Выставка эрарта: Афиша выставок и мероприятий в Санкт-Петербурге — Музей современного искусства Эрарта

Содержание

Porkchop. La Catedral. Выставка. Санкт-Петербург 2022 — Музей современного искусства Эрарта

Автор, скрывающийся под псевдонимом Porkchop, известен как мультидисциплинарный художник, однако смысловым центром выставочного проекта, реализованного им совместно с музеем Эрарта, является серия крупномасштабных скульптур. Помимо скульптуры, художник работает и в других техниках и формах, с одинаковой легкостью создавая живописные полотна, иллюстрации и тексты. Не принадлежа к какому-то конкретному художественному направлению, он самобытным образом сочетает в своем творчестве различные виды искусства. В частности, интерес автора к муралам и монументальным граффити легко прослеживается и в данной выставке: о нем говорят как примечательные габариты работ, так и активное использование трех контрастных цветов — золотого, черного и белого.

С технической точки зрения представленные на выставке произведения являются результатом тщательного проектирования и ручного литья (как правило, из смолы или стеклопластика) с последующим наложением сусального золота и акриловой краски. Формы для отливки своих необычных фигур художник тоже делает сам. На финишном этапе слой за слоем накладываются акрил и золото, а поверхность многократно лакируется смолой — так первоначальная задумка предстает в более выразительном виде. Выбор цветов, в которых решены похожие на ритуальные орнаменты росписи на скульптурах, не случаен: отказываясь от обычной многоцветной палитры в пользу минималистичного набора из черного, белого и золотого, автор достигает мощного выразительного эффекта с отсылкой к традиционной художественной культуре Центральной Америки.

Необычный творческий метод художника и его нестандартный подход к выбору тем в полной мере проявились в данном проекте. В основе концепции выставки лежит исследование древней цивилизации ацтеков и отражение их ритуалов в современных традициях жителей Мексики. Выставочное пространство трансформировалось в подобие культового сооружения и напоминает грандиозную базилику.

Выставка «Искусство, наука и техника: израильский взгляд» открылась в музее Эрарта | Санкт-Петербург

27 октября в музее современного искусства Эрарта прошло торжественное открытие выставки работ современных израильских художников «Искусство, наука и техника: израильский взгляд». На церемонии открытия выступили Жан Фридман-Штайер, директор Израильского культурного центра в Санкт-Петербурге, Генеральный консул государства Израиль в Санкт-Петербурге г-н Михаэль Лотем, а также кураторы выставки Яэль ван Эссен, Лила Читайат и Сайфан Боргини, которые после церемонии открытия любезно провели экскурсию для всех желающих по созданной ими экспозиции.


Выставка занимает два зала на четвёртом этаже музея, и первое, с чем буквально сталкиваются посетители при входе – огромный надувной шар, который то движется по залу, стремясь «наступить» на гостей, то замирает. Это «Пузырь прилипала», работа художника Эйтана Барталя, которая призывает нас задуматься о месте и роли техники в нашей жизни. Мы обладаем техникой или она обладает нами? – этим вопросом так или иначе задаются большинство художников, принимающих участие в выставке.

Гвоздём программы во втором зале невольно становится «Оркестр бытовой техники», интерактивная инсталляция, созданная дизайнером и преподавателем Авишаем Лапидом. Расположившийся в центре помещения, шумный, забавный даже на вид «Оркестр» привлекает буквально каждого гостя. Чтобы входящие в него фены, вентиляторы, блендеры и прочие агрегаты «заиграли», кто-то из посетителей должен встать на дирижёрский подиум и начать им управлять, следуя несложной инструкции.

На выставке также были представлены 3D-анимационные проекции, инсталляции с дополненной реальностью, робототехнические разработки и инсталляции с использованием новых медиа. Большинство художников и дизайнеров, представивших свои работы, имеют техническое образование и совмещают творческую деятельность с работой в сферах новых технологий, программирования и изобретательства, преподают в школах и университетах Израиля.

Хельмут Ньютон — выставка в музее Эрарта

Музей современного искусства Эрарта представляет выставку Хельмута Ньютона — одного из самых влиятельных фотографов XX века. Его новаторские снимки публиковались на страницах американского, французского, британского, итальянского российского изданий Vogue, журналов Harper’s Bazaar, Elle, Vanity Fair, Oui и Playboy.

