моста в ненастную погоду», 1851 год «Пейзаж с радугой», 1881 год

Исаак Левитан

Исаак Ильич Левитан родился в 1860 году в семье еврейских интеллигентов. Через 10 лет его семья перебирается в Москву, и, через 3 года, Исаак поступает в Московское училище живописи. Там его учителями станут такие известные художники, как Перов, Саврасов, Поленов.

В 15 лет он теряет мать, а через 2 года – отца. Материальное положение в семье было очень шатким, поэтому, в училище семье художника помогали материально. А разглядев его талант, перевели на бесплатное обучение.

После смерти отца, Левитан переходит в класс пейзажа, к Саврасову. Перебравшись в Подмосковье, он пишет картину «Вечер после дождя». После продажи этого полотна, он снимает меблированную комнату в Москве. 

Закончив свое обучение в 1885 году, Левитан начинает свой путь становления известным художником. Он подружился с Чеховым, хотя эта дружба, порой, и напоминала соперничество.

«Над вечным покоем», 1894 год

Наконец, финансовая сторона дел Исаака Левитана стала стабильной, и он смог полностью погрузиться в творчество. Но отголоски тяжелого детства и трудной юности сказались на здоровье – начались проблемы с сердцем. Художник принимает решение уехать в Крым, поправить здоровье. После этой поездки он организовывает выставку с 50 своими работами.

В 1888 году Левитан отправляется в путешествие на Волгу. Ему очень нравится место под названием плес. Там он проводит летние сезоны и очень много пишет. Это был плодотворный период в творчестве – более 200 пейзажей, в том числе и «Над вечным покоем». 

Его работы, «Золотая осень» и «Март» были куплены известным коллекционером Третьяковым. Также, художнику предлагают преподавать в том же училище, в котором он сам учился.

«Осенний день. Сокольники», 1879 год

В 1896 году художник второй раз болеет тифом, после чего у него обостряется аневризма сердца. Через 3 года по предписанию врача, он едет в Ялту, поправить здоровье. Но, лечение не помогло, и через год Левитан умирает. 

300 этюдов и 40 картин художник так и не закончил. Уже после его смерти, в Москве состоялась его посмертная выставка. Самые известные его картины, это «Березовая роща», «Свежий ветер. Волга», «Осенний день».

«Берёзовая роща», 1885—1889 годы «Свежий ветер. Волга», 1895 год

Иван Айвазовский

Пожалуй, один из самых знаменитых маринистов, которых можно выделить из художников.

Иван Константинович Айвазовский родился в 1817 году, прожив долгих и насыщенных 82 года.

Его отец был торговцем, но из-за чумы 1812 года разорился. Несмотря на это, Иван Константинович был очень увлекающимся ребенком и проявлял свои способности не только в живописи, но и в музыке.

Вскоре у него появился наставник — архитектор Яков Христианович Кох, который помогал ему раскрыть талант художника, и даже дарил ему первые материалы, краски и бумагу. Можно сказать, что Яков Христианович посодействовал карьере молодого художника, обратив на него внимание градоначальника Феодосии, который в свою очередь, помог ему поступить в симферопольскую гимназию.

«Девятый вал», 1850 год

Так Айвазовский знакомится со своим вторым учителем, Иоганн-Людвиг ом Гроссом. Гросс порекомендовал молодого художника в Императорскую Академию художеств. Так Айвазовский оказался в столице — Санкт-Петербурге.

Поступив в Академию он начал учиться пейзажам, вскоре его работы стали отмечать на конкурсах. После он был определён помощником к модному французскому маринисту Филиппу Таннеру. Учитель запрещал Айвазовскому писать самостоятельно, но несмотря на запрет, художник продолжил работу, и его пейзажи были хорошо приняты на выставке в Академии.

В ответ на это, Филипп Таннер пожаловался императору Николаю I на Айвазовского, и его картины были сняты с выставки. И только через 6 месяцев художнику разрешили вернуться к занятиям живописью и определили в класс батальной живописи. Здесь он тоже начинает делать успехи, и в Академии решают дать ему диплом на 2 года раньше положенного, чтобы он продолжил работу самостоятельно у себя в Крыму, а потом и заграницей.

«Буря на море ночью», 1849 год

В Крыму художник пишет и морские пейзажи, и батальные сражения. Императору нравятся его работы, и он снова приглашает Айвазовского в Петербург, для того чтобы художник запечатлел силу и мощь российского флота.

В 1840 году художник отправляется в Европу. Он некоторое время живет в Риме, останавливается в Венеции и Флоренции, гостит у своего брата в монастыре на острове. Повсюду его окружает вода и он не теряет ни минуты времени — творит и пишет.

Долгое время Айвазовский живет на юге Италии. Там начала формироваться характерная для него манера письма — небольшая часть с натуры, а все остальное, в своей мастерской, по памяти. Именно так, в дальнейшем и будет творить известный маринист, отдавая большую роль импровизации.

Через 2 года он начинает еще одно свое путешествие по другим странам Европы — Швейцарии, Голландии, Франции, Испании, Португалии. Спустя 2 года, в 27 лет он возвращается в Россию, чуть не утонув на парижском корабле.

Его карьера растет и развивается. Годы, проведенные в Европе дали свои плоды на родине — в 1844 году Айвазовский становится живописцем Главного морского штаба России, а с 1847 — профессором Петербургской Академии художеств.

«Среди волн», 1898 год

Кроме морских пейзажей и сражений, он также писал картины с пейзажами городов, на библейские и исторические темы. Писал Айвазовский и портреты, но, не считая себя отличным портретистом, художник брался писать лишь близких ему людей.

Он очень любил путешествовать, посещал не только страны Европы, но и Ближний Восток, а также в возрасте 75 лет посетил США и написал картину «Ниагарский водопад».

Но несмотря на свою страсть к путешествиям, Иван Константинович очень любил свою родину, а именно, Феодосию. Там же он построил свой дом, прямо на набережной, который сейчас имеет статус дома-музея и содержит многие его картины и художественные принадлежности.

Он очень много сделал для этого города. Открыл школу искусств и картинную галерею, а также концертный зал и первую библиотеку. Помимо культурных ценностей, он также привнес в город и более практичные вещи — железную дорогу «Феодосия-Джанкой» и водопровод.

Он умер в 1900 году, в пожилом возрасте, в 82 года. В общей сложности за свою жизнь Айвазовский написал больше 6000 картин и устроил порядка 125 персональных выставок в России и за рубежом.

Это были известные пейзажисты 19 века, но что же с веком 20? Как советские художники-пейзажисты передавали красоту родной природы?

Новый, XX век со всеми своими потрясениями и переворотами, внес изменения и в художественной сфере. Перед художниками стояла задача новыми средствами выразительности передать новую реальность и окружающий мир.

Из живописцев 1920-1930-х годов можно выделить Аркадия Александровича Рылова, Петра Петровича Кончаловского, Василия Васильевича Рождественского, а также, Александра Александровича Дейнека, Александра Михайловича Герасимова.

Ниже прикрепляю некоторые работы этих живописцев. 

Аркадий Рылов, «Закат», 1917 год Петр Кончаловский, «Пейзаж», 1911 год Александр Дейнека, «Крымский пейзаж», 1930 год Александр Дейнека, «Дорога на юг», 1930

Пишите в комментариях, чьи работы вам нравятся больше всего, буду рада обсудить творчество знаменитых живописцев!

Пейзаж в живописи русских художников

1. Пейзаж в живописи русских художников

Подготовила ученица 8 «Б» класса
Пензенцева Елизавета

2. «Надеюсь придёт время, когда вся русская природа живая и одухотворённая , взглянет с холстов русских художников» И.И. Шишкин

Природа России разнообразна и уникальна. Её
красоту воспели в своих стихах замечательные
русские поэты: Жуковский В.А., Пушкин А.С., Тютчев
Ф.И., Фет А.А., Некрасов Н.А., Никитин И.С. и
другие. А после мы увидели русскую природу в
картинах художников — пейзажистов: И.Шишкин,
А.Куинджи, И.Остроухов, И.Левитан, В.Поленов,
Г.Мясоедов, А.Саврасов, и многие другие
живописцы.

3. Они, как и поэты, изображают красоту русской природы во все времена года, в любое время суток. На многих полотнах художников,

как в стихотворениях поэтов
чувствуется
единение
человека
с
природой. Человек не может жить без
природы. Ведь природа, как храм божий.
Надо войти в него и очистить свою душу,
поделиться
своими
горестями
и
радостями. И тогда почувствуешь, как поет
душа и как сердце наполняется радостью
жизни,
уверенностью
в
себе.

4. И.И. Левитан «Золотая осень». Пейзажи Исаака Левитана часто называют шедеврами. Он не просто изобразил знакомые многим пейзажи.

Иногда
говорят: «Художник воспел красоту природы». Это выражение означает, что в
свои картины он вложил всю силу любви. Картины Левитана действительно
полны любви к родной природе. Они похожи на красивую музыку и на
утонченную поэзию. Глядя на картину Левитана «Золотая осень», вспоминаешь
и музыку русских композиторов, и лучшие строки русской поэзии об осени.
«Очей очарование», «в багрец и золото одетые леса» — эти слова Пушкина
очень подходят к «Золотой осени».
И.И. ШИШКИН «ДУБОВАЯ РОЩА»

6. Ф. А. Васильев Дорога в лесу

7. Зима в картинах русских художников сказочное время безмятежного великолепия, когда природа спит и отдыхает, спрятавшись под

белоснежным одеялом,
удивительные по красоте и
раскрывающие истинную
зимнюю природу пейзажи
русской зимы.

8. А.М. Васнецов «Зимний сон»

9. И. Грабарь «Иней»

10. Весна в картинах русских художников таит в себе нежность пробуждения природы от зимнего сна в ярких красках солнца,

отражающегося в блеске
тающего мартовского снега, в
сочных красках тянущихся к
солнцу травы, листьев и
цветениях весенних пейзажей.

11. А.М. Грицай «Весна»

12. И.И. Левитан «Март»

13. А.И. Куинджи «Ранняя весна»

14. Береза настолько распространена в нашей стране, что издавна многие поэты, писатели и художники связывают с ее образом само

понятие
родины.
Береза для нашего народа издавна была
символом женственности, молодости, радости.
Тонкое и стройное, словно юная девушка, это
деревце всегда тянется к солнцу. Легкий ветерок
треплет пышную зелень прически, а на белых
сарафанчиках с черными полосками играют в
прятки
солнечные
зайчики.
Как легко и свободно дышится летом в березовой
роще! Березки похожи на деревенских девчонок,
которые пошли в лес по грибы, да заигрались,
забросили корзинки и пошли хороводом по поляке
под веселые задорные песни. И кажется, что
никакое несчастье не сможет коснуться тебя, пока
ты наблюдаешь за их удивительной пляской.

15. В.А. Александров «Березовая роща»

16. Е. Е. Волков «Октябрь»

17. Лето в картинах русских художников пропитано гармонией тепла и благоухания зелени, то слегка утомленной знойной жарой, то

пропитанной освежающей
влагой после теплого летнего
дождя в красках великолепия
природы русских пейзажей.

18. И.И. Левитан «Яблони цветут»

19. В.П. Батурин «Цветущий луг»

20. Спасибо за внимание!

Пейзаж в русской живописи 19 века. Пейзажная живопись русских художников. Известные художники-пейзажисты XVII века

Первые живописные пейзажи появляются в России во второй половине XVIII века — после того, как в 1757 году в Петербурге открывается Император-ская академия художеств, устроенная по образцу европейских академий, где в числе других жанровых классов есть и класс ландшафтной живописи. Тут же случается и спрос на «снятие видов» памятных и архитектурно значимых мест. Классицизм — а это время его господства — настраивает глаз на восприятие лишь того, что вызывает высокие ассоциации: величественные строения, могучие деревья, панорамы, напоминающие об античной героике. И природа, и городская ведута Жанром ведуты (от итальянского veduta — вид) называли изображение города с особен-но выгодной для обзора точки. должны быть представлены в идеальном обличье — такими, какими им надлежит быть.

Вид на Гатчинский дворец с Длинного острова. Картина Семена Щедрина. 1796 год

Мельница и башня Пиль в Павловске. Картина Семена Щедрина. 1792 год Самарский областной художественный музей

Красная площадь в Москве. Картина Федора Алексеева. 1801 год Государственная Третьяковская галерея

Вид на Биржу и Адмиралтейство от Петропавловской крепости. Картина Федора Алексеева. 1810 год

Государственная Третьяковская галерея

Пейзажи пишутся с натуры, но непременно дорабатываются в мастерской: пространство делится на три внятных плана, перспектива оживляется людскими фигурами — так называемым стаффажем, — а ком-позицион-ный порядок подкрепляется условным цветом. Так, Семен Щедрин изображает Гатчину и Павловск, а Федор Алексеев — московские площади и петербургские набережные; кстати, оба завершали свое художественное образование в Ита-лии.

2. Почему русские художники пишут итальянские пейзажи

В еще большей степени с Италией будет связана следующая стадия в развитии русского пейзажа — романтическая. Отправляясь туда в качестве пенсионеров, то есть на стажировку после успешного окончания Академии, художники пер-вой половины XIX века, как правило, не спешат обратно. Сам южный климат кажется им приметой отсутствующей на родине вольности, а внимание к кли-мату — это и стремление его изобразить: конкретные свет и воздух теплого свободного края, где всегда длится лето. Это открывает возможности освоения пленэрной живописи — умения строить цветовую гамму в зависимости от реаль-ного освещения и атмосферы. Прежний, классицистический пейзаж требовал героических декораций, сосредотачивался на значительном, вечном. Теперь природа становится средой, в которой живут люди. Конечно, романти-че-ский пейзаж (как и любой другой) тоже предполагает отбор — в кадр попа-дает лишь то, что кажется прекрасным: только это уже другое прекрасное. Ландшафты, существующие независимо от человека, но благосклонные к нему — такое представление о «правильной» природе совпадает с итальян-ской реальностью.

Лунная ночь в Неаполе. Картина Сильвестра Щедрина. 1828 год Государственная Третьяковская галерея

Грот Матроманио на острове Капри. Картина Сильвестра Щедрина. 1827 год Государственная Третьяковская галерея

Водопады в Тиволи. Картина Сильвестра Щедрина. Начало 1820-х годов Государственная Третьяковская галерея

Веранда, обвитая виноградом. Картина Сильвестра Щедрина. 1828 год Государственная Третьяковская галерея

Сильвестр Щедрин прожил в Италии 12 лет и за это время успел создать своего рода тематический словарь романтических пейзажных мотивов: лунная ночь, море и грот, откуда море открывается взгляду, водопады и террасы. Его при-рода сочетает в себе всемирное и интимное, простор и возможность укрыться от него в тени виноградной перголы. Эти перголы или тер-расы — как интерьер-ные выгородки в бесконечности, где с видом на Неаполитанский залив преда-ются блаженному ничегонеделанию бродяги лаццарони. Они как бы входят в сам состав пейзажа — свободные дети дикорастущей природы. Щедрин, как положено, дорабатывал свои картины в мастерской, однако его живописная манера демонстрирует романтиче-скую взволнованность: откры-тый мазок лепит формы и фактуры вещей как бы в темпе их мгновенного постижения и эмоционального отклика.