  • Портреты Энди Уорхола, Карла Лагерфельда, Дэвида Хокни, Шарлотты Рэмплинг, Эльзы Перетти и других мировых звезд 70–80-х годов XX столетия;
  • Переосмысление образа женщины, которая на фотографиях Ньютона впервые предстает властной и роковой;
  • Эстетически совершенные кадры, сочетающие в себе точный расчет и мастерство.

Немецкий и австралийский фотограф Хельмут Ньютон родился в 1920 году. Довольно сложно поверить, что провокационные снимки, перевернувшие мир fashion-фотографии, создал автор, чье творческое становление пришлось на середину прошлого века. Мечтавший стать папарацци, Хельмут добился небывалых высот: ему принадлежат портреты Маргарет Тэтчер и Сальвадора Дали, а среди почитателей его таланта — мировая художественная элита в лице Энди Уорхола, Дэвида Боуи, Твигги, Элизабет Тейлор и многих других. В 80-х величайший провокатор сосредоточился на портретной фотографии: снимал Катрин Денев, Стинга, Софи Лорен, Монику Беллуччи, а его работа с Синди Кроуфорд «Дама с доберманом» до сих пор считается одним из самых популярных снимков современности. Однако именно работы 70-х шокировали и поражали публику до глубины души. С фотографиями этого необычайно яркого, новаторского периода  творчества Хельмута Ньютона и смогут познакомиться посетители музея Эрарта.

В 1971 году Хельмут пережил сердечный приступ, справиться с последствиями которого Ньютону помогла его жена и муза Джун Брунелл. Это событие положило начало новому этапу в творчестве автора: он создает все более откровенные фотографии, переосмысляя образ женщины — теперь она предстает властной и роковой. Образы этого периода, пронизанные вуайеристскими, фетишистскими и лесбийскими подтекстами, возмущали и консерваторов, и феминисток — впрочем, в рядах последних Ньютон вызвал раскол. Пока одни ругали его за эксплуатацию, другие отдавали должное сильной и откровенно доминирующей женщине, воспетой фотографом. А сам автор подчеркивал: «Вуайеризм в фотографии — это необходимое и профессиональное извращение».

Helmut Newton, Sie kommen, Paris 1981 © Helmut Newton Foundation

На выставке в музее Эрарта, лаконично и гордо названной в честь самого великого фотографа, будут представлены 74 произведения, созданные с 1973 по 1981 год. Среди них — легендарный диптих-антитеза «Они идут» (Here They Come) 1981 года. Два снимка четырех безвестных моделей должны были, по мнению Ньютона, наглядно показать, как меняется роль женщины в обществе: ханжество уступает место агрессии и сексуальности. Эта работа стала символом смены эпохи властвования мужчины над женщиной — в обществе уже начинала набирать силу эмансипация и новая мораль.

Helmut Newton, Rue Aubriot 1975 © Helmut Newton Foundation

На выставке также можно будет увидеть несколько снимков под названием Rue Aubriot, созданных фотографом в 1975 году для французского Vogue. Именно эти кадры Ньютона принесли небывалую славу смокингу Ива Сен-Лорана: тускло освещенный парижский переулок, андрогинная женщина с зачесанными назад волосами, в черном смокинге, белой рубашке с черным галстуком и с сигаретой позирует рядом с моделью, одетой лишь в  туфли на шпильке. Эти работы — вершина удивительной способности Хельмута Ньютона наполнять кадр сексуальностью.

Helmut Newton, Saddle I, Paris 1976 © Helmut Newton Foundation

В экспозицию также войдут такие знаменитые снимки, как «Седло I. Париж», «Манекен и человек», «Кладбище Пер-Лашез», портреты молодого Карла Лагерфельда, Энди Уорхола, Верушки, Шарлотты Рэмплинг, Эльзы Перетти, Дэвида Хокни, Паломы Пикассо, спортсменок Гейл Олинековой и Лизы Лион, автопортрет с женой и неизвестной моделью и другие.

Helmut Newton, Fashion Yves Saint Laurent, Père Lachaise, Paris 1977 © Helmut Newton Foundation

Куратором выставки в музее Эрарта выступает директор берлинского музея Helmut Newton Foundation Маттиас Хардер. Этот музей Джун Брунелл открыла после смерти супруга, в 2004 году, в память о том, что в 1938-м Ньютон, опасавшийся преследования нацистов, был вынужден покинуть родной дом и страну.