Явление Мессии (Явление Христа народу). Картина Александра Иванова. 1837–1857 годы Государственная Третьяковская галерея

Явление Христа народу. Первоначальный эскиз. 1834 год

Явление Христа народу. Эскиз, написанный после поездки в Венецию. 1839 год Государственная Третьяковская галерея

Явление Христа народу. «Строгановский» эскиз. 1830-е годы Государственная Третьяковская галерея

А вот Александр Иванов, младший современник Щедрина, открывает иную природу — не связанную с человеческими чувствами. Более 20 лет он работал над картиной «Явление Мессии», и пейзажи, как и все прочее, создавались в косвенной связи с ней: собственно, они часто и мыслились автором как этюды, но выполнялись с картинной тщательностью. С одной стороны, это безлюдные панорамы итальянских равнин и болот (мир, еще не очеловеченный христианством), с другой — крупные планы элементов натуры: одна ветка, камни в ручье и даже просто сухая земля, тоже данная панорамно, бесконеч-ным горизонтальным фризом Например, на картине «Почва около ворот церкви Св. Павла в Альбано », написанной в 1840-е годы. . Внимание к деталям чревато и вниманием к пленэрным эффектам: к тому, как небо отражается в воде, а бугристая почва ловит рефлексы от солнца, — но вся эта точность оборачивается чем-то фунда-ментальным, образом вечной природы в ее перво-основах. Предполагает-ся, что Иванов пользовался камерой-люцидой — устрой-ством, помогающим фрагмен-тировать видимое. Ею, вероятно, пользовался и Щедрин, однако с иным результатом.

3. Как появился первый русский пейзаж

До поры природа есть прекрасное и оттого чужое: своему в красоте отказано. «Русских итальянцев» не вдохновляет холодная Россия: ее климат связывается с несвободой, с оцепенелостью жизни. Но в ином кругу таких ассоциаций не возникает. Никифор Крылов, ученик Алексея Гавриловича Венецианова, не выезжавший за пределы отечества и далекий от романти-ческого мироощу-щения, вероятно, не знал слов Карла Брюллова о невозмож-ности написать снег и зиму («все выйдет пролитое молоко»). И в 1827 году создал первый нацио-наль—ный пейзаж — как раз зимний.


Зимний пейзаж (Русская зима). Картина Никифора Крылова. 1827 год Государственный Русский музей

В школе, открытой им в деревне Сафонко-во Сейчас Венецианово. , Венецианов учил «ничего не изобра-жать иначе, чем в натуре является, и повиноваться ей одной» (в Академии, напротив, учили ориентироваться на образцы, на апробированное и идеальное). С высокого берега Тосны натура открывалась панорамно — в широ-кой перспективе. Панорама ритмически обжита, и фигуры людей не теряются в просторе, они ему соприродны. Много позже именно такие типажи «счастливого народа» — мужик, ведущий коня, крестьянка с коро-мыс-лом — обретут в живописи несколько сувенирный акцент, но пока что это их первый выход и отрисованы они с тщательностью ближнего зрения. Ровный свет снега и неба, голубые тени и прозрачные деревья представляют мир как идиллию, как средоточие покоя и правильного порядка. Еще острее это миро-восприятие воплотится в пейзажах другого ученика Венецианова, Григория Сороки.

Крепостной художник (Венецианов, друживший с его «владельцем», так и не смог выхлопотать любимому ученику вольную) Сорока — самый талант-ливый представитель так называемого русского бидермейера (так называют искусство питомцев школы Венецианова). Всю жизнь он писал интерьеры и окрестности имения, а после реформы 1861 года сделался крестьянским активистом, за что подвергся краткому аресту и, возможно, телесному наказа-нию, а после этого повесился. Другие подробности его биографии неизвестны, работ сохранилось немного.


Рыбаки. Вид в Спасском. Картина Григория Сороки. Вторая половина 1840-х годов Государственный Русский музей

Его «Рыбаки», кажется, самая «тихая» картина во всем корпусе русской живо-писи. И самая «равновесная». Все отражается во всем и со всем рифмуется: озеро, небо, строения и деревья, тени и блики, люди в домотканых белых одеж-дах. Опущенное в воду весло не вызывает ни всплеска, ни даже колыханья на водной глади. Жемчужные оттенки в холщовой белизне и темной зелени превращают цвет в свет — возможно, предвечерний, но в большей степени запредельный, райский: в разлитое спокойное сияние. Вроде бы ловля рыбы подразумевает действие, но его нет: недвижные фигуры не вносят в простран-ство жанрового элемента. И сами эти фигуры в крестьянских портах и рубахах выглядят не крестьянами, а персонажами эпического сказания или песни. Конкретный пейзаж с озером в селе Спасское превращается в идеальный образ природы, беззвучный и слегка сновидческий.

4. Как русский пейзаж фиксирует русскую жизнь

Живопись венециановцев в общем поле российского искусства занимала скром-ное место и в мейнстрим не попадала. Вплоть до начала 1870-х годов пейзаж развивался в русле романтической традиции, наращивающей эффекты и пышность; в нем преобладали итальянские памятники и руины, виды моря на закате и лунные ночи (такие пейзажи можно найти, например, у Айвазов-ского, а позже — у Куинджи). А на рубеже 1860-70-х случается резкий пе-ре-лом. Во-первых, он связан с выходом на сцену отечественной натуры, а во-вторых, с тем, что эта натура декларативно лишена всех признаков роман-ти-че-ской красоты. В 1871 году Федор Васильев написал «Оттепель», которую Павел Михайлович Третьяков немедленно приобрел для коллекции; в том же году Алексей Саврасов показал на первой передвижнической выставке своих впослед-ствии знаменитых «Грачей» (тогда картина называлась «Вот приле-тели грачи»).


Оттепель. Картина Федора Васильева. 1871 год Государственная Третьяковская галерея

И в «Оттепели», и в «Грачах» время года не определено: уже не зима, еще не весна. Критик Стасов восторгался тем, как у Саврасова «зиму слышишь», другие же зрители «слышали» как раз весну. Переходное, колеблющееся состояние природы давало возможность насытить живопись тонкими атмосферными рефлексами, сделать ее динамичной. Но в остальном эти ландшафты — о разном.

Грачи прилетели. Картина Алексея Саврасова. 1871 год Государственная Третьяковская галерея

У Васильева распутица концептуали-зируется — проецируется на совре-менную социальную жизнь: то же безвременье, унылое и безнадежное. Вся отечествен-ная литература, от революционно-демократических сочинений Василия Слеп-цова до антинигилистических романов Николая Лескова (название одного из этих романов — «Некуда» — могло бы стать названием картины), фиксиро-вала невозможность пути — ту тупиковую ситуацию, в которой оказываются затерянные в пейзаже мужчина и мальчик. Да и в пейза-же ли? Пространство лишено пейзажных координат, если не считать таковыми убогие заснеженные избы, древесный хлам, увязающий в слякоти, да покоси-вшиеся деревья на го-ри—зонте. Оно панорамное, но придавленное серым небом, не заслужи-ваю-щее света и цвета, — простор, в котором нет порядка. Иное у Саврасова. Он вроде бы тоже подчеркивает прозаизм мотива: церковь, которая могла бы стать объектом «видописи», уступила авансцену кривым березам, ноздрева-тому снегу и лужам талой воды. «Русское» означает «бедное», неказистое: «скудная природа», как у Тютчева. Но тот же Тютчев, воспевая «край родной долготер-пенья», писал: «Не поймет и не заметит / Гордый взор иноплеменный, / Что сквозит и тайно светит /В наготе твоей смиренной», — и в «Грачах» этот тайный свет есть. Небо занимает половину холста, и отсюда идет на землю вполне романтический «небесный луч», освещая стену храма, забор, воду пруда, — он знаменует первые шаги весны и дарит пейзажу его эмоционально-лирическую окраску. Впрочем, и у Васильева оттепель обещает весну, и этот оттенок смысла тоже возможно здесь при желании увидеть — или сюда вчитать.

5. Как развивалась русская пейзажная школа

Проселок. Картина Алексея Саврасова. 1873 год Государственная Третьяковская галерея

Вечер. Перелет птиц. Картина Алексея Саврасова. 1874 год Одеський художній музей

Саврасов — один из лучших русских колористов и один из самых «многоязыч-ных»: он равно умел написать интенсивным и праздничным цветом дорожную грязь («Проселок») или выстроить тончайшую минималистскую гармонию в ланд-шафте, состоящем только из земли и неба («Вечер. Перелет птиц»). Пре-пода-ватель Московского училища живописи, ваяния и зодчества, он повлиял на многих; его виртуозная и открытая живописная манера продол-жится у По-ле-нова и Левитана, а мотивы отзовутся у Серова, Коровина и даже у Шишкина (большие дубы). Но как раз Шишкин воплощает другую идеоло-гию отече-ст-вен-ного пейзажа. Это представление о богатырстве (слегка былин-ного толка), о торжественном величии, силе и славе «национального» и «народного». В своем роде патриоти-ческий пафос: могучие сосны, одинако-вые в любое время года (пленэрная изменчивость была Шишкину решительно чужда, и он предпочитал писать хвойные деревья), собираются в лесное множество, и травы, выписанные со всей тщательностью, тоже образуют множество похожих трав, не представ-ляю-щих ботанического разнообразия. Характерно, что, например, в картине «Рожь» деревья заднего плана, умень-шаясь в разме-рах согласно линейной перспективе, не теряют отчетливости контуров, что было бы неизбежно при учете перспективы воздушной, но художнику важна незыблемость форм. Не удивительно, что его первая попытка изобразить световоздушную среду в картине «Утро в сосновом лесу» (написанной в соав-торстве с Константином Савицким — медведи его кисти) вызвала газетную эпиграмму: «Иван Иваныч, это вы ли? Какого, батюшка, тумана напустили».

Рожь. Картина Ивана Шишкина. 1878 год Государственная Третьяковская галерея

Утро в сосновом лесу. Картина Ивана Шишкина и Константина Савицкого. 1889 год Государственная Третьяковская галерея

У Шишкина не было последователей, и в целом русская пейзажная школа разви-валась, условно говоря, по саврасовской линии. То есть испытывая инте-рес к атмосферной динамике и культивируя этюдную свежесть и откры-тую манеру письма. На это накладывалось еще и увлечение импрессионизмом, почти всеобщее в 1890-е годы, и в целом жажда раскрепощенности — хотя бы раскрепощенности цвета и кистевой техники. Например, у Поленова — и не у не-го одного — разница между этюдом и картиной почти отсутствует. Ученики Саврасова, а затем и Левитана, сменившего Саврасова в руководстве пейзажным классом Московского училища, по-импрес -сионисти-чески остро реагировали на моментальные состояния природы, на случайный свет и вне-зап-ную перемену погоды — и эта острота и скорость реакции выражались в обнажении приемов, в том, как сквозь мотив и поверх мотива становился внятен сам процесс создания картины и воля художника, выбирающего те или иные выразительные средства. Пейзаж переставал быть вполне объек-тив-ным, личность автора претендовала на утверждение своей самостоятель-ной пози-ции — пока что в равновесии с видовой данностью. Обозначить эту пози-цию в полноте предстояло Левитану.

6. Чем закончилось пейзажное столетие

Исаак Левитан считается создателем «пейзажа настроения», то есть худож-ником, который в значительной мере проецирует на природу собственные чувства. И действи-тельно, в работах Левитана эта степень высока и диапазон эмоций проигрывается по всей клавиатуре, от тихой печали до торжествую-щего ликования.

Замыкая историю русского пейзажа XIX века, Левитан, кажется, синтезирует все ее движения, являя их напоследок со всей отчетливостью. В его живописи можно встретить и виртуозно написанные быстрые этюды, и эпические пано-рамы. Он в равной степени владел как импрессиони-ст-ской техникой лепки объема отдельными цветными мазками (подчас пре-восходя в дробности фак-ту-ры импрессионист-скую «норму)», так и постимпрес-сио-нист-ским методом пастозной красочной кладки широкими пластами. Умел видеть камерные ракурсы, интимную природу — но обнаруживал и любовь к открытым про-странствам (возможно, так компенсировалась память о черте оседлости — унизительная вероятность выселения из Москвы дамокло-вым мечом висела над художником и в пору известности, дважды вынуждая его к скоропали-тельному бегству из города).

Над вечным покоем. Картина Исаака Левитана. 1894 год Государственная Третьяковская галерея

Вечерний звон. Картина Исаака Левитана. 1892 год Государственная Третьяковская галерея

«Далевые виды» могли связыва-ться как с патриотически окрашенным ощу-щением раздолья («Свежий ветер. Волга»), так и выражать заунывную тоску — как в картине «Владимирка», где драматическая память места (по этому каторжному тракту вели в Сибирь конвойных) считывается без допол-нитель-ного антуража в самом изображении дороги, расхлябанной дождями или бы-лыми шествиями, под сумрач-ным небом. И, наконец, своего рода открытие Левитана — пейзажные элегии фило-софического толка, где природа становит-ся поводом для размыш-лений о круге бытия и о взыскании недостижимой гармонии: «Тихая обитель», «Над вечным покоем», «Вечерний звон».

Вероятно, последняя его картина, «Озеро. Русь», могла бы принадлежать этому ряду. Она и была задумана как целостный образ российской природы Левитан хотел назвать ее «Русь», но остано-вился на более нейтральном варианте; двой-ное название прижилось позже. , однако осталась незавершенной.Возможно, отчасти поэтому в ней оказались совме-щены противоречащие друг другу позиции: русский пейзаж в его вечном пре-бы—вании и импрессионис-тическая техник​а, внимательная к «мимолетно-стям».


Озеро. Русь. Картина Исаака Левитана. 1899-1900 годы Государственный Русский музей

Мы не можем знать, остались бы в окончательном варианте эта романтиче-ская форсированность цвета и кистевой размах. Но это промежуточное состоя-ние являет синтез в одной картине. Эпическая панорама, вечная и незыблемая природная данность, но внутри нее все движется — облака, ветер, рябь, тени и отражения. Широкие мазки фиксируют не ставшее, но становящееся, меняю-щееся — словно пытаясь успеть. С одной стороны, полнота летнего расцвета, торжественная мажорная трубность, с другой же — интенсивность жизни, готовой к переменам. Лето 1900 года; наступает новый век, в котором пейзаж-ная живопись — и не только пейзажная — будет выглядеть совершенно иначе.

Источники

  • Богемская К. История жанров. Пейзаж.
  • Федоров-Давыдов А. А. Русский пейзаж XVIII — начала XX века.
Величественная и многообразная русская живопись всегда радует зрителей своим непостоянством и совершенством художественных форм. В этом особенность произведений знаменитых мастеров искусства. Они всегда удивляли своим необыкновенным подходом к работе, трепетному отношению к чувствам и ощущением каждого человека. Возможно, поэтому русские художники так часто изображали портретные композиции, на которых ярко сочетались эмоциональные образы и эпически спокойные мотивы. Недаром Максим Горький когда-то сказал, что художник – это сердце своей страны, голос всей эпохи. Действительно, величественные и элегантные картины русских художников ярко передают вдохновение своего времени. Подобно устремлениям знаменитого автора Антона Чехова, многие стремились внести в русские картины неповторимый колорит своего народа, а также неугасимую мечту о прекрасном. Сложно недооценить необыкновенные полотна этих мастеров величественного искусства, ведь под их кистью рождались поистине необыкновенные работы разнообразных жанров. Академическая живопись, портрет, историческая картина, пейзаж, работы романтизма, модерна или символизма – все они до сих пор несут радость и вдохновение своим зрителям. Каждый находит в них что-то более чем колоритные цвета, изящные линии и неподражаемые жанры мирового искусства. Возможно, такое обилие форм и образов, которыми удивляет русская живопись, связана с огромным потенциалом окружающего мира художников. Еще Левитан говорил, что в каждой нотке пышной природы заложена величественная и необыкновенная палитра красок. С таким началом появляется великолепное раздолье для кисти художника. Поэтому все русские картины отличаются своей изысканной суровостью и притягательной красотой, от которой так нелегко оторваться.

Русскую живопись по праву выделяют из мирового художественного искусства. Дело в том, что до семнадцатого столетия, отечественная живопись была связана исключительно с религиозной темой. Ситуация изменилась с приходом к власти царя-реформатора — Петра Первого. Благодаря его реформам, русские мастера стали заниматься и светской живописью, произошло отделение иконописи как отдельного направления. Семнадцатое столетие – время таких художников, как Симон Ушаков и Иосиф Владимиров. Тогда, в российском художественном мире зародился и быстро стал популярным портрет. В восемнадцатом веке появляются первые художники, перешедшие от портретной живописи к пейзажной. Заметна ярко выраженная симпатия мастеров к зимним панорамам. Восемнадцатое столетие запомнилось также зарождением бытовой живописи. В девятнадцатом веке в России популярность получили целых три течения: романтизм, реализм и классицизм. Как и прежде русские художники продолжали обращаться к портретному жанру. Именно тогда появились известные во всём мире портреты и автопортреты О. Кипренского и В. Тропинина. Во второй половине девятнадцатого столетия, художники всё чаще и чаще изображают простой русский народ в его угнетённом состоянии. Реализм становится центральным течением живописи этого периода. Именно тогда появились художники-передвижники, изображающие только настоящую, реальную жизнь. Ну, а двадцатое столетие – это, конечно же, авангард. Художники того времени значительно повлияли как на своих последователей в России, так и во всём мире. Их картины стали предшественниками абстракционизма. Русская живопись – это огромный удивительный мир талантливых художников, прославивших своими творениями Россию

Русский пейзаж как жанр сформировался в конце XVIII века. Понадобились десятилетия и усилия многих мастеров, чтобы этот жанр живописи стал таким же значительным, как историческая картина или портрет. Первопроходцами жанра пейзажа стали художники, обучавшиеся в Европе — Семен Щедрин, Федор Матвеев, Федор Алексеев.

В романтическом искусстве первой половины XIX столетия, роль пейзажа становится более заметной. Так называемые «русские итальянцы» — пенсионеры Российской Академии художеств — Сильвестр Щедрин, Михаил Лебедев, Александр Иванов подхватили общеевропейские художественные принципы изображения природы.

Во второй половине XIX века в работах художников-передвижников изображение природы достигает высочайшего мастерства. Разнообразная и богатая пейзажная живопись стала отражением глубокой любви живописцев к родной земле. При этом одних увлекали лирические мотивы, других — эпические, третьих — искания обобщенного образа, красочность и декоративность пейзажа. Зима в русской живописи так тесно связана со «святыми шестидесятыми», что начинающиеся саврасовскими «Грачами» 70-е годы кажутся краткой весной, репинско-импрессионистические 80-е — неожиданным летом, а прощальные 90-е, символистские врубелевско-левитановские, — долгой осенью русского пейзажа.

В 60-х годах девятнадцатого века в России начался период формирования реалистической пейзажной живописи. Главенствующую роль для художников-пейзажистов приобретал вопрос о содержании искусства. Побуждаемые высокими патриотическими чувствами, они стремились показать могучую и плодородную русскую природу как источник возможного богатства и счастья. В это время отдельные произведения пейзажистов уже смело могли встать в ряд с картинами жанровой живописи, являвшейся в то время самым передовым искусством. Серьезный вклад в развитие русского пейзажа внесли такие известные художники, как Алексей Саврасов , Иван Шишкин , Федор Васильев, Архип Куинджи, Василий Поленов, Исаак Левитан .

Важной ступенью в русском пейзаже второй половины XIX столетия было воскрешение в нем идеалов романтической живописи в общем русле реалистических тенденций. Васильев и Куинджи каждый по-своему обращались к природе, как идеалу романтической живописи, в возможности излить свои чувства.

В эволюции отечественного пейзажа важнейшую роль сыграл импрессионизм, через который прошли почти все серьезные живописцы конца XIX начала ХХ веков.

В художественной жизни России начала ХХ века значительную роль сыграла также художественная группировка «Союз русских художников». В нее входили художники Константин Коровин, Абрам Архипов, Сергей Виноградов, Константин Юон и другие. Главным жанром в творчестве этих художников был пейзаж. Они явились приемниками пейзажной живописи второй половины XIX века.

В духе символистского искусства создавали свои пейзажи Николай Крымов, Виктор Борисов-Мусатов.

В 20-30-х годах ХХ века в искусстве начали развиваться неоакадемические тенденции. Этих взглядов придерживались Николай Дормидонтов, Семен Павлов.

Некоторые художники упорно продолжали развивать традиции, заложенные в XIX веке. Среди них — Александр Древен, Морозов. Другие предложили новый взгляд на художественное наследие прошлого века. Борис Кустодиев , Кузьма Петров-Водкин развивали собственное видение родной природы.

Первое десятилетие ХХ века прошло под девизом самых смелых поисков новых выразительных средств в живописи. Новые формы, новые краски, новые выразительные средства для передачи пейзажа находили Казимир Малевич , Наталья Гончарова.

Советский реализм продолжил традиции классического русского пейзажа. Внимательно и с оптимизмом смотрели на родную природу Аркадий Пластов, Вячеслав Загонек, братья Ткачевы.

Русский пейзаж на протяжении своей жизни претерпел эволюцию от классицизма до символизма, включая романтический и экспрессивный пейзаж. Выставка показала все основные этапы развития этого жанра.

Пейзаж – это один из жанров живописи. Русский пейзаж -жанр очень важный как для русского искусства, так и для русской культуры в целом. Пейзаж изображает природу. Природные ландшафты, природные пространства. Пейзаж отображает восприятие природы человеком.

Святой Иоанн Предтеча в пустыне

Первые кирпичики для развития пейзажной живописи заложили иконы, фоном которых и были, собственно, пейзажи. В 17-ом веке мастера стали отходить от иконописных канонов и пробовать что-то новое. Именно с этого времени живопись перестает «стоять на месте» и начинает развиваться.

М.И. Махеев

В 18-ом веке, когда русское искусство приобщается к европейской художественной системе, пейзаж в русском искусстве становится самостоятельным жанром. Но в это время он направлен на фиксацию действительности, которая окружала человека. Фотоаппаратов еще не было, а вот желание запечатлеть знаменательные события или произведения архитектуры было уже сильным. Первые пейзажи, как самостоятельный жанр в искусстве, представляли собой топографические виды Петербурга, Москвы, дворцов и парков.

Ф.Я. Алексеев. Вид на Воскресенские и Никольские ворота и Неглинный мост от Тверской улицы в Москве

Ф.Я. Алексеев

С.Ф. Щедрин

Ф.М. Матвеев. Итальянский пейзаж

В начале 19-го века русские художники пишут в основном Италию. Италия считалась родиной искусства и творчества. Художники обучаются за границей, подражают манере иностранных мастеров. Русская природа считается невыразительной, скучной, поэтому даже исконно русские художники пишут иностранную природу, отдавая ей предпочтение как более интересной и художественной. В России радушно встречают иностранцев: живописцев, учителей танцев и фехтования. Русское высшее общество говорит на французском языке. Русских барышень обучают французские гувернантки. Все иностранное считается признаком высшего общества, признаком образованности и воспитанности, а проявления русской национальной культуры — признак дурного вкуса и грубости. В знаменитой опере П.И. Чайковского, написанной по бессмертной повести А.С. Пушкина «Пиковая дама» французская гувернантка ругает княжну Лизу за то, что она пляшет «по-русски», это было стыдно для дамы из высшего общества.

С.Ф. Щедрин. Малая гавань в Сорренто с видом на острова Искья и Прочидо

И.Г. Давыдов. Предместье Рима

С.Ф. Щедрин. Грот Матроманио на острове Капри

В середине 19-го века, русская интеллигенция и художники в частности начинают задумываться о недооцененности русской культуры. В русском обществе появляются два противоположных направления: западники и славянофилы. Западники считали, что Россия это часть общемировой истории и исключали ее народную самобытность, в то время как славянофилы считали, что Россия – особенная страна, с богатой культурой и историей. Славянофилы считали, что путь развития России должен коренным образом отличаться от европейского, что русская культура и русская природа достойны того, чтобы описывать ее в литературе, изображать на полотнах, и запечатлевать в музыкальных произведениях.

Ниже будут представлены картины, на которых будут изображены пейзажи Русской земли. Для удобства восприятия картины будут перечислены не в хронологическом порядке и не по авторам, а по временам года, к которым можно отнести картины.

Саврасов. Грачи прилетели

Русский пейзаж. Саврасов «Грачи прилетели»

Обычно с весной ассоциируется душевный подъем, ожидание радости, солнца и тепла. Но, на картине Саврасова «Грачи прилетели» мы не видим не солнца, ни тепла, и даже храмовые купола написаны серыми, как буд-то еще непроснувшимися красками.

Весна в России часто начинается робкими шагами. Тает снег, и в лужах отражается небо и деревья. Грачи заняты своим грачиным делом – строят гнезда. Корявые и голые стволы берез утончаются, поднимаясь к небу, как буд-то тянутся к нему постепенно оживая. Небо, на первый взгляд серое, наполнено оттенками синего, а края облаков немного осветлены, как будто проглядывают лучи солнца.

С первого взгляда картина может производить мрачное впечатление, и не каждый может почувствовать ту радость и торжество, которая бала заложена в ней художником. Эта картина была впервые представлена на первой выставке товарищества передвижников в 1871 году. И в каталоге этой выставки она называлась «Грачи прилетели!» в конце названия стоял восклицательный знак. И вот эта радость, которая только ожидается, которой еще нет на картине, была выражена именно этим восклицательным знаком. Саврасов даже в самом названии старался передать неуловимую радость от ожидания весны. Со временем восклицательный знак потерялся и картина стала называться просто «Грачи прилетели».

Именно эта картина начинает утверждение пейзажной живописи как равноправного, а в каких-то периодах ведущего жанра русской живописи.

И. Левитан. Март

Русский пейзаж. И. Левитан. Март

Март это очень опасный месяц – с одной стороны вроде бы как светит солнце, ну а с другой бывает очень холодно и промозгло.

Эта весна воздуха напоенного светом. Здесь уже более отчетливо чувствуется радость от прихода весны. Её еще пока как буд-то не видно, она только в названии картины. Но, если присмотреться повнимательнее, то можно почувствовать теплоту стены, согретую солнцем.

Синие, насыщенные, звонкие тени не только от деревьев и их стволов, но и тени в снеговых рытвинах, по которым прошел человек

М. Клод. На пашне

Русский пейзаж. М. Клод. На пашне

На картине Михаила Клода человек (в отличие от современного городского жителя) живет в едином ритме с природой. Природа задает ритм жизни человеку, который живет на земле. Весной человек вспахивает эту землю, осенью –убирает урожай. Жеребенок на картине, как продолжение жизни.

Для русской природы характерна равнинность – здесь редко встретишь горы или возвышенности. И вот это отсутствие напряжения и пафоса Гоголь удивительно точно характеризовал как «беспорывность русской природы». Именно эту «беспорывность» и стремились передать в своих картинах русские художники-пейзажисты 19-го века.

Паленов. Московский дворик

Русский пейзаж. Паленов «Московский дворик»

Одна из самых обаятельных картин в русской живописи. Визитная карточка Поленова. Это городской пейзаж, в котором мы видим обычную жизнь московских мальчишек и девчонок. Не всегда даже сам художник понимает значимость своих работ. Здесь изображена и городская усадьба и уже заваливающийся сарай и дети, лошадь и над всем этим мы видим церковь. Здест и крестьянство и барство и дети и работа и Храм – все приметы русской жизни. Вся картина пронизана воздухом, солнцем и светом – поэтому она такая притягательная и на нее так приятно смотреть. Картина «Московский дворик» согревает душу своим теплом и простотой.

Резиденция американского посла Спасс-хаус

Сегодня, на Спасо-песковском переулке, на месте дворика, изображенного Паленовым находится резиденция американского посла Спасс-хаус.

И.Шишкин. Рожь

Русский пейзаж. И.Шишкин. Рожь

Жизнь русского человека в 19 в была тесно связана с ритмами жизни природы: посев хлеба, взращивание, сбор урожая. В русской природе есть широта и пространство. Художники в своих картинах стараются это передать.

Шишкина называют «царь леса», потому, что больше всего у него лесных пейзажей. А здесь мы видим равнинный пейзаж с засеянным ржаным полем. У самого края картины начинается дорога, и, петляя, бежит среди полей. В глубине дороги, среди высокой ржи мы видим крестьянские головы в красных платках. На заднем плане изображены могучие сосны, которые как великаны шагают через это поле, на некоторых мы видим признаки увядания. Это жизнь природы – старые деревья увядают, новые появляются. Над головой небо очень чистое, а ближе к горизонту начинают собираться облака. Пройдет несколько минут и облака передвинутся ближе к переднему краю и пойдет дождь. Об этом же нам напоминают и птицы, которые летают низко над землей – туда их прибивает воздух и атмосфера.

Первоначально Шишкин хотел назвать эту картину «Родина». Во время написания этой картины Шишкин думал об образе Русской земли. Но потом он ушел от этого названия, чтобы не было лишнего пафоса. Иван Иванович Шишкин любил простоту и естественность, считая, что именно в простоте правда жизни.

Ефимов-Волков. Октябрь

Русский пейзаж.

Ефимов-Волков. «Октябрь»

«Есть в осени первоначальной…»

Федор Тютчев

Есть в осени первоначальной
Короткая, но дивная пора —
Весь день стоит как бы хрустальный,
И лучезарны вечера…

Где бодрый серп гулял и падал колос,
Теперь уж пусто всё — простор везде,-
Лишь паутины тонкий волос
Блестит на праздной борозде.

Пустеет воздух, птиц не слышно боле,
Но далеко ещё до первых зимних бурь —
И льётся чистая и тёплая лазурь
На отдыхающее поле…

Картина Ефимова-Волкова «Октябрь» передаёт лирику осени. На переднем плане картины – с огромной любовью выписана молодая березовая роща. Хрупкие стволы березок и бурая земля, засыпанная осенней листвой.

Л. Каменев. Зимняя дорога

Русский пейзаж. Л. Каменев

. «Зимняя дорога»

На картине художник изобразил безкрайний снежный простор, зимнюю дорогу, по которой лошадь с трудом тащит дровни. Вдали виднеются деревня и лес. Ни солнца, ни луны, только унылые сумерки. В изображении Л. Каменева дорога занесена снегом, по ней мало кто ездит, она ведет в занесенную снегом деревню, где нет света ни в одном окне. Картина создает тоскливое и печальноенастроение.

И. Шишкин. На севере диком

М.Ю.Лермонтов
«На севере диком»
На севере диком стоит одиноко
На голой вершине сосна,
И дремлет, качаясь, и снегом сыпучим
Одета, как ризой, она.

И снится ей все, что в пустыне далекой,
В том крае, где солнца восход,
Одна и грустна на утесе горючем
Прекрасная пальма растет.

И. Шишкин. «На севере диком»

Картина Шишкина является художественным воплощением мотива одиночества, воспетого Лермонтовым в поэтическом произведении «Сосна».

Елена Лебедева, графический дизайнер сайт, преподаватель компьютерной графики.

Провела урок по этой статье в средней школе. Дети угадывали авторов стихотворений и названия картин. Судя по их ответам, литературу школьники знают намного лучше чем искусство)))

С самых незапамятных времен люди всегда восхищались природой. Они выражали свою любовь, изображая ее на всевозможных мозаиках, барельефах и картинах. Многие великие художники посвятили свое творчество рисованию пейзажей. Картины, на которых изображены леса, море, горы, реки, поля, поистине завораживают. И нужно уважать великих мастеров, которые так детально, красочно и эмоционально передали в своих работах всю красоту и могущество окружающего нас мира. Именно художники-пейзажисты и их биографии будут рассмотрены в данной статье. Сегодня мы поговорим о творчестве великих живописцев разных времен.