Цитаты о Хельмуте Ньютоне:

«Фотографии Ньютона можно узнать сразу. По-моему, вот в чем его гений. Работы всех великих фотографов можно отличить от тысячи других работ фотографов, занимающихся тем же. Работы Аведона и Бурдена тоже очень характерны, но когда я просматриваю кучу снимков, снимки Хельмута я узнаю мгновенно. Если только это не отменная копия, что встречается крайне редко, повторить Хельмута невозможно. Что бы он ни делал — высшего сорта, потому что это — Ньютон. Тем, кто подражает ему, не хватает вкуса. Черно-белые снимки Ньютона, если их с чем-то и можно сравнивать, то с рисунками Матисса». Карл Лагерфельд, модельер

«В своей работе он не зацикливается на камере. Когда вы смотрите на его снимки, можно заметить, что он ставит себя на место того, кто наблюдает за происходящим. Такое редко встречается в фотографии. Кто-то может думать, что есть идеальный ракурс для лица и для тела, но его угол зрения всегда слегка другой. Он будто подглядывает за вами, и от него ничего не ускользает». Катрин Денев, актриса

«Каждая женщина, которую я знаю, хочет познакомиться с Хельмутом. Даже если я назову 50 актрис, то они скорее захотят познакомиться с Хельмутом Ньютоном, а не со Стивеном Спилбергом. Потому что каждая по-своему хочет у него сфотографироваться. И из пятидесяти сорок пять будут готовы фотографироваться обнаженными. Популярность, которая есть у Хельмута, намного больше, чем он себе представляет». Роберт Эванс, кинопродюсер.

Даты проведения выставки: 17 декабря 2021 — 17 апреля 2022 г.

Музей современного искусства Эрарта, Санкт-Петербург, 29-я линия В. О., 2.

ПРОФИЛАКТИКА ИСТОЩЕНИЯ ВООБРАЖЕНИЯ: О ВЫСТАВКЕ СТЕФАНО БОМБАРДЬЕРИ «МАЛЬЧИК И НОСОРОГ» В МУЗЕЕ «ЭРАРТА»

22 апреля в главном петербургском музее современного искусства «Эрарта» открылась выставка монументальных скульптур Стефано Бомбардьери. Мы побывали на открытии, чтобы познакомиться с таинственным миром диких животных и задать вопросы итальянскому художнику-философу, дважды участвовавшему в Венецианской биеннале.

 

 

И снова музей «Эрарта» открывает новые имена. Для Стефано Бомбардьери «Мальчик и слон» — это первый проект в России. Европейский зритель давно знаком с искусством итальянского скульптора, который при помощи своих работ предлагает переосмыслить такие философские проблемы, как время и его восприятие, смысл человеческого бытия, возможность преодоления боли.

 

Синтез гипперреализма и сюрреализма — именно так можно обозначить художественный подход, который родился в ходе экспериментов в студии отца Стефано — скульптора Ремо Бомбардьери. Автор верит, что российская аудитория сможет разгадать послание, которое он зашифровал в своих скульптурах.

 

На выставке «Мальчик и слон» представлено 15 фигур, размер которых варьируется от 30 см до 5 м. Носороги, страусы, гориллы, киты, слоны — главные образы арт-перфоманса. Звери-гиганты, выполненные из стеклопластика и других современных пластических материалов, поражают не только своим масштабом, но и скованностью движений. Часть животных связана, подвешена, и это отнюдь не эпатажный жест. Их тела иллюстрируют тревожное состояние человеческой души. Ей суждено быть всегда неустойчивой, застывшей во времени.

 

Особенно раскрывает эту идею скульптура носорога «Вес застывшего времени», наиболее известная среди работ итальянского мастера. Кстати, на образ носорога, который стал ключевым в работах Бомбардьери, его вдохновил другой знаменитый итальянец — великий режиссер Федерико Феллини и его  «И корабль плывет».

 

Работа с большими формами всегда привлекала Стефана Бомбардьери: «Всякий раз, когда мы видим то, что больше нас самих, мы словно становимся меньше, мы смотрим глазами ребенка».

 

Гиперболизированные головы гориллы и носорога добиваются этого эффекта. Зритель превращается в ребенка, который с любопытством исследует таинственный мир пещеры, где обитают звери-исполины.

 

 

«Мы живем в мире, где нас окружают животные. Уважать их, относиться к ним бережно — означает уважать нас и относиться бережно к нам самим», — говорит Стефано Бомбардьери.