Известные художники-пейзажисты XVII века

В XVII веке жило немало талантливых людей, которые предпочитали изображать красоты природы. Одними из самых известных являются Клод Лоррен и Якоб Исаак ван Рейсдал. С них мы и начнем наше повествование.

Клод Лоррен

Французского художника считают основоположником пейзажа периода классицизма. Его полотна отличаются невероятной гармоничностью и идеальной композицией. Отличительной чертой техники К. Лоррена было умение безупречно передавать солнечный свет, его лучи, отражение в воде и т. д.

Несмотря на то, что маэстро родился во Франции, большую часть своей жизни он провел в Италии, куда уехал, когда ему было всего 13 лет. На родину он возвращался всего один раз, и то на два года.

Самыми известными произведениями К. Лоррена являются картины «Вид Римского Форума» и «Вид порта с Капитолием». В наше время их можно увидеть в Лувре.

Якоб Исаак ван Рейсдал

Якоб ван Рейсдал — представитель реализма — родился в Голландии. Во время своих путешествий по Нидерландам и Германии художник написал немало примечательных работ, для которых характерны резкий контраст тонов, драматичная цветовая гамма и холодность. Одним из ярких примеров таких картин можно считать «Европейское кладбище».

Однако творчество художника не ограничивалось мрачными полотнами — он изображал и сельские пейзажи. Самыми известными работами принято считать «Вид деревни Эгмонд» и «Пейзаж с водяной мельницей».

XVIII век

Для живописи XVIII века характерно много интересных особенностей, в этот период было положено начало новым направлениям в упомянутом виде искусства. Венецианские художники-пейзажисты, к примеру, работали в таких направлениях, как видовой пейзаж (другое название — ведутный) и архитектурный (или городской). А ведутный пейзаж, в свою очередь, подразделялся на точный и фантастический. Ярким представителем фантастической ведуты является Франческо Гварди. Его фантазии и технике исполнения могут позавидовать даже современные художники-пейзажисты.

Франческо Гварди

Все без исключения его работы отличаются безупречно точной перспективой, замечательной передачей цветов. Пейзажи обладают некой магической притягательностью, от них просто невозможно оторвать взгляда.

Самыми восхитительными его работами можно назвать полотна «Праздничный корабль Дожа «Бучинторо», «Гондола в лагуне», «Венецианский дворик» и «Рио деи Мендиканти». Все его картины изображают виды Венеции.

Уильям Тернер

Этот художник является представителем романтизма.

Отличительной особенностью его полотен является использование множества оттенков желтого. Именно желтая палитра и стала основной в его работах. Мастер объяснял это тем, что такие оттенки ассоциировались у него с солнцем и чистотой, которую он хотел видеть в своих картинах.

Самой красивой и завораживающей работой Тернера является «Гесперидский сад» — фантастический пейзаж.

Иван Айвазовский и Иван Шишкин

Эти два человека — поистине самые великие и самые известные художники-пейзажисты России. Первый — Иван Константинович Айвазовский — изображал на своих картинах величественное море. Буйство стихии, вздымающиеся волны, брызги пены, разбивающейся о борт накренившегося судна, или тихая, безмятежная гладь, озаренная заходящим солнцем — морские пейзажи восхищают и поражают своей натуральностью и красотой. Кстати, такие художники-пейзажисты называются маринистами. Второй — Иван Иванович Шишкин — любил изображать лес.

И Шишкин, и Айвазовский — художники-пейзажисты 19 века. Остановимся на жизнеописании этих личностей подробнее.

В 1817 году появился на свет один из самых известных маринистов мира Иван Айвазовский.

Родился он в состоятельной семье, его отцом был армянский предприниматель. Нет ничего удивительного в том, что будущий маэстро питал слабость к морской стихии. Ведь родиной этого художника стала Феодосия — красивейший портовый город.

В 1839 году Иван окончил в которой он учился на протяжении шести лет. На стиль художника большое влияние оказало творчество французских маринистов К. Верне и К. Лоррена, которые писали свои полотна по канонам барокко-классицизма. Самой известной работой И. К. Айвазовского считается картина «Девятый вал», выполненная в 1850 году.

Кроме морских пейзажей, великий художник работал над изображением батальных сцен (яркий пример — картина «Чесменский бой», 1848 г.), а также посвящал многие свои полотна темам армянской истории («Посещение Дж. Г. Байроном монастыря мхитаристов близ Венеции», 1880 г.).

Айвазовскому повезло добиться невероятной славы при жизни. Многие художники-пейзажисты, которые стали знаменитыми в будущем, восхищались его работами и брали с него пример. Ушел из жизни великий творец в 1990 году.

Шишкин Иван Иванович родился в январе 1832 года в городе Елабуг. Семья, в которой воспитывался Ваня, была не слишком зажиточной (его отец был небогатым купцом). В 1852 году Шишкин начинает свою учебу в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, выпускником которого он станет через четыре года, в 1856-м. Даже самые ранние работы Ивана Ивановича отличаются необычайной красотой и непревзойденной техникой. Поэтому неудивительно, что в 1865 году за полотно «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» И. И. Шишкину дали звание академика. А уже через восемь лет он получает звание профессора.

Как и многие другие рисовал с натуры, проводя долгое время на природе, в тех местах, где его никто не мог потревожить.

Наиболее известными полотнами великого живописца являются «Лесная глушь» и «Утро в сосновом бору», написанные в 1872 году, и более ранняя картина «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869 г.)

Жизнь талантливого человека прервалась весной 1898 года.

Многие русские художники-пейзажисты при написании своих полотен пользуются большим количеством деталей и колоритной цветопередачей. То же самое можно сказать и об этих двух представителях русской живописи.

Алексей Саврасов

Алексей Кондратьевич Саврасов — художник-пейзажист с мировым именем. Именно его считают основоположником русского лирического пейзажа.

Родился этот выдающийся человек в Москве в 1830 году. С 1844 года Алексей начал свое обучение в Московском училище живописи и ваяния. Уже с юности он отличался особым талантом и способностями к изображению пейзажей. Однако, несмотря на это, по семейным обстоятельствам юноша был вынужден прервать свое обучение и возобновить его только спустя четыре года.

Самой известной и всеми любимой работой Саврасова является, конечно же, полотно «Грачи прилетели». Оно было представлено на Передвижной выставке в 1971 году. Не менее интересными являются картины И. К. Саврасова «Рожь», «Оттепель», «Зима», «Проселок», «Радуга», «Лосиный остров». Однако, по мнению критиков, ни одна из работ художника не сравнилась с его шедевром «Грачи прилетели».

Невзирая на то что Саврасов написал множество прекрасных полотен и уже был известен как автор замечательных картин, вскоре о нем надолго забывают. А в 1897 году он умер в нищете, доведенный до отчаяния семейными неурядицами, гибелью детей и алкогольной зависимостью.

Но великие художники-пейзажистыне могут быть забыты. Они живут в своих картинах, от прелести которых захватывает дух, и которыми мы и по сей день можем восхищаться.

Вторая половина ХІХ века

Этот период характеризуется распространенностью в русской живописи такого направления, как бытовой пейзаж. В этом русле работали многие русские художники-пейзажисты, в том числе и Маковский Владимир Егорович. Не менее известными мастерами тех времен являются Арсений Мещерский, а также описанные ранее Айвазовский и Шишкин, творчество которых пришлось на середину-вторую половину ХІХ века.

Арсений Мещерский

Родился этот известный художник в 1834 году в Тверской губернии. Образование он получал в Императорской Академии искусств, где проучился на протяжении трех лет. Основными темами полотен автора стали лесные и Художник очень любил изображать в своих картинах великолепные виды Крыма и Кавказа с их величественными горами. В 1876 году он получил звание профессора пейзажной живописи.

Самыми удачными и известными его полотнами можно считать картины «Зима. Ледокол», «Вид Женевы», «Буря в Альпах», «У лесного озера», «Южный пейзаж», «Вид в Крыму».

Кроме Мещерский также передавал красоты Швейцарии. В этой стране он некоторое время набирался опыта у мастера пейзажной живописи Калама.

А еще мастер увлекался сепией и гравюрой. В этих техниках он также создал немало замечательных работ.

Множество картин рассматриваемого художника демонстрировалось на выставках как на территории России, так и в других странах мира. Поэтому многие люди успели оценить талант и самобытность этого творческого человека. Картины Арсения Мещерского продолжают радовать многих людей, увлекающихся искусством, и по сей день.

Маковский Владимир Егорович

Маковский В. Е. родился в Москве в 1846 году. Его отцом был известный художник. Владимир решил пойти по стопам отца и получил художественное образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, после чего уехал в Петербург.

Наиболее удачными его картинами стали «Ожидание. У острога», «Крах банка», «Объяснение», «Ночлежный дом» и «Весенняя вакханалия». Произведения в основном изображают простых людей и бытовые сцены.

Кроме бытовых пейзажей, мастером которых он был, Маковский также писал портреты и различные иллюстрации.

Реферат по искусству «Пейзаж в творчестве русских художников»

Каждый любит природу по- своему и «как может». Для кого- то это выражается лишь выездом в лес, а некоторым, источником новых сил, эмоциональных переживаний. Своими моральными качествами, талантливостью и творческой силой наш народ обязан, среди других причин, и нашей природе. Сила её эстетического восприятия так велика, что, не будь её, у нас не было бы такого блистательного Пушкина, каким бы он был. Но не только Пушкина, но и Лермонтова, Чехова и наконец, не было бы плеяды замечательных художников- пейзажистов: Саврасова, Левитана, Нестерова, Поленова и многих других.

Понятно мы никогда не променяем на самые торжественные красоты тропиков и запада наши скромные дали. Мы родились и жили под «сереньким ситцем этих тихих северных небес», их красота слилась со всей нашей жизнью, они были её свидетелями, и потому только мы можем с полной силой её ощутить и понять. В который раз приходят на память слова Грибоедова о том, что «дым отечества нам сладок и приятен»- дым деревень в тишине мягкого зимнего дня или дымок костров, что низко тянет над луговыми озерами.

Картины хороши тем, что в любую минуту ты можешь войти в знакомый , но всегда чем-то новый мир нашей природы,- стоит только переступить порог рамы. Трудно поверить, что еще в начале XIX века некоторые критики считали пейзаж ненужным, а о художниках и писателях- пейзажистах говорили, что они « прячутся в пейзаж от действительности» и тем самым выдают себя с головой как недругов прямого восприятия и отражения действительности.

Подлинный пейзажист всегда знает, где можно найти самый густой иней, где растут самые могучие ели в близлежащей местности, какие краски нужны для воды глухого озера и какие для дождя в деревенских сумерках.

Полное счастье от готовой работы испытываешь больше, когда работаешь под открытым небом в любую погоду. Даже в те дни, когда валит снег с дождем над болотом, и порывистый ветер срывает с мольберта подрамник и холст. А ведь в другие дни ты и не увидишь и не почувствуешь всю полноту истинных красок пейзажа — красок хмурости неба, яркого, ослепляющего летнего солнца, опьяняющей свежести весеннего ветра.

Труд подлинного пейзажиста — не только труд живописца, но и подлинного патриота Его плотна — поэма о России, поэма о доме в первую очередь.

Принимая во внимание все то, что происходит в современном искусстве, в частности, в живописи, все больше понимаешь, как глубока и морально «воспитана» живопись прошлых столетий. Только там, в «той живописи» можно научиться действительно прекрасному, человеческому, одухотворенному.

Факт остается фактом, современный человек, находясь в постоянном тандеме города, технологий и прочих новшеств, которые отнимают время на отдых, простые размышления, раздумья, поиски себя, несомненно, пытается от этого оградить себя, дать отдых организму и своим мыслям.

Что и говорить, порой невыносимо хочется вырваться на природу, в лес, а то и в деревню. Просто отдохнуть, полюбоваться, надышаться воздухом, налюбоваться красотой и великолепием природы.

Обращаясь же к художественной литературе, а конкретнее, к литературе 50- годов, жизнь крестьян изображалась особенно часто. Народность, как неотъемлемая черта реализма, была неразрывно связана с национальным характером содержания искусства.

Представление о русской природе было в то время настолько неотделимо от народа, что в ней самой, в её образах часто находили поэтические выражения народных дум, страданий и отчаяний. Стоит вспомнить слова небезызвестного М.Е. Салтыкова- Щедрина о столь ярком восприятии природы — « Я ещё с детства симпатизировал с нашей сельской природою, хотя нет ничего в ней такого, чем бы особенно можно было похвалиться». Заключает же он свое описание проникновенными строками « Но я люблю её эту, однообразную природу русской земли, я люблю ее не для неё самой, а для человека, которого она воспитала на лоне своем и которого она объясняет… »

Реалистическая пейзажная живопись пятидесятых годов принципиально отличалась как от прежней живописи перспективной, то есть «видовой», задачи которой ограничивались документально точным воспроизведение панорамы, определенной местности, так и то романтического пейзажа, широко распространенного среди художников- академистов. Именно в то время происходил перелом в русской пейзажной живописи, выразившийся на первых порах в обращении пейзажистов к русской природе, являвшейся естественной жизненной средой для крестьянина

Пейзаж завоевал место одного из ведущих жанров живописи. Его язык стал, подобно поэзии, способом проявления высоких чувств художника, областью искусства, в которой выражаются глубокие и серьезные истины о жизни и судьбах человечества, в нем современник говорит и узнает себя. Вглядываясь в произведения пейзажной живописи, прислушиваясь к тому, о чем повествует, изображает природу художник, мы учимся знанию жизни, пониманию и любви к миру и человеку.

В русской живописи прошлого столетия раскрываются две стороны пейзажа как вида живописи: объективная-то есть изображение, вид определенных местностей и городов, и субъективная — выражение в образах природы человеческих чувств и переживаний. Пейзаж является отображением находящейся вне человека и преобразуемой им действительности. С другой стороны, он отражает и рост личного и общественного самосознания.

Глубокое впечатление производит, например, высказывание А. И. Герцена о русской природе (написано за границей в 1853 году): «В нашей бедной северной долинной природе есть трогательная прелесть, особенно близкая нашему сердцу. Сельские виды наши не задвинулись в моей памяти ни видом Сорренто, ни Римской Кампанией, не насупившимися Альпами, ни богато возделанными фермами Англии. Наши бесконечные луга, покрытые ровной зеленью, успокоительно хороши, в нашей стелящейся природе… что-то такое, что поется в русской песне, что кровно отзывается в русском сердце».

Пейзаж должен быть портретом с природы, а не любованием одних красивых и поразительных эффектов ее. Искать эти последние — дело скользкое и опасное. Даже при самой сильной, поэтической, первоначальной натуре тут легко сковырнуться, полететь головой вниз…».

Начало развития деревенского пейзажа положил Алексей Венецианов (1780—1847), который известен всем кА непревзойденный мастер бытового жанра. Жизнь в деревне дала художнику богатый материал открыла новый мир, красоту и поэтичность родной русской природы. К самым поэтическим произведениям Венецианова, проникнутым умиротворенностью и покоем, любовью к человеку и природе, принадлежит небольшая картина «Спящий пастушок». Спокойные плавные ритмы равнин, пологие склоны холмов, поросшие тонкими деревцами, одиноко стоящие ели, речка с низкими берегами — все эти бесконечно знакомые, близкие мотивы найдены художником в родной природе. Пейзаж в картинах Венецианова являлся уже не просто фоном, а играл активную роль в передаче настроения, в решении образа.

Сам Венецианов соединял виды полей и лугов в своих картинах с изображениями крестьянских девушек и детей. Эти жницы и пастушки воплощали в его картинах поэтический собирательной образ крестьянской Руси. Пейзажные фоны его картин вводят в русскую живопись тему природы как сферы приложения труда человеческих рук. В этом Венецианов порывает с классической традицией изображения идеальной природы, подстриженной и приглаженной — природой парков, где отдыхают и наслаждаются люди из высших слоев общества. Но при всем демократизме венециановских крестьянских угодий сами фигуры девушек в его картинах классически идеализированы.

Пейзажи для своих картин Венецианов находил в окрестностях принадлежавшей ему деревни Сафонково. В тех же местах работали и художники его школы. Часто они вносили в свои произведения наивность и простодушие народной картинки. Далекое пространство в их пейзажах кажется порой беспредельным. В нем теряются населяющие его маленькие фигурки людей. Эти люди у венециановцев представляют характерные типажи деревни или провинциального города. Парень с косой, баба с коромыслом и ведрами, охотники, губернские чины и торговцы на городской площади- вот мир людей, которых они изображали и чьими глазами смотрели на окружающую жизнь.

Творчество самого Венецианова было для пейзажистов 50-х годов настолько близким наследием, что даже в классных занятиях учителя Московского Училища Живописи широко применяли венециановскую систему, основанную на тщательном изучении предмета изображения. Произвдения Венецианова с изображениями русской природы и опыты в этой области его последователей, хотя и исполненные на материале живой природы, воспринимались молодыми художниками как этап уже пройденный.

Образ природы, как облик человека, отражает в себе жизнь, чувства и мысли того общества, которое воспитало его создателя-художника. В пейзажах отражаются размышления лучших русских людей о судьбах родины, глубокая любовь к своему народу, взволнованный призыв к борьбе против несправедливости. Идеи, которыми освещено было все искусство второй половины 19 столетия, проникают в изображения, наполняя его новым для общеевропейской живописи содержанием.

Живопись художников-пейзажистов реалистического направления ярко свидетельствует о том горячем интересе и серьезном внимании, с которым наиболее передовые мастера относились к нуждам народа, его страданиям, нищете и угнетению, как искренне стремились своим искусством не только разоблачить несправедливость общественного устройства, но и встать на защиту «униженного и оскорбленного» народа.

Уже в первой половине века художники А. В. Тыранов и Г. В. Сорока, бывшие прямыми воспитанниками Венецианова, пробовали свои силы в работе над деревенским пейзажем, в родных для художников местах. Их картины, «не всегда совершенные по мастерству, отличаются необычайной чистотой восприятия природы и искренностью чувства». Являясь преемниками венециановских традиций, эти пейзажисты своим творчеством представляют характерное явление в реалистическом искусстве 40-х годов.

Главенствующую роль для художников-пейзажистов приобретал вопрос о содержании их искусства. От художников ждали произведений, которые отражали бы настроения угнетенного народа.

Именно в это десятилетие и проявился у русских пейзажистов интерес к изображению таких мотивов природы, в которых художники языком своего искусства могли бы рассказать о народной печали. Тоскливая природа осени, с грязными, размытыми дорогами, редкие перелески, хмурое, плачущее дождем небо, занесенные снегом маленькие деревушки, -все эти темы в своих бесконечных вариантах, такой любовью и старанием исполняемые русскими пейзажистами, получили права гражданства в 60-е годы. Характерно, что в это же время нашла широкое распространение тема зимнего пейзажа, над которой особенно много работали Саврасов и Каменев.

Художественная деятельность Поленова основывалась на стремлении приносить своим искусством пользу людям, активно участвовать в жизни общества. Это стремление сближало творчество мастера с общим процессом демократизации искусства последней трети XIX века, прежде всего с движением Товарищества передвижников, чьим активным участником он был с конца 1870-х годов. Для работ Поленова 1890-х годов характерно особенное внимание к различным состояниям природы. Одной из особенностей Поленова было стремление соединить пейзажный и бытовой жанры, не просто оживить тот или иной мотив человеческими фигурками, а представить целостную картину жизни, в которой люди и окружающая их природа слиты в единый художественный образ. И в «Московском дворике», элегических по настроению картинах «Бабушкин сад», «Заросший пруд», «Ранний снег», «Золотая осень» -во всех своих пейзажах Поленов средствами живописи утверждает важную и по существу, очень простую истину: поэзия и красота — вокруг нас в привычном течении повседневности, в окружающей нас природе.

Творчество Поленова крупное и значительное явление в русской живописи второй половины 19 века. С Саврасовым и Васильевым его сближают не сразу ощутимая, но крепкая и строгая композиционная построенность и картинность, придающие его пейзажам определенную монументальность. Также Поленов свободнее и непосредственнее, чем его сподвижники, пользуется средствами и приемами пленэра. Свет и воздух становятся «героями» его замечательных полотен, и сегодня покоряющих своей свежестью, эмоциональностью, жизненной убедительностью и естественностью.

Многогранный талант В.Д.Поленова наиболее полно проявил себя в области пейзажной живописи. В её историю, ознаменованную блестящими победами, этот художник вписал своим творчеством одну из ярких страниц. Работая одновременно в таких различных жанрах, как историческая живопись, портрет, пейзаж и декоративное искусство, сам художник считал пейзажную живопись наиболее отвечающей складу своего дарования. Такое исключительное положение пейзажной темы в его творчестве и делает возможным самостоятельное её рассмотрение среди работ других пейзажистов.

С начала 70-х годов в произведениях Поленова все чаще встречаются сюжеты из крестьянской жизни. Художник, видимо, начинает искать пути к пейзажно-бытовому жанру, работа над которым позволила бы дать пейзаж как действенный компонент взятого сюжета.

Признавался С.И. Мамонтову после поездки в Италию в 1873 году: «Теперь я в деревне, дышу полной грудью после душной, зловонной Италии; какой у нас сосновый воздух! Итальянцы не подозревают, что такой на свете существует! Ведь это же Наш, родной, деревенский воздух!» Тонко и проникновенно воссоздан художником деревенский пейзаж в этюде «Деревня Тургенево» (музей – усадьба В.Д. Поленова). Своей спокойной мягкостью он как бы скрашивает жизнь обитателей маленькой деревеньки с покосившимися, крытыми соломой избами. Этот этюд был написан Поленовым в 1885 году в Тургеневе. Высокие живописные качества данного этюда и присущая ему полнота художественного выражения дали возможность Поленову спустя много лет использовать его, почти не меняя композиции колорита, в картине «Задворки», показанной на передвижной выставке 1892 года.

Впоследствии был использованы в картинах и другие мотивы деревенского пейзажа, запечатленные первоначально в этюдах. Давая в картинах более углубленную характеристику пейзажного образа, Поленов достигал в них вместе с тем и большей идейной направленности.

Интересно остановиться в этом плане на большой картине Поленова «Русская деревня», поя вившаяся впервые на передвижной выставке в Москве в 1889 году. Центральное место в композиции пейзажа занимает рыбацкая деревня, расположенная среди открытой местности у широкой реки. Крепкие, бревенчатые срубы со строгим, подчеркнутым рисунком высоких кровель, маленькие участки зеленых огородов, рыбацкие сети, смотанные на высоких шестах, отсутствие тенистой зелени вокруг жилья- все это сообщает несколько суровый характер внешнему облику деревни. Однако и здесь художник сумел дать почувствовать природу как светлое и радостное начало в жизни людей.

На переднем плане изображена узкая речушка с освещенным солнцем песчаным берегом и пологим склоном, сходящим к воде. Перекинутые через речку кривые мостики, ведущие в деревню, узкие, протоптанные тропки, идущие от мостков вверх по склону, прясла, спускающиеся к воде от крайней избы, придают большую протяженность в глубину переднему плану и усиливают его эмоциональное звучание. Глядя на фигуру белоголового мальчика, стоящего с удочкой у воды, на аленьких деревенских ребятишек, играющих на солнце в песке близ мостков, на сидящую около них старуху бабку с ребенком на руках, видишь их всех согретыми теплом и лаской природы.

Заканчивая обзор творчества Поленова как пейзажиста, следует еще раз подчеркнуть, что именно пейзаж составлял его наиболее прогрессивную сторону. Именно в этой области Поленов начиная с 60-х годов неуклонно шел по пути реализма. Своеобразие и значительность его роли в реалистическом деревенском пейзаже второй половины XIX заключались в том, что он, являясь крупнейшим представителем пейзажистов- передвижников, смог стать живым и действенным звеном между реалистами старшего поколения и молодежью. В сознании которой он неустанно поддерживал интерес к большому содержательному искусству, к воплощению в пейзаже- картине глубоких впечатлений действительности. Молодежь находила в его пленэрной живописи опору для своих собственных исканий, для выражения в пейзаже своих чувств и раздумий над жизнью.

С давних пор пейзаж вносил свой отпечаток в становлении мировой живописи.

Но откуда же пошел русский пейзаж. ВСЕМ ИЗВЕСТНЫ ГОРОДСКИЕ ПЕЙЗАЖИ. Но что же особенного в деревенских пейзажах?

«По таким дорогам только в калошах проходить!» про Левитана

А что же таки нас всех привлекает в первую очередь в русском деревенском пейзаже?!

Левитановские пейзажи своей открытостью, естественностью, чувственностью…

Исаак Левитан — самый великий из тех русских пейзажистов, которые в XIX веке открыли для современников скромную красоту русской природы. Начиная работать под руководством Саврасова и Поленова, Левитан вскоре оставил далеко позади своих учителей, навсегда вписав свое имя в пантеон отечественной культуры. Долгое время считалось, что в России нет природы, способной вызвать восхищение и стать темой для серьезного произведения. Вместо природы была лишь серая, безликая масса, тоскливая и бесконечная, как горе людское. Но поэтому же его лучшие пейзажи, порой совсем маленькие, несут в себе поистине большой поэтический смысл. В изображении кривых ветел на деревенской улице и перекинутых через канаву старых бревен мы видим «небесный» образ весны, в луже видим отраженное солнце, а молодая зеленая трава у деревенского мостика оказывается не просто растением известного сорта, но знамением радости воскрешения природы.

Левитан много писал на воздухе. Так велел ему Саврасов.

–Солнце гоните на холст!- кричал Саврасов.- Весеннюю теплынь прозевали! Снег таял, бежал по оврагам холодной водой, почему я не видел его на ваших этюдах? Липы распускались, дожди были такие, будто не вода, а серебро лилось с неба, — где всё это на ваших холстах? Срам и чепуха! Со времени этого тяжелого разноса Левитан начал работать на воздухе. Вначале ему трудно было привыкнуть к новому ощущению красок. То, сто в комнатах казалось ярким и чистым, на воздухе непонятным образом жухло, покрывалось мутным налетом.

Маленький пейзаж «Мостик» представляет собой написанный на натуре этюд, в котором покоряет прежде всего мастерски переданная молодым художником свежесть непосредственного восприятия природы. Прекрасно воспроизведены краски летнего солнечного дня, когда вся зелень кажется сверкающей и полной жизненных соков. Светом пронизана листва старых ветел, сомкнувшихся кронами. Их густые ветви образуют зеленый шатер и почти закрывают небо. Избрав низкую точку зрения, Левитан центром композиции в этом этюде сделал ветхий бревенчатый мостик, перекинутый через ручей, протекающий по дну оврага. Здесь объединяются все элементы, участвующие в построении пейзажного образа. От этого центра взгляд легко устремляется вглубь, к избам деревни, благодаря чему сам мостик воспринимается как часть типичного деревенского ландшафта. Левитан стремится показать зрителю особую красоту выбранного им мотива: он заставляет любоваться игрой солнечных бликов и голубых теней на ветхих бревнышках мостика, дает возможность заглянуть под мост и увидеть за темной тенью, бросаемой им на воду, пятно яркого света на поверхности воды и отражение голубого неба в ней. Но не только сияние солнечного дня смогло преобразить этот скромный, лишенный внешнего эффекта деревенский пейзаж. В каждом запечатленном в этюде куске живой натуры выражено тонкое поэтическое восприятие художником жизни, чувство её красоты. Именно потому он, несмотря на сравнительно широкую манеру письма, дает ощущение полноты жизни и внутренней завершенности. Нельзя не обратить внимание и на живописное мастерство, казавшееся прежде всего в умелом использовании богатых возможностей цветовой гаммы. Звучная живопись служит Левитану для того, чтобы воспеть столь скромный мотив, подобный которому нельзя было встретить в старом пейзажном искусстве.

Связи искусства Левитана с искусством Саврасова выступают в пейзаже с мостиком не столь определенно и непосредственно, как в предыдущей картине. Но вместе с тем только у воспитанника саврасовской школы могла зародиться мысль сделать объектом художественного воссоздания такую малоприметную деталь деревенского ландшафта, как старенький, кое- как сбитый пешеходный мостик. Используя основные принципы саврасовского искусства, Левитан в этом этюде идет дальше своего учителя в поисках простоты и лаконичности сюжета.

А наряду с этим в живописи «Мостика», в светлой палитре цветов, в тонко переданном взаимодействии света и цвета чувствуется уже та система живописи, которой Левитан мог овладеть под руководством Поленова.

Но самый значительный и глубокий по содержанию образ деревенского пейзажа был создан Левитаном в картине «Сумерки. Стога» (1899, Третьяковская галерея), написанной также после поездки в Новгородскую губернию. Как и предыдущие, этот пейзаж крайне прост по сюжету. Перед зрителем — равнина скошенного луга с рядами сметанных стогов, озаренных мягким светом луны. И только. Но, видимо, этот мотив глубоко взволновал художника значительностью и поэтической красотой своего облика. И, может быть, еще до возвращения в Москву, где писалась картина «Сумерки. Стога», в представлении художника этот сюжет повседневной жизни уже сложился в пейзажный образ, одухотворенный мечтой о гармонии природы и человека, отдающего свои силы и свой труд. Достигнув высокой степени обобщения, Левитан сумел сохранить в картине ясное ощущение состояния природы, то есть ту сторону её жизни, которая сильнее дает чувствовать себя в пейзаже лирического склада, определяя собой её эмоциональный строй. В сочетании лирического и эпического начала заключены неповторимое обаяние и трогательная нежность этого пейзажа.

Русский пейзаж на картинах художников XIX века: 13vainamoinen — LiveJournal

XIX век для русской литературы и живописи — это безусловно золотой век. В российское искусство в течение сравнительно короткого времени пришли десятки писателей и художников, которые сегодня признаны во всем мире.

Сегодня рассказ о месте пейзажа в творчестве известных русских художников.

Художник Илья Репин (1844-1930) — великий русский живописец. Пейзаж у И. Е. Репина занимает вспомогательное место, сам по себе он мало интересен, но если первом плане на мостике стоит девушка — это шедевр.

Летний пейзаж ( Вера Алексеевна Репина на мостике в Абрамцеве ). 1879. Художник Илья Репин

Художник Василий Поленов (1844-1927). Пейзаж в творчестве В. Д. Поленова занимал очень большое место. Художник любил рисовать укромные, тихие уголки русской природы, так характерные для образа жизни России XIX века. Полотно «Заросший пруд», как раз такое место. Когда смотришь на картину, так и кажется, что из тенистой аллеи выйдет юная девушка с зонтиком в руке.

Заросший пруд. 1879. Художник Василий Поленов

Художник Николай Хохряков (1857-1928) — русский пейзажист, родился в Вятке в бедной семье. Живописи учился у художника И. И. Шишкина, признанного мастера пейзажей, который взялся бесплатно обучать талантливого юношу. Одну из картин Хохрякова приобрел русский меценат Павел Третьяков для свой галереи. Полученные от продажи картины деньги позволили художнику уехать на некоторое время за границу, но болезнь и другие обстоятельства семейной жизни не позволили Н. Н. Хохрякову жить в Санкт-Петербурге, он вынужден был вернуться в Вятку.