 

Уже не в первый раз итальянский мастер предлагает зрителю пересмотреть свое отношению к проблеме исчезновения диких животных. В 2009 году он организовал персональную выставку «Животные.Обратный отсчет». Одна из самых ярких скульптур сейчас также находится в залах «Эрарта» — это горилла со счетчиком на груди. На дисплее счетчика указана цифра, обозначающая количество оставшихся особей на Земле.

 

Не менее важно использование детских образов. Почему именно ребенок, а не взрослый, тащит связанных гигантов? Стефано Бомбардьери подчеркнул, что фигуры детей можно интерпретировать двояко. Прежде всего, художник хочет привлечь внимание к новому поколению. Совсем хрупкие и маленькие современные дети несут на себе достаточно тяжелый груз проблем. Также скульптуры подчеркивают миссию будущего поколения, передают веру в тех, кто будет после нас.

 

«Я верю в их силу, в их фантазию, в их способность совершать великие дела», —  объясняет Стефано Бомбардьери на пресс-конференции в честь открытия выставки в Петербурге.

 

«Мальчик и слон» — о глубинных струнах человеческой души, о неразрывной связи всего сущего. Увидеть скульптуры петербургский зритель сможет до 22 августа 2021 года в пространствах «Эрарты».

Выставка сестер Поповых «Non-Human» в Эрарте

Дата проведения: 03.02.2022 10:00 — 10.05.2022 22:00

Музей Эрарта представляет выставку Екатерины и Елены Поповых — дуэта сестер-близнецов, которые создают футуристических кукол. Произведения художниц очаровали Жан-Поля Готье, дизайнера обуви

Louis Vuitton Фабрицио Вити, фотографа Ника Найта, Йоланди Фиссер из Die Antwoord, певиц GRIMES и Fka Twigs — и продолжают свое триумфальное шествие по миру.

Создания сестер Поповых — это больше чем просто «куклы». Их футуристические героини — феномен модной индустрии и современного искусства. За ними охотятся коллекционеры по всему миру от Жана-Поля Готье до Ника Найта; их снимки регулярно оказываются на страницах Vogue, The New York Times, Huffpost, Infringe, а также многих японских изданий, что в профессиональном мире BJD-мастеров означает настоящее признание.

Изготовление кукол на шариковых шарнирах (ball-jointed dolls, или BJD) — трудоемкий процесс. Выполненные из полиуретана, фарфора или паперклея, они требуют тщательного ухода и изначально не предназначены для того, чтобы с ними играли. Благодаря подвижным «суставам»-соединениям, BJD способны принимать любые позы, и это делает их идеальными моделями для фотосессий. Серии кукольных снимков быстро набрали популярность в интернете, и к началу 2000-х годов BJD превратились в интернациональную субкультуру. Добравшись до России, это направление обрело здесь своих преданных поклонников и мегазвезд, таких как сестры Поповы. Работа над куклами превратила профессиональных дизайнеров одежды Катю и Лену в скульпторов, визажистов, стилистов-парикмахеров и фотографов.  

Выставка Non-Human в музее Эрарта объединит более 20 кукол разных лет: экспонаты из их первых коллекций CULT, SKIN и GARTER, работы из японской и африканской серий, серии WIDOW SISTERS и BLUE SKIN, которая переосмысляет гжельскую роспись, а также новую коллекцию Feathered Serpent. Зрители также увидят видеоролики с участием этих необычных персонажей и их фотоизображения.

В своей работе авторы вдохновляются необычными и яркими представителями современной поп-культуры. Например, полупрозрачная антропоморфная кибербогиня, «облаченная» в высоко детализированную кибероболочку из полиуретановой кожи — центральный персонаж альбома Miss Anthropocene канадской исполнительницы GRIMES. Но сестры Поповы создают не только фантастических девушек — в их коллекции есть и реалистичные куклы по образу Мадонны, Джона Гальяно, солиста финской группы HIM  Вилле Вало, Джонни Деппа в образе Джека Воробья, Диты фон Тиз и Мэрилина Мэнсона.