На реке Вятке. Художник Николай Хохряков

Художник Иван Шишкин ( (1832-1898) — великий русский пейзажист. Считается, что он не умел рисовать людей, поэтому на его пейзажах их практически нет. Мне думается, что дело не в этом, для художника на первом месте стояла русская природа во всем ее многообразии, а люди и звери, если они занимают большой объем живописного полотна отвлекают внимание от пейзажа.

Дети в лесу. Художник Иван Шишкин

Художник Арсений Мещерский (1834—1902) — русский живописец-пейзажист. Большая часть пейзажей на его картинах — это южно-русская природа, предгорья Кавказа. На картине «У родника» как раз такой пейзаж — родниковая вода течет из скалы, а вокруг буйство южной природы.

У родника. Художник Арсений Мещерский

Мой канал в Яндекс Дзен — Художество

«Крым. Край солнца, радости и вдохновенья. Живопись и графика русских художников»

«Крым. Край солнца, радости и вдохновенья. Живопись и графика русских художников»

Собрание Радищевского музея
Собрание Вольского краевеческого музея

Из Симеиза с поляны Кипарисовой
Я люблю пешком гулять в Алупку
Чтоб на даче утренне ирисовой
На балконе встретить
Снежную голубку…
(Василий Каменский. Из Симеиза в Алупку)

Новая выставка Радищевского музея «Крым. Край солнца, радости и вдохновенья. Живопись и графика русских художников» представляет музейную коллекцию крымских пейзажей XVIII-XX веков. Интерес художников к природе полуострова вполне понятен – особенно тем, кто воочию видел редкой красоты побережье, рваные цепи гор, раскидистые сосны и стройные кипарисы. Гений места этой древней земли на протяжении многих лет влечет мастеров разных поколений и дарит вдохновение, свободу, радость созерцания.

Младые девы в той стране
Преданье старины узнали,
И мрачный памятник оне
Фонтаном слез именовали…
(А.С. Пушкин. Бахчисарайский фонтан)

Начиная с конца XVIII века, с момента завоевания Крыма Российской империей, художники приезжают сюда в поисках природной и этнографической экзотики. Василий Петров, состоявший в свите императрицы Екатерины II во время ее путешествия по Крыму в 1787 году, в картине «Вид Тавриды» запечатлел непривычный для жителя средней полосы России пейзаж: горные склоны, высокие кипарисы, повторяющие силуэты минаретов, татарское семейство в ярких национальных одеждах. Пейзажисты XIX века Никанор Чернецов и Алексей Боголюбов в своих произведениях показывают быт местных жителей с его традиционным укладом и неторопливым, словно замедленным, течением времени.

Известный советский сценограф Николай Медовщиков в 1927 году издал серию автолитографий «Бахчисарай», в которой в строгой монохромной манере изобразил памятники крымско-татарской архитектуры: дома, мечети, мавзолеи и, конечно, основанный в XVI веке Ханский дворец с Фонтаном слез, воспетым Александром Пушкиным в знаменитой поэме.

Василий Петрович Петров (1770 ?-1810)

Вид Тавриды. 1791. Дерево, масло

Чернецов Никанор Григорьевич (1805-1879)

Татарский дворик в Крыму. 1839. Холст, масло

Медовщиков Николай Николаевич (1898-1988)

Лист № 11. Ханский дворец. Фасад дворца со стороны сада. Из папки автолитографий «Бахчисарай». 1927. Автолитография

Боголюбов Алексей Петрович (1824-1896)

Алушта. Бумага, уголь

Пылают горы-горны,
и море синеблузится.
Людей ремонт ускоренный
в огромной крымской кузнице.
(Владимир Маяковский. Крым)

Особенности восточной архитектуры, сочетание богатых природных и рукотворных форм давали простор для творческого эксперимента, поэтому в Крыму много и плодотворно работали русские авангардисты, участники объединения «Бубновый валет». Гористый пейзаж в Алупке под кистью Аристарха Лентулова – «кубиста а-ля рюс», как его называли в Париже, – превращается в искрящийся «леденцовыми» гранями калейдоскоп. Роберт Фальк изобразил каменные стены бахчисарайских бань, освещенные слепящим солнцем, так, что зритель видит каждый мазок краски, чувствует движение кисти; нагромождая геометризированные формы, сочетая плоскости контрастных цветов, автор создает образ плотно застроенного восточного города.

Многие композиции саратовского художника XX-XXI веков Владимира Солянова вызывают в памяти живописные фантазии мастеров «Бубнового валета». В его «Коктебеле» те же яркость и динамика цвета, те же причудливые формы, словно растущие из нижнего края картины. Однако пейзаж Солянова холоднее по колориту, в нем больше прохлады морского воздуха, нежели теплого солнечного света.

Лентулов Аристарх Васильевич (1882-1943)

Старый замок в Крыму. Алупка. 1916. Холст, масло

Фальк Роберт Рафаилович (1886-1958)

Турецкие бани в Бахчисарае. 1915. Холст, масло

Солянов Владимир Алексеевич (1927-2016)

Коктебель. 1965. Картон, темпера

Красочна крымская красота.
В мире палитры богаче нету.
Такие встречаются здесь цвета,
что и названья не знаешь цвету.
(Ярослав Смеляков. Крымские краски)

С давних пор в Крым приезжали желающие отдохнуть, поправить здоровье или просто насладиться прекрасной природой. В царское время здесь строились дворянские имения, в советское – полуостров стал «Всесоюзной здравницей». По сей день художники живописуют разнообразные крымские виды, передавая радость жизни и целительную силу солнечных лучей, свежего морского воздуха, сочной зелени.

Цвета неуловимой мечты, идеала – голубой и синий – любимые в палитре молодого Павла Кузнецова. В пейзажах Гурзуфа, написанных уже зрелым мастером, десятки оттенков голубого и синего выражают красоту окружающего мира: морской глади и сумеречного неба, беспокойных волн и прибрежных камней. В композиции Вячеслава Невского нежные акварельные краски песочного, желтого и оливкового тонов создают иллюзию слепящего солнечного света, залившего поросший кипарисами склон. Андрей Юмашев, знаменитый летчик-испытатель, совершивший в 1937 году беспосадочный перелет из Москвы в Америку через Северный полюс, занимался художественным творчеством. В гуаши «Глицинии» он запечатлел одно из самых красивых растений Крыма.

Кузнецов Павел Варфоломеевич (1878-1968)

Берег. Гурзуф. Начало 1950-х. Холст, масло

Невский Вячеслав Юрьевич (1927-1997)

Крым. Алупка. 1980. Бумага, акварель, карандаш графитный

Юмашев Андрей Борисович (1902-1989)

Глицинии. 1960. Бумага, гуашь, графитный карандаш

Золотистого меда струя из бутылки текла
Так тягуче и долго, что молвить хозяйка успела:
Здесь, в печальной Тавриде, куда нас судьба занесла,
Мы совсем не скучаем,— и через плечо поглядела.
(Осип Мандельштам. Золотистого меда струя…)

«Непарадный» Крым с хрупкими, словно игрушечными домиками у подножия гор и медленно ползущими по земле тенями встречаем в камерных пастельных рисунках Зои Мостовой-Матвеевой.

Наталья Нестерова увидела оборотную сторону курортной жизни – однообразие и скуку. Ирония автора направлена против господствующего в 1970-е годы социалистического реализма, предписывавшего показывать явления советской жизни лишь в позитивном свете. Изображая в примитивистской манере парки Алупки и Жуковки, художница выбирает условный серовато-зеленый колорит. Ее Крым слишком правильный: аккуратные дорожки, прямые стволы деревьев, ровно подстриженные кусты, чинно вышагивающие отдыхающие.

Матвеева-Мостова Зоя Яковлевна (1884-1972)

Крым. Пейзаж. 1910-1920. Бумага, пастель, уголь

Нестерова Наталья Игоревна (род. в 1944)

Алупка. 1975. Холст, масло

Видишь? — я, от радости заплакав,
запрокинул голову — и вот
Киммерия, алая от маков,
в бесконечность синюю плывет.
(Борис Чичибабин. Коктебельская ода)

Многие художники и литераторы, особенно рубежа XIX-XX веков, воспринимали крымскую землю как своеобразный портал в прошлое: созерцая просторы цветущих долин и бездонное небо, они словно переносились в легендарную Киммерию, населенную древними народами.

Героиня романа Людмилы Улицкой гречанка Медея, живущая в Феодосии, не переставала удивляться «странным для человеческого глаза», «неземным» пейзажам Крыма и в такие моменты вспоминала художника Константина Богаевского, картины которого «отталкивались от этих скальных причуд, черно-зеленых обрывов и розовых разломов Карадага». Монументальные панно феодосийского мастера «Ночь у моря» и «Старый Крым» принадлежат к новому для начала XX века жанру – историческому пейзажу. Еще один представитель «киммерийской школы живописи» – художник и поэт Максимилиан Волошин – после революции поселился в своем доме в Коктебеле, где принимал многочисленных друзей. Его жемчужные акварели полны гармонии и покоя, которых так не хватало людям в это тяжелое время.

Петр Уткин, Павел Кузнецов и Александр Матвеев, мастера-символисты из Саратова, именно в Крыму воплотили в жизнь свою мечту – создание синтетического произведения, объединявшего разные виды искусства. Им стало имение петербургского коллекционера Якова Жуковского Новый Кучук-Кой. Друзья-саратовцы на протяжении нескольких лет работали над оформлением архитектурно-паркового ансамбля и создали прекрасное подобие античных вилл, пристанище тоскующей души. Для Петра Уткина дом на побережье, окруженный парком с беломраморными скульптурами, на долгие годы стал источником вдохновения.

Богаевский Константин Федорович (1872-1943)

Старый Крым. 1903. Холст, масло

Волошин Максимилиан Александрович (1877-1931)

Пейзаж. Бумага, акварель

Уткин Петр Саввич (1877-1934)

Вид имения Новый Кучук-Кой. 1912. Холст, масло

Лишь запах чабреца, сухой и горьковатый,
Повеял на меня — и этот сонный Крым,
И этот кипарис, и этот дом, прижатый
К поверхности горы, слились навеки с ним.
(Николай Заболоцкий. Над морем)

На картинах каких художников можно увидеть «самарскую» Волгу

  20 мая отмечается День Волги. «Самарская газета» рассказывает, кто из знаменитых живописцев бывал в нашем городе. 

Для нашего искусства великая река, на берегу которой стоит Самара, — это не только главный источник вдохновения и важнейший сюжет. Волга впадает в сердце многих русских художников, не только самарских. Наша Самарская лука — даже по волжским критериям живописности — совершенно уникальна. Здесь не просто «очень красиво» — здесь место великой силы.

Тот, кто знает Ширяево и ночевал в Каменной чаше, согласится: не случайно поворотная для карьеры, наверное, самого великого русского художника Ильи Репина картина была написана именно здесь. На берегу Волги, у Ширяевского оврага, на склонах Жигулей.

А художник Федор Васильев, приехавший с Репиным, такой же молодой и талантливый, простудился вскоре после возвращения с Волги, заболел и, промучавшись несколько лет, умер от чахотки в 1873 году. В год триумфа великих репинских «Бурлаков».

По воспоминаниям Ильи Ефимовича, Васильев в Жигулях забавы ради подстрелил коршуна: «Вот парит большой коршун в голубой дымке прозрачного воздуха над лесом… Васильев — о преступная страсть охотника! — мигом умело вскидывает к плечу двустволку. Грянул выстрел и стал повторяться сказочным эхом от всех далеких гор, так правильно отделенных от нас воздушной перспективой. Дрогнул коршун в воздухе и сначала криво, а потом быстро, как пуля, засвистел к вершине дерева выше нас. Мы старались заметить место, чтобы поднять его в лесу, но, слезая со скал, так запутались между громадными деревьями и густыми кустами орешника, что едва-едва выбились уж к берегу Волги…»

Оценили стиль? И кто из тех, кто ходит в кругосветку, поверит в это простое совпадение? Большие хищные птицы на высохших скелетах ихтиозавров — осокорей. Скалы и огромный простор, поражающий воображение. Безмолвная и живая громада реки, которая всегда движется и всегда здесь. Волга поражает воображение. Даже художники, не любившие рек, не могли устоять перед ее мощным обаянием. У нас в Жигулях оно особенно сильно.

Исключение из правил

Иван Айвазовский нечасто писал реки. Маринисту Айвазовскому приятнее было нарисовать сухопутный Тифлис или Малороссию, но не речной пейзаж. В его творчестве есть только несколько картин с изображением Днепра — они сделаны в начале карьеры. А вот Волга появилась в жизни Айвазовского уже ближе к закату. Он путешествовал на пароходе и создал по итогам поездки два больших полотна — «Волга» и «Волга у Жигулевских гор». Это было в 1887 году, уже после триумфа «Бурлаков», когда наша Самарская лука стала очень популярной у художников. Великих русских художников.

В среднем течении

До Самарской луки по Волге спустились не все. Исаак Левитан несколько лет провел в Плесе и создал там самые русские пейзажи, какие только можно представить. «Над вечным покоем» — само название картины — ярчайший образ России. При том что иудею по вероисповеданию Левитану уже после создания этой картины запретили жить в Москве, и он скитался из Владимирской губернии в Тверскую.
Волжский трагизм отразил в своем творчестве другой русский гений — Алексей Саврасов. Одно из самых известных его произведений — простой, но страшной силы набросок — «Могила на берегу Волги». Сам художник, пройдя через признание и славу, начал пить и умер в бедности и забвении. И Волга на картинах Саврасова великая, но совсем не радостная.

А вот у нашего земляка Константина Горбатова Волга — главная северная река. Хотя он никогда не был особым ее патриотом — писал и озеро Неро, и Оку, и Средиземное море. Но вырос все-таки в Ставрополе, а учился живописи в Самаре, так что видел прежде всего такую Волгу, как видим мы, спускаясь по улице Венцека. Вот почему в его живописи так много этого закатного света — сусального золотого и невыносимо грустного, как солнце, уходящее за горизонт.

Горбатов уехал из России в 1920 году, будучи академиком и последним из передвижников. Он писал беляны (деревянные плоскодонные барки. — Прим. ред.), град Китеж и образ мистической сказочной реки, на которой стоит город из русских былин. Волга та же, но эта Русь как раз в те годы исчезла окончательно.
Горбатов уехал после революции в Германию, где дожил до 1945 года. Он продолжал тайком, в подвале, писать по памяти русские города на русских реках. Он ждал, когда наши войска освободят Берлин. И дождался. Горбатов умер 75 лет назад, 24 мая 1945 года. Его картины, на многих из которых есть Волга, вернулись в Россию.

Главная река социализма

Магия Самарской луки не исчезла и после того, как в нашей стране победил соцреализм. В конце 40-х началась огромная стройка у подножия Жигулей. Советской промышленности нужна Волга — мать самарского искусстВа была электроэнергия, и на Волге началось создание каскада ГЭС. Куйбышевская электростанция в нем одна из мощнейших. И ее возведение, как это было принято в СССР, было прославлено деятелями культуры.

На строительство ГЭС приезжал даже молодой Илья Глазунов. И хотя художники социалистического реализма не слишком обращали внимание на красоты пейзажа, все же Волга и Жигули останутся в качестве романтического фона для человеческих свершений. Как неотъемлемая часть одной из великих строек социализма.

Школа горизонта

А еще наша Волга и лука вырастили целую плеяду (да, слово старомодное, но это еще и славная плеяда!) художников-пейзажистов. Иван Комиссаров, Юрий Филиппов, Венир Кныжов, Валентин Пурыгин — кого ни возьми из наших «великих старцев», все они выросли на волжском пейзаже. Более того, в этом и есть одна из основных задач всех самарских художников — что-то добавить к этому пейзажу, оставить свой уникальный штрих или мазок.

И если уж мы заговорили о выдающихся самарских художниках, то несомненно, что Филиппов привнес в этот пейзаж яркость чистых красок и энергию владимирской школы, а Пурыгин добавил в пейзаж не только город и его жителей, но и целый бестиарий. Его волжский пейзаж, даже внешне реалистичный, всегда наполнен невидимой мистикой места. Эту мистическую энергию Жигулей и транслируют в мир наши самарские художники. Не устают писать пейзажи, в которых снова и снова отражается Волга.

Русский реализм в американском пейзаже

Артикул:

МЕЖДУНАРОДНАЯ ПАНОРАМА

Выпуск журнала: 

№1 2013 (38)

СЕМЕЙНАЯ ВСТРЕЧА С РУССКИМ ИСКУССТВОМ ДЖОН И КЭТИ ВУРДЕМАН СОЗДАЮТ НОВАТОРСКУЮ ЧАСТНУЮ КОЛЛЕКЦИЮ ИСКУССТВА В ВИРДЖИНИИ С ОСОБЫМ АКЦЕНТОМ НА РУССКИЙ РЕАЛИЗМ И ТРАДИЦИЮ ПЛЕНЭРА.БОЛЬШИЕ ЧАСТНЫЕ КОЛЛЕКЦИИ ЧАСТО СТАЛИ ОСНОВОЙ ДЛЯ БУДУЩИХ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ГАЛЕРЕЕЙ И МУЗЕЕВ – ИМЕНИ ПАВЛА И СЕРГЕЯ ТРЕТЬЯКОВЫХ, ИВАНА МОРОЗОВА И СЕРГЕЯ ЩУКИНА, ЭНДРЮ МЕЛЛОНА И САМУЭЛА КРЕССА, АЛЕКСЕЯ БАХРУШИНА И ЛЕВКОГО ЖЕВЕРЖЕЕВА, ЭДУАРДА АНДРЭ, СОМОГИМ-ЖАКЛОШЕМА ГЕНРИ ФРИК И ПИТЕР ЛЮДВИГ ЯВЛЯЮТСЯ СВИДЕТЕЛЬСТВАМИ ЭТОГО ЯВЛЕНИЯ. СРЕДИ СОВРЕМЕННЫХ ЧАСТНЫХ КОЛЛЕКЦИЙ ТАКОГО РУССКОГО ИСКУССТВА НЕКОТОРЫЕ, КАК СЛАВИСТ РЕНЕ ГЕРРА ВО ФРАНЦИИ, ХОРОШО ИЗВЕСТНЫ, ДРУГИЕ ЖДУТ ПОПУЛЯРИЗАЦИИ И ИЗУЧЕНИЯ.

Галерея Лазар, расположенная в живописном лесу на реке Ламс в округе Чарльз-Сити, недалеко от Ричмонда, столицы штата Вирджиния, является результатом энтузиазма Джона Вурдемана IV и его жены Кэти, ее основателей и владельцев — галереи назван в честь их старшего внука. Когда сын Вурдеманов Ионафан (Иоанн V) учился в Суриковском художественном институте в Москве, родители поощряли и внимательно следили за развитием сына как художника, открывая для себя в процессе работы замечательных мастеров Московской школы живописи, преподавали в Суриковском институте, а также их единомышленники из Союза художников России.

Реалистическое искусство находится в центре коллекции Галереи Лазар, как в эстетическом, так и в количественном отношении, и в основном представлено работами русских художников. Среди первых поступлений новой галереи были картины Вячеслава Забелина, Михаила Абакумова, Ольги Светличной, Геннадия Королевых, Юрия и Михаила Кугач, Николая Дубовика, Ольги Белаковской, Никиты Федосова, Ивана Сорокина, Николая Пономарева, Виктора Цыплакова и других. Начав свою коллекцию с художников, имена которых были подсказаны их сыном, Вурдеманы стали искать искусство тех мастеров, которые уже прочно заняли свои места в истории русского искусства.Так, галерея «Лазар» приобрела произведения Сергея Герасимова, Петра Петровичева, Аркадия Рылова, Аркадия Пластова, Гавриила Горелова, Порфирия Крылова и Михаила Куприянова — ярких представителей русской живописной школы.

В конце концов, Джон и Кэти Вурдеман перешли от простого коллекционирования к популяризации искусства тех мастеров, чьи работы они эстетически отождествляли; они начали организовывать пленэры и мастер-классы для любителей американского искусства, и сфера их интересов и образовательной деятельности продолжала расширяться.Они занялись издательством и начали собирать художников и любителей искусства для дискуссий. Галерея Лазар, изначально располагавшаяся в Ричмонде, столице штата Вирджиния, в здании банка XIX века, работает уже почти 15 лет. Коллекция и высокое профессиональное качество хранящихся в ней работ вызывают живой и вдумчивый интерес как у любителей искусства, так и у знатоков.

Супруги из Вирджинии создали «мост» между современным искусством России и США.Вурдеманы владеют крупнейшей частной коллекцией искусства Вячеслава Забелина, а также инициировали издание самого обширного монографического альбома, посвященного этому замечательному русскому художнику, — в нем представлена ​​ретроспектива наследия мастера и дан всесторонний анализ его вклада в современное реалистическое искусство.

До того, как Вурдеманы посвятили себя исключительно своей галерее и коллекционированию произведений искусства, у них был еще один бизнес, связанный с искусством: изготовление оттисков со старинных гравюр.Джон и Кэти использовали средства, которые они заработали на печати, для создания своей галереи и покупки картин, а также для организации мастер-классов на пленэре для участников со всех концов Соединенных Штатов. Галерея Lazare предлагает номера и общую обстановку, необходимую для продуктивной, увлекательной и вдохновляющей работы, в обстановке, которую ценят как любители, так и профессиональные художники. Регулярно проводятся мероприятия «открытых дверей», и посетители могут не только осмотреть выставку галереи, но и исследовать живописные окрестности поместья Вурдеман.

Почему владельцы галереи «Лазар» избрали своим любимым видом деятельности пленэрные мастерские? По их собственным словам, живое, непосредственное переживание природы, окружающей среды и ее меняющихся условий, восхода и захода солнца; ощущение воздуха, пространства и настроения каждого времени года — все это заряжает особой эмоциональной энергией. Близость к природе — неотъемлемая часть нашего существования.

Первоначально Галерея Лазар ориентировалась на пейзажный жанр; однако это не означает, что Вурдеманов не интересует композиционная живопись, портреты или натюрморты.Искусство Забелина на всех уровнях соответствовало широким интересам новых коллекционеров: они были очарованы поэтическими русскими пейзажами, которые Забелин писал во все времена года, отголосками патриархального быта русской провинции, изображениями повседневности. быт простых людей и особое очарование маленьких провинциальных городков. Безусловно, они оценили неповторимую палитру художника и завораживающий лирический тон его картин.

Сказки и быль, прошлое и настоящее прекрасно сочетаются на полотнах Забелина.Плавные мазки художника, тончайшие нюансы цвета, моделирование пространства с помощью светотени — все это передает живое, буйное мировосприятие Забелина, а его работы стали жемчужиной коллекции Вурдеманов.

Год за годом к нему добавляются новые достойные внимания произведения русских художников: проникновенные, философские пейзажи Виктора Цыплакова и Михаила Абакумова, прекрасные ноктюрны Николая Дубовика и Ольги Белаковской, яркие полотна Юрия Кугача и Ольги Светличной, Алексея и Юлии Суховецких, Александр Даниличев и Михаил Добросердов.В творчестве Джонатана (Джона V) Вурдемана, сына владельцев галереи, пейзажи, следующие традициям Московской школы живописи и фундаментальной профессиональной культуры Суриковского института, сочетаются с собственным темпераментом и своеобразным мировоззрением художника. С недавнего времени Джонатан Вурдеман живет в Республике Грузия, где купил несколько виноградников, поэтому в его новых картинах много жанровых сцен из жизни виноделов и местных жителей.

Коллекция галереи «Лазар» постоянно пополняется, в первую очередь благодаря пленэрам и мастер-классам российских художников, приезжающих по приглашению галереи.По мере расширения коллекции планировка ее экспозиции периодически обновляется.

Галерея Лазар активно сотрудничает с различными периодическими изданиями, посвященными искусству и культуре, в первую очередь с журналом PleinAir, издаваемым Эриком Роудсом. Журнал публикует статьи о признанных мастерах пейзажной живописи, а также о текущих выставках, а также советы начинающим художникам и художникам-любителям. В журнале неоднократно публиковались обзоры пленэров, организованных галереей.Несмотря на трудные экономические времена, Джон и Кэти Вурдеман с оптимизмом смотрят в будущее, в том числе строят новые планы с участием своего сына Джонатана.

Само создание и существование коллекций и галерей, связанных с русской культурой, составляет важную часть российско-американского культурного диалога и способствует расширению взаимопонимания культурной жизни двух народов. В эту постиндустриальную эпоху, во времена мультимедиа и нанотехнологий, новых, нефигуративных, кинетических и виртуальных форм искусства, общественный интерес к реализму не отошел в тень, а действительно набирает обороты для дальнейшего развития .Мы видим изменения в технике, формах, изобразительных стилях, эмоциональной окраске, а также использование новых художественных средств, но сущность великих реалистических традиций, их жизнеспособность и актуальность остаются вне меняющихся времен и географических границ. История Джона и Кэти Вурдеман — это история энтузиастов реалистического искусства, которые последние 15 лет работают над налаживанием отношений с представителями российского изобразительного искусства.

Спина

Теги:

вопросов куратору Беттине Юнген – Mead Musings

Для многих из нас русское искусство похоже на русский пейзаж — большие участки неизведанной территории.Но выставка этого года в Русском центре Амхерста под названием « Путешествие в космос и память: городские пейзажи и пейзажи русских художников, » делает искусство и пейзаж России доступными даже для непосвященных.

Недавно мы разговаривали с организатором выставки Беттиной Юнген, старшим куратором Художественного музея Мид, и Томасом П. Уитни, выпускником 1937 г., куратором русского искусства, которые уверяют нас, что не все русское искусство абстрактно, и не каждый пейзаж погребен в белая пелена снега.

Беттина Юнген, куратор отдела русского искусства

В дополнение к английскому названию Вы дали выставке русское название: ПОД ОТКРЫТЫМ НЕБОМ. Что это значит? Это означает «Под открытым небом».

Когда мы слышим словосочетание «русский пейзаж», большинство из нас представляет себе Сибирь с ее пустынными степями и арктическими температурами. Это то, что люди могут ожидать увидеть на этой выставке? Вовсе нет. Представленные на выставке «русские» художники родились и жили во многих местах Российской империи, Европы и США.Выставка представляет это географическое разнообразие в самых разных ракурсах, включая залитую солнцем молдавскую сельскую местность Михаила Ларионова, солнечный бульвар в Париже Роберта Фалька и латвийский пейзаж Марианны фон Веревкин в ярких фиолетовых и синих тонах.

Загорающая молдавская сельская сцена. Михаил Ларионов (русский, 1881–1964). Пейзаж с повозкой , 1909. Холст, масло, наложенный на двп. Дар Томаса П. Уитни (выпуск 1937 г.), 2001 г.20

Почти все художники, представленные на выставке, родились в Российской империи или Советском Союзе, но иммигрировали во Францию ​​или США, спасаясь, как я полагаю, от политических преследований со стороны Советский режим.Но работы в этой выставке совершенно не кажутся мне политически заряженными. Что не понравилось советской власти в таком искусстве? Судьбы каждого художника на выставке разные. Некоторые были за границей и не могли вернуться, когда Октябрьская революция поразила Россию [в 1917 году]. Другие покинули Россию по экономическим и политическим причинам после революции, а один художник, Оскар Рабин, был выслан властями.

Картина амбивалентности. Художник любил это местечко в деревне, но ненавидел советскую власть.Его лишили гражданства и выслали в конце 1970-х годов. Оскар Рабин (русский, р. 1928). S весна в Прилуках , 1967 г. Холст, масло, накладные бумажные элементы. Дар Томаса П. Уитни (выпуск 1937 г.), 2001 г.346

Цензура и репрессии обострились в 1930-е гг. Искусство подвергалось нападкам либо за несоответствие советской системе, либо за то, что оно не отражало «счастливую» советскую жизнь, либо просто за модернистские формальные подходы. Самый прямой политический пример — «Весна » Рабина в Прилуках , похожая на зиму своими серыми тонами и черными очертаниями.Эта картина обращается к несогласию художника с советской системой.

Одна из выставленных картин Натальи Гончаровой « Красные дома в Москве » звучит как карта того, где живут лидеры Коммунистической партии. Но это совсем не то, верно? Хотя красный — это цвет советского флага, он также является цветом многих кирпичных зданий в Москве. А красный — доминирующий цвет в русской визуальной культуре. Он заметно проявляется в иконах, предметах ручной работы и традиционной одежде.Гончарова нарисовала красных домов , чтобы запечатлеть район, в котором у нее была московская мастерская.

Район, где у Гончаровой была мастерская, более чем за десять лет до Октябрьской революции 1917 года. Наталья Гончарова (рус., 1881–1962). Красные дома в Москве , 1904. Холст, масло. Дар Томаса П. Уитни (выпуск 1937 г.), 2001 г.13

Я думаю о русском искусстве двадцатого века как об абстрактном, просто формах и линиях, подобно картинам Кандинского. Но на этой выставке я вижу картины, где деревья выглядят как деревья. Многие малоизвестные на Западе русские художники-модернисты работали в образной манере и в России признаны важными участниками развития русского искусства. Книга Амхерста «Томас П. Уитни, выпуск 1937 года, собрание русского искусства», из которой полностью составлена ​​эта выставка, учитывает эту особенность русского искусства.

Русские художественные направления, так или иначе стремившиеся к геометрической абстракции, лучше вписываются в западный искусствоведческий канон, а потому более известны и ценятся на Западе.Однако для россиян и российских искусствоведов масштабы великого русского искусства гораздо шире.

Абстрактные геометрические произведения — это то, о чем думают многие жители Запада, когда думают о русском искусстве начала 20-го века. Василий Кандинский (русский, 1866–1944). Kleine Welten I (Small Worlds I), 1922 г. Цветная литография на японской бумаге. Подарок Ричарда Г. Бампа, в память об Элмо Джорданетти, 1985 год. Не обязательно.Фигуративные работы могут быть сложными. Вы думаете, что знаете, что они показывают, но это не всегда так. Или вы не знаете, что делать с предметом, потому что он из другого культурного контекста. Это правда, что знакомые объекты часто более доступны с первого взгляда. Это было одной из причин становления социалистического реализма и его последующей популярности.

Вернемся к названию шоу — что такое «Путешествия памяти»? Как я упоминал ранее, многие художники уехали из России в какой-то момент между концом девятнадцатого века и 1970-ми годами, не имея возможности вернуться.Они путешествовали домой через свои воспоминания. Александр Бенуа, например, снова и снова изображал место своего рождения, Санкт-Петербург, живя в своем новом доме во Франции.

Бенуа часто рисовал свой родной город Санкт-Петербург по памяти, когда жил во Франции. Александр Бенуа (русский, 1870–1960). Вид на реку Охту в Санкт-Петербурге , 1959 г. Акварель, графит на бумаге средней плотности. Дар Томаса П. Уитни (выпуск 1937 г.), 2001 г. 418

Вы выросли и получили образование в Швейцарии и уже много лет работаете в Амхерсте, далеко от родной страны.Сочувствуете ли вы русским художникам-эмигрантам, чьи воспоминания связаны с далекой родиной? Ну, с интеллектуальной точки зрения, конечно. Однако я не беженец и надеюсь, что всегда смогу вернуться в свою страну. Это существенное отличие.