Какой бы образ ни выбирали художницы для своих кукол — обольстительных вдов, татуированных «под гжель» школьниц или кибер-гейш, — каждая из них — эстетический идеал. Однако идеал этот далек от стандартов: для сестер Поповых нет грани между красивым и некрасивым, запретным и дозволенным, человеческим и нечеловеческим. Общепринятым эталонам красоты они противопоставляют то, что, на первый взгляд, может показаться дефективным и даже отталкивающим. Однако именно милые изъяны: выступающие ушки, неровные зубки, нездоровая худоба — сообщают этим куклам особую притягательность. Увидев их однажды, зритель едва ли сможет их забыть. Изменяя привычные очертания тела — удлиняя шею, увеличивая суставы и немыслимо изгибая стопы, сестры Поповы создают провокацию: порожденные ими хрупкие создания могли бы производить впечатление болезненно-беспомощных и трогательно-податливых, если бы не их непроницаемый взгляд, продуманные позы и совершенные, словно приведенные в боевую готовность, костюмы, прически и макияж. Их творения завораживают зрителя своей пластикой, сбивают с толку, расставляют ловушки для воображения.

Дата: 3 февраля – 10 мая 2022

Место: Музей современного искусства Эрарта

Адрес:  В.О., 29 линия, д. 2

Читайте также:

Шоу Авербуха, мюзикл «Лолита» и выставка «Явка с повинной»: куда сходить на выходных

Москва
«Рыцари слова: Александр Пушкин и Владимир Даль»

До 6 июня в Государственном литературном музее

Выставка посвящена двум знаковым фигурам в истории русской литературы и культуры — Александру Пушкину и Владимиру Далю. Историю их встреч и общения сопровождают предметы из собраний Государственного музея истории российской литературы имени В.И. Даля, Российского государственного архива литературы и искусства и Всероссийского музея Пушкина. Среди экспонатов — перстень, подаренный Пушкиным Далю незадолго до смерти.

close

100%

Перстень Даля, подаренный Пушкиным

Пресс-служба Государственного литературного музея
«Новая красивая выставка. Весна»

До 10 мая в Выставочном зале Парка «Зарядье»

Экспозиция «Новая красивая выставка. Весна» — это продолжение проекта, открывшегося в Выставочном зале парка «Зарядье» перед Новым годом. В весенней редакции организаторы сделали акцент на пробуждении природы и ярких цветах. Выставка объединяет живопись, скульптуру, инсталляции, кинетические и NFT-объекты 40 российских художников разных поколений.

close

100%

Картина Андрея Новикова «Let’s dance», галерея K35 Space

Пресс-служба ГАУК г. Москвы «Парк «Зарядье»
Выставка-перформанс The Place of Lila

До 10 апреля в Центре современного искусства М’АРС

Чуть больше недели остается до завершения сеансов выставки-перформанса The Place of Lila. На санскрите слово Lila означает «жизнь». Гостям предлагается взглянуть на собственный жизненный путь со стороны и обнаружить в нем скрытые смыслы. Вместо индийских богов проводниками выступят мужчина и женщина, символизирующие родителей. С их помощью каждый сможет встретиться со своим «внутренним ребенком» и осознать, что на данном этапе жизни является для него самым важным. Сеанс длится два часа.

«Гриша Брускин. Смена декораций»

До 25 июля в Новой Третьяковке

Выставка Гриши Брускина «Смена декораций» заняла девять залов Новой Третьяковки. В своих работах современный российский художник использует метафору «Theatrum Mundi» («Театр мира»), где новая эпоха разрушает былые империи и цивилизации, сносит памятники, стирает память и выводит на передний план новых героев. Среди работ Брускина — инсталляция из гипса «Толпа и власть», картина «Памятники» и коллекция бронзовых мини-скульптур «Вселенная на столе». В них поднимается тема взаимоотношения человека с властью, социумом и культурными традициями.

close

100%

«Весна на Заречной улице» или «Явка с повинной»

До 17 апреля в галерее «Нагорная»

close

100%

Художника Олега Осьмука (Пудра)/Галерея «Нагорная»

На выставке художника Олега Осьмука представлено художественное соединение рисунков моделей из модных журналов 50-60 годов XX века с советской поздравительной открыткой. Красивые стильные девушки и молодые люди оказываются на фоне слов «Май» и «Мир», березовой рощи и зимнего леса со снегирями. Благодаря совмещению рисунков композиции оживают и обретают новые сюжеты. Названием «Явка с повинной» Осьмук как бы извиняется перед художниками, чьи журнальные рисунки используются в открытках.

Санкт-Петербург
Мюзикл «Лолита»

2 и 3 апреля в театре «ЛДМ»

На этих выходных в петербургском театре «ЛДМ» состоится мировая премьера мюзикла о запретной любви «Лолита» по роману Владимира Набокова. Во время подготовки спектакля создатели больше четырех лет вели переговоры с наследниками автора. Возрастной ценз постановки — 18+.

«Хельмут Ньютон»

До 17 апреля в Музее современного искусства «Эрарта»

Представленные на выставке снимки знаменитого фотографа Хельмута Ньютона публиковались в американских, европейских и российских глянцевых журналах. Мастер снимал премьер-министра Великобритании Маргарет Тэтчер, художника-сюрреалиста Сальвадора Дали, актрису Катрин Денев, модельера Карла Лагерфельда, художника Энди Уорхола и других известных личностей. В экспозиции представлены более 70 фотографий. Возрастное ограничение выставки — 18+.

Гала-шоу Ильи Авербуха «Ледниковый период»

3 апреля в 16:00 в СК «Юбилейный»

В постановке «Ледниковый период» выступят не только участники одноименного шоу Первого канала, но и другие профессиональные звезды фигурного катания. Гости смогут увидеть выступления фигуристов разных поколений таких, как Евгения Медведева, Алексей Ягудин, Татьяна Тотьмянина, Максим Маринин, Роман Костомаров, Оксана Домнина, Михаил Коляда, Марк Кондратюк, Наталья Забияко, Александр Энберт, Артем Федорченко, Максим Шабалин и Екатерина Боброва.

close

100%

Евгения Медведева на показательных выступлениях чемпионата России — 2022

Денис Гладков/«Газета.Ru»
«Полвека с Некрасовым. К 140-летию со дня рождения К.И. Чуковского»

До 25 сентября в Мемориальном музее-квартире Н. А. Некрасова

31 марта исполнилось 140 лет со дня рождения писателя, поэта, литературоведа, критика и переводчика Корнея Чуковского. Помимо сказок «Мойдодыр», «Муха-Цокотуха» и «Доктор Айболит», он известен исследованием творчества Николая Некрасова, которому посвятил более 50 лет. В 1952 году вышла монография «Мастерство Некрасова», которая принесла Чуковскому Ленинскую премию. На выставке представлены личные вещи писателя, его письма, автографы, фотографии и многое другое.

close

100%

Корней Чуковский

Владимир Савостьянов/ТАСС
«Анонимный провокатор»

До 16 мая в культурном центре «Лофт Проект Этажи»

Выставка для любителей Бэнкси проходит в Санкт-Петербурге ежедневно, но на выходных ее можно посетить в сопровождении экскурсовода. Для купивших билет экскурсия будет бесплатной, но записаться нужно заранее — в субботу она состоится в 14:00, а в воскресенье — в 16:00. На выставке гостей ждут десятки аутентичных копий самых известных произведений художника.

close

100%

Работа Бэнкси «Любовь в воздухе»

Sotheby’s

Тихие сенсации. Эрмитаж открывает выставку флорентийской скульптуры

— Эта выставка очень важна для нашего времени — это Мадонны, это красота Ренессанса. Но она еще и про живой музей, про то, как музей коллекционирует. Ведь все эти произведения собирались вне Эрмитажа, и потом уже влились в нашу коллекцию. Эти скульптуры заставляют о многом подумать. Заставляет подумать и мастерская одного из самых крупных скульпторов Флоренции Андреа Верроккьо, в которой мы находим следы рук великих мастеров, которые у него работали. Возможно, и самого Леонардо

отмечает Михаил Пиотровский

директор Эрмитажа

Выставка представляет и творчество крупных художников Флоренции, и произведения разного уровня и плана. Материал тоже неодинаков — терракот, гипс, майолика, дерево… Самый популярный сюжет, конечно же — Богоматерь с младенцем. Для Флоренции это объясняется очень просто — особым почитанием Девы Марии в этом городе.

В Эрмитаже можно увидеть, например, «Мадонну с Младенцем», созданную в мастерской скульптора Лоренцо Гиберти, автора знаменитых восточных «Врат Рая» Флорентийского баптистерия. Два рельефа второй половины 1450-х годов на сюжет «Мадонна, поклоняющаяся младенцу» восходят к произведениям выдающегося флорентийского мастера Дезидерио да Сеттиньяно. На работах в мраморе специализировался и другой ведущий скульптор Флоренции — Антонио Росселлино. Вообще, итальянские рельефные композиции, которые музей недавно приобрел у петербургских коллекционеров Ларисы и Олега Шушковых — одна из «тихих сенсаций» этой выставки.

Еще один флорентийский мастер — Кватроченто Лука делла Роббиа считается изобретателем техники майолики. В его мастерской созданы «Богоматерь, поклоняющаяся младенцу», «Святой Себастьян», «Мальчик с флейтой» и другие произведения, которые тоже представлены в Пикетном зале.