Путешествия в космос и память: городские пейзажи и пейзажи русских художников выставлены в Художественной галерее Русского центра, Вебстер-холл, 2-й этаж, в Амхерст-колледже до весны 2016 года.

Интервью Шейлы Флаэрти-Джонс

Нравится:

Нравится Загрузка…

Связанные

Городской пейзаж в русской живописи XIX века — Guide For You Tours

Образы двух столиц всегда занимали большое место в творчестве русских художников. Тут нельзя не процитировать Пушкина: «Москва — сколько слилось воедино В этом звуке для русского сердца!» и «Люблю тебя, цитадель Петрова…» Красота Москвы и Петербурга, их самобытность и историческая судьба всегда привлекали художников.

Особое развитие городской пейзаж получил в живописи XIX века, когда он стал самостоятельным жанром. Основоположником русского городского пейзажа считается художник Федор Яковлевич Алексеев. Именно ему удалось снять ту скудную документальность, которая царила в картинах предыдущего времени. Работы Алексеева отличаются своеобразной перспективой, уходящей в глубину композиции по диагонали, поэтому точка схода находится вне картины.Этот метод позволяет добиться максимальной естественности в передаче изображения. Из-под пера художника вышли виды многих городов России, но самые вдохновенные его полотна посвящены Петербургу, который к этому времени уже приобрел вид законченного архитектурного ансамбля.

Любимый мотив Алексеева – Дворцовая набережная от Петропавловской крепости. В своих городских пейзажах он запечатлел именно структуру петербургской архитектуры, томную гладь Невы и медленно плывущие лодки.Но при всей документальности его картины имеют большую художественную ценность. В петербургских работах начала XIX века Алексеев соединяет городской пейзаж с повседневной жизнью города. В 1800 году Петербургская Академия художеств направила художника и двух его учеников в Москву для зарисовок ее исторических достопримечательностей и древностей.

В этот период Алексеев находился под влиянием классицизма, поэтому он стремился придать московской архитектуре геометричность и строгость Петербурга.Его картины отличаются уравновешенным соотношением архитектурных объектов и четким выделением центральных частей композиции. Московские произведения Федора Алексеева совпали с возрождением интереса к истории России. Через десять лет художник во второй раз посетил Москву и создал новую серию пейзажей. Помимо неоспоримых художественных достоинств, его Московский цикл имеет и большую историческую ценность, так как показывает город до пожара 1812 года. Городской пейзаж в России неизбежно связан с литографией.Большой интерес представляют литографированные виды Петербурга и его окрестностей, созданные в 1820 — 1830 гг. С. Галактионовым, А. Мартыновым, К. Беггровым, К. Сабатом, В. Садовниковым. Их работы, отличающиеся строгой графической манерой, точно передают своеобразие столицы. Другие архитекторы также часто создавали акварельные и карандашные зарисовки городских пейзажей. Но кроме реальных зданий часто рисовали проектные ансамбли.

Наиболее интересны акварельные и графические виды Петербурга, созданные А.Брюллова и А. Воронихина, и Москва О. Бове. В середине XIX века в живописи классицизм сменился романтизмом. Эта тенденция отразилась и в городском пейзаже – большое внимание уделялось различным явлениям природы: закату, сумеркам, лунному свету, грозе. Все это должно придавать городу атмосферу таинственности. Наиболее романтичный образ города раскрывается в работах Максима Воробьева и его учеников. Одними из лучших его картин являются «Пристань с египетскими сфинксами на Неве ночью» и «Осенняя ночь в Санкт-Петербурге».Петербург». Первая картина иллюстрирует ночной Петербург, озаренный таинственным светом луны. Романтический городской пейзаж встречается и среди работ известного мариниста И. Айвазовского. В картине «Вид на Москву с Воробьевы горы» древняя столица больше похожа на призрачный мираж. Во второй половине XIX века на городских типах Москвы и Петербурга появляются не только изображения центральных частей города с аристократическими дворцами, но и города пригороды с домами простых людей, а определяющая роль от архитектурных форм переходит к жанровым элементам.

 

ПОД ОТКРЫТЫМ НЕБОМ—Путешествия в пространстве и памяти: городские сцены и пейзажи русских художников | 2015

Обратите внимание: эта выставка находится в Художественной галерее Русского центра, расположенной в Амхерстском центре русской культуры в Вебстер-холле. ЧАСЫ И ПРОЕЗД» 

На этой выставке собраны семнадцать русских деревенских и городских сцен ХХ века из коллекции Томаса П. Уитни (выпуск 1937 г.).Он предлагает путешествие в места по всему миру, которые были любимы художниками, которые их изображали. Работы продолжают традицию русской пейзажной живописи XIX века, заложенную группой художников-реалистов передвижников, отколовшуюся от классического академического канона с его упором на передачу сцен из Библии и мифологии и начавшую изображать их среды, часто с социокритическими намерениями.

Прогрессивные художники ХХ века, представленные на выставке, отвергли, однако, реализм прошлого века, который продолжал пользоваться популярностью при советской власти.Их искусство уходит корнями в импрессионизм, постимпрессионизм, кубизм, а после Второй мировой войны — в модернистские течения начала двадцатого века и современное западное искусство. Активным в мировоззрении этих художников оставался спор о русской культуре и политике, вопросы идентичности и принадлежности, ностальгии и выживания.

В экспозицию включены виды Санкт-Петербурга работы Мстислава Добужинского, Александра Бенуа и Владислава Измайловича. Все трое художников любили город и изображали его на протяжении всей своей карьеры, как живя там, так и вспоминая его по памяти, живя за границей.Среди других работ на выставке — «Вид Парижа» Роберта Фалька, фантастический африканский пейзаж в картине Павла Филонова «» «Бегство в Египет » и ранняя работа Натальи Гончаровой с изображением Москвы, а также картины Михаила Ларионова, Исаака Левитана, Оскар Рабин и Марианна фон Веревкин. Печатные материалы, представленные в фондах Амхерстского центра русской культуры, включают журналы с изображением Давида Бурлюка, «отца русского футуризма»; Город (Город), стихотворение Александра Рубахина в иллюстрациях Гончаровой; и Напев Вселенского Цветения (Пропевень о проросли мировой) Филонова.

Выставка организована Беттиной Юнген, старшим куратором, и Томасом П. Уитни, выпускником 1937 г., куратором отдела русского искусства Художественного музея Мид.

Аннотированный и иллюстрированный контрольный список выставки

 

Описание картины Ивана Шишкина «Лесной пейзаж» ❤️

Во второй половине XIX века русская живопись расцвела в результате творчества плеяды блестящих художников-передвижников. Как ни в какой другой стране, особенно ценный вклад в развитие изобразительного искусства вносят известные русские пейзажисты Саврасов, Поленов, Левитан, Айвазовский, Шишкин.

Жанр пейзажа, при всей его относительной нейтральности, благодаря большому таланту и неустанному труду в натуре сделал Шишкина поистине легендарным живописцем. По словам самого Ивана Ивановича, Россия — страна пейзажей. Ее особая национальная чувственность и тоска по эпическим традициям фольклора привели Шишкину к всенародному признанию и достойному месту в мире изобразительного искусства.

Пейзажи Шишкина отличаются невероятной реалистичностью и цельностью изображения, особой тонкостью и наполненностью световоздушной массы, невероятно трепетным и эстетическим отношением к деталям.Цветовое оформление

Шишкин ставит на второй план, считая недопустимым искусственно возвышать природное очарование и поэтичность сюжета.

Картина «Лесной пейзаж», созданная в 1890 году, относится к числу поздних работ художника. Он воссоздает традиционно любимую Шишкиным тему могучего соснового леса в солнечный летний день. На переднем плане небольшой водоем, дерево, упавшее где-то в начале лета, потому что еще не опавшие засохшие листья, куст болотного цветка.Чуть дальше можно увидеть дорожку через ручей из двух поваленных деревьев и широкую тропу, спускающуюся по склону небольшого холма. Такая неотделимость природы от человека также является характерной чертой шишкинских пейзажей, которыми он пытался подчеркнуть важность постоянного контакта человека с породившей и питающей его средой, их потребность друг в друге.

Людей на снимке не видно, но их присутствие отчетливо ощущается во всем. Видно, как грибники идут с корзинами через мост, крестьяне возвращаются из соседней деревни, дети бегут в дальний изгиб ручья купаться.И вот невольно хочется вдохнуть этот нагретый сосновый воздух и запах лесных цветов и посидеть под деревом на теплой траве, облокотившись спиной на корявый смолистый ствол.

Татаринов | Герман Татаринов | размышления об искусстве


Герман Татаринов. Русский пейзаж

Сергей Иванов

 

В апреле 1932 года Иосиф Сталин издал указ, согласно которому все существующие литературные и художественные организации должны были образовать единый творческий союз, который определял всю творческую деятельность, включая образование.Указ Сталина обозначил четкую линию возрождения художественного образования и возврата к реализму. В 1924 году название Санкт-Петербурга было изменено на Ленинград, с дипломом Сталина 1932 года родился Ленинградский союз художников. Ленинградская школа относится как к художественному учреждению, известному сегодня как Академия имени Репина, так и к членам Ленинградского Союза художников в период с 1932 по 1990-е годы, в который входило около 1200 художников. В 1930-е годы художники ленинградской школы писали самые разные сюжеты, в том числе пейзажи и натюрморты, а также более общественно значимые картины.22 июня 1941 года академическая жизнь навсегда изменилась для этих художников с нападением Германии на Россию, положившим начало Второй мировой войне. После войны студенты быстро вернулись в институт в Ленинград.

Одним из членов Ленинградского Союза художников был Герман Алексеевич Татаринов (1925-2006), который родился в крестьянской семье в сельской местности России под названием деревня Старые Кресты Ярославской губернии. В 1942 году Татаринов был призван в Красную Армию и участвовал в боях против Японии.В 1952 году Татаринов окончил Ленинградское военно-морское политическое училище, а в 1961 году демобилизовался с военной службы. В это время он смог вернуться к работе художником в ленинградском отделении Художественного фонда РФ. С 1967 года Татаринов выставляет свои пейзажи, натюрморты и жанровые композиции.

Герман Татаринов был преимущественно пейзажистом. Его цветовая палитра была сдержанной, основанной на соотношении зеленых и охристых тонов, по мотивам творчества русских импрессионистов 1800-х годов.Его композиция и стиль тяготели к пленэрной живописи и полномасштабной панораме. В 1972 году стал членом Союза художников Санкт-Петербурга. В 2000 году Татаринову было присвоено почетное звание Заслуженный художник Российской Федерации. Картины Татаринова находятся в художественных музеях и частных коллекциях России, Франции, США, Финляндии, Германии, Англии, Японии и всего мира.

Все работы Германа Татаринова, изображенные в этой статье, доступны в нашей галерее – нажмите здесь

Альбом содержит обширную коллекцию произведений большого коллектива художников Ленинградской школы живописи.Настоящая книга является первым комплексным изданием по истории ленинградской школы, одного из ярких и значительных явлений советского искусства 1930-1980-х годов, сильно повлиявшего на его содержание и развитие.

В книге обозначены основные периоды развития школы от периода, предшествовавшего ее становлению в начале 1930-х гг., до начала 1990-х гг. Картины, воспроизведенные в издании, принадлежат крупным российским и частным коллекциям, часть работ публикуется впервые.Это позволяет по-новому и всесторонне оценить художественное наследие отдельных художников и эпохи в целом. Издание содержит исторический очерк, биографии и фотографии художников, а также обширный справочный раздел, который помогает читателю ориентироваться в материалах книги и дает важные исторические ориентиры. Тексты публикуются на русском и английском языках.


Количество страниц: 450 страниц, 343 цветные пластины
Обложка: Твердый переплет
Язык: русский и английский
Размер: 12.7 дюймов в высоту x 10 дюймов в ширину

 

 

Несколько изображений в книге

Речной пейзаж Сидоров Валентин Михайлович

Речной пейзаж
Сидоров Валентин Михайлович

1928 Тверь —

Речной пейзаж

Холст, масло

152,5 х 187,5 см

1985

Подпись

 

ПРОИСХОЖДЕНИЕ:

Собрание художника

ЛИТЕРАТУРА:

С момента создания в 1985 году эта знаменитая картина иллюстрирована в большинстве изданных книг о творчестве Виталия Сидорова, в том числе, , «Сидоров Манин (бывший директор Третьяковской галереи), Москва, 2007, с.133.

Сертификат художника

По случаю 80--летия Сидорова Третьяковская галерея организовала ретроспективу его работ, кураторы которой написали: «Валентин Сидоров — один из самых знаменитых художников России сегодня. Родившийся в 1928 году в селе Сорокопение, Сидоров всегда имел в своем сердце понимание красоты и великолепия природы. Его семья переехала в Москву в 1936 году, и Сидоров продолжил учебу в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры в период с 1948 по 1952 год.В декабре 2008 года, отмечая его восьмидесятилетие, в Третьяковской галерее прошла эксклюзивная выставка в его честь.

Россия и ее живописные пейзажи послужили источником вдохновения для большинства работ Сидорова. В то время как большинство художников стремились писать портреты для правительства, Валентин Сидоров избегал таких проектов, концентрируясь только на том, что доставляло ему радость, а именно на природных пейзажах. Он получил множество наград и премий за свою работу, в том числе Серебряную медаль Академии Художеств в 1972 году, звание Народного художника России в 1979 году, Международную премию имени М.А. Шолохова в 2000 г., народный художник Украины в 2004 г. В 1987 г. избран президентом Союза художников России, в 1988 г. стал действительным членом Академии художеств, в 1998 г. был принят в члены Киргизской академии художеств.

В Третьяковской галерее представлено более сотни различных произведений Валентина Сидорова, в том числе некоторые его ранние работы 1940-1950-х годов, многие из которых были представлены на Третьяковской выставке впервые.Все работы коллекции посвящены сельской местности России, ее теплу, родности и красоте. Проведя большую часть детства у бабушки в Тверской губернии, Сидоров впитал в себя все неповторимые черты ландшафта. Сидоров считает, что нужно жить рядом и в гармонии с природой, а также старается прожить свою жизнь так, как ему напомнила бабушка, видя сердцем.

Валентин Сидоров в своей московской мастерской

Несмотря на то, что Сидоров пережил одни из самых мрачных дней в истории России, его картины оживляют только самую запоминающуюся, спокойную, узнаваемую и согревающую сторону страны.Его искусство приносит ощущение спокойствия и умиротворения тем, кто смотрит на картины, и напоминает тем, кто стал пленником суетливых бетонных джунглей, что за городскими границами и суетой повседневной жизни ждет мир красоты и чудес природы, который им следует исследовать.

Речной пейзаж

Эта большая и впечатляющая картина была описана Валентином Сидоровым как «одна из самых важных моих картин, одна из самых больших, которые я когда-либо создавал, и прорывная работа, изменившая направление моей живописи.«Он широко выставлялся в Третьяковской галерее в Москве и других музеях России. Сюжет — излучина реки у села, где Сидоров проводит лето в подмосковной деревне, знакомая каждому знакомому с творчеством художника сцена, прославившаяся его многочисленными картинами на эту тему в различных условиях и в разное время. года.

Сидоров, многолетний президент Союза художников России, один из ведущих представителей послевоенной Московской художественной школы, всегда был увлечен русским пейзажем.В этом Речном пейзаже чувствуется необъятность русской деревни, ее преемственность и важность в русской душе, что проявляется в описаниях таких писателей, как Толстой и Чехов, и в картинах таких художников, как Репин, Виктор Иванов и Валентин Сидоров. Это чистый пейзаж без фигур или отвлекающих факторов……..просто прекрасное воспоминание о природе в ее самом простом и неиспорченном виде.

 


 

Назад к русскому искусству

.

Leave a Reply

Ваш адрес email не будет опубликован.