В Эрмитаже обращают внимание на бюсты из терракоты, исполненные под влиянием Андреа Верроккьо. Созданные им образы Христа — а на выставке представлен Бюст Христа из терракоты — оказали большое влияние на современников.

Над многими скульптурами потрудились реставраторы — особое внимание к их работе, подчеркивает Михаил Пиотровский, признак современной выставки. Как и научные исследования (а многие из представленных композиций совсем недавно стали предметом исследований и публикаций), и современные технологии. С помощью последних Эрмитаж все-таки покажет публике Ангела Благовещения и беременную Мадонну из Сан-Дженнаро (Тоскана) — композицию приписывают юному Леонардо. Фильм, посвященный реставрации статуи «Архангел Гавриил» и предоставленный итальянскими коллегами можно будет также посмотреть в залах экспозиции.

— Кстати, выставка перекликается с нашей коллекцией скульптуры в постоянной экспозиции, и эта перекличка очень важна и интересна. Хотелось бы, чтобы ее видели и понимали не только сотрудники Эрмитажа, —

говорит Михаил Пиотровский

Выставка «Скульптура Флоренции в XV веке» будет открыта с 30 марта до 4 июля в Главном музейном комплексе.

Полутень | Даня Акулин | Галереи Эрарта

О

Галереи Эрарта в Лондоне рады представить Penumbra, новую выставку Дани Акулин. Слово полутень часто переводится как «полусвет», но латинское происхождение paene umbra буквально означает «почти тень». Между тенью и светом есть зона, через которую мы можем видеть то, что находится в полутени, но мы видим его с затемненным оттенком, и трудно сказать, освещено оно или нет.В своей работе Даня Акулин умеет осветить частично освещенный пейзаж. Благодаря тому, как он овладевает светом, он способен визуально переводить эмоции и мысли в двойственность тьмы и яркости. Чем неяснее ландшафт, тем меньше света нужно для тайн, которые либо скрыты, либо очевидны для нашего глаза, и наоборот. Эта метафора объясняет тот факт, что слабые и незначительные чувства могут легко всплыть на поверхность, в то время как другие сильные чувства могут жить в вечной безвестности: Тусклый свет, отбрасываемый в почти полную тьму, выделяется больше, чем яркий свет на ярком солнце.И все же Акулин в своих картинах настаивает на том, что всякое освещение имеет свою долю тьмы: «Свет тоже может быть темным». Художники, обеспечивая освещение, также отбрасывают тени — они создают сцену, которая каким-то образом занимает положение между полным освещением и полной темнотой. Для Дани Акулина тень — место полной неуверенности, а свет — наивная уверенность в достоверности знания. Он активно избегает поддаваться тому или другому, а вместо этого действует в промежуточной области, в полутени.Более вероятно, что риторика Акулина в его эфемерных пейзажах обязана своим вдохновением не мимесису, а менее методичным размышлениям о литературе в «Рождении трагедии» Ницше. Подобно Ницше, Акулин соотносит свет со знанием, а тьму с невежеством, и, подобно Ницше, Акулин понимает искусство как место, где они встречаются, сталкиваются и сотрудничают. В «Рождении трагедии» Ницше утверждает, что вся литература проявляет как ясный, визуальный, трезвый аполлонический импульс, так и дикое, слепое, хаотическое веселье дионисийского.В первых строках он настаивает на том, что настало время принять проявление этой оппозиции в произведениях искусства как вечный трюизм. Акулин дает знание о мире именно посредством миметической поэтики, которая не только противостоит тому, что открыто для увиденного и постигнутого, но и сохраняет ощущение тайны мира. Успех образов Акулина зависит от их способности продолжать решительно функционировать между полюсами тьмы и полного озарения. О художнике: Родился в 1977 году, вырос в Ленинграде (Санкт-Петербург).Санкт-Петербург), Даня Акулин переехал в Берлин, Германия, где он учился в Берлинской академии художеств и учился под руководством Георга Базелица. Акулин прославился тем, что создавал карандашные рисунки большого формата, которые восстанавливали самостоятельную ценность жанра. Георг Базелиц говорит о художнике: «Даня Акулин создает концептуальные рисунки, которые он называет «эстетически минималистскими». Глядя на его картины, особенно интересно увидеть своими глазами, сколько ватт используется для освещения лестничной клетки в Санкт-Петербурге.Петербург. Вот как выглядят хорошие рисунки».

Владимир Сергеевич Антощенков | Wall Street International Magazine

Владимир Сергеевич Антощенков, архитектор, преподаватель Санкт-Петербургского государственного архитектурно-строительного университета, скульптор, график и заядлый магнитофон, ведет спокойную жизнь в квартире, в которой вся мебель и светильники были созданы его собственными руками.Главной его заявкой на известность, по-видимому, является роль ведущего архитектурного фотографа Ленинграда/Санкт-Петербурга. Санкт-Петербург, на его счету более 10 фотокниг.

В качестве доцента кафедры градостроительства и специалиста по геометрии Владимир Антощенков разработал для своих студентов уникальный курс «Архитектурный анализ». Увлечение графическими программами и морфологией геометрических фигур привело его к созданию пространственных компьютерных композиций и скульптур на основе таких композиций, которые составили основную часть выставки «Метаморфозы куба» в Эрарте.

Проект «Метаморфоза куба» — это исследование архитектурного микрокосма. Внимательное изучение этих работ покажет, что все архитектурные элементы основаны на крошечных кубиках, изменяя форму которых художник строит свои собственные миры.

(Мария Ягушевская)

Куб — геометрическая фигура номер один. Просто попросите кого-нибудь назвать любое геометрическое тело, и, скорее всего, будет упомянут куб. Строительные блоки, идеальная детская игрушка, имеют форму куба.Кубические метры широко используются для измерения объема различных веществ и материалов. Небольшая манипуляция с растяжением куба в одном-двух направлениях превратила бы его в параллелепипед, что еще труднее переоценить.

Весьма вероятно, что большая часть населения Земли живет и функционирует внутри параллелепипедов.

Кубики можно трансформировать. Их можно не только растягивать, но и сгибать, скручивать, перекашивать, изменять с помощью булевых операций (объединение, разность, пересечение) и т. д.Можно комбинировать несколько операций с кубом и варьировать их параметры, что открывает огромное поле возможностей для создания новых геометрических композиций тел.

Конечные результаты могут иметь определенную эстетическую ценность. Они могут использоваться в архитектуре и дизайне или выступать как самостоятельные произведения искусства. Последние могут быть представлены в виде плоских изображений или трехмерных структур. Очевидно, что художественная ценность таких произведений зависит от цвета, фактуры и света.

ИНТЕРВЬЮ: Анна Просветова встречается с Леонидом Тишковым, современным российским художником, чтобы рассказать о его выставке в Erarta Galleries London

Вверху: Леонид Тишков, «Путешествие частной луны» / предоставлено галереей Эрарта, Лондон

Анна Просветова встретилась с Леонидом Тишковым, современным художником из Москва перед открытием своей выставки Private Moon в галереях Эрарта в Лондоне, для которой Леонид впервые с 2013 года привозит в Лондон свою знаменитую инсталляцию.Мы поговорили с Леонидом о философии проекта Private Moon и его роли куратора третьей выставки-аукциона современного российского искусства Максима Боксера. искусство в Лондон.

Анна Просветова: Как пришла идея проекта Private Moon   о?  

Леонид Тишков:  История Private Moon появилась в ряде другие мои проекты. В общем, я художник, который рассказывает историю. Проект Private Moon стал очень известным и долговечным, по-видимому, потому, что его поэтическая и изобразительная сила более выразительнее других моих рассказов. Private Moon  впервые появился публики на большом фестивале современного искусства «Арт-Клязьма» в 2003 году. была уличная инсталляция, которую я посвятил бельгийскому сюрреалисту художник Рене Магритт. Есть его фотография под названием 16 сентября. 1956 ; это светящаяся луна в кроне темного дерева. То есть собственно все что там изображено. Возможно, это был обычный постмодернистский прием, который так любят многие художники: взять изображение и перенести его в другой контекст.В моем случае произошло чудо: Луна оказалась настолько могущественным существом, что преодолела все аллюзии и начал свое самостоятельное существование. Некоторое время я стал ее спутником, помогая передвигаться по Земле, но не в небо. В космосе настоящая Луна; мы не конкурируем с ним, но иногда заводить диалог.

Почему я выбрал луну, а не солнце, спросите вы? Потому что луна друг поэтов, странников и романтиков. В нашем постиндустриальном времена, полные противоречий и насилия, мое личное, абсолютно тихий, даже деликатный проект  Private Moon  возвращает искусство поэзии, которой сегодня так не хватает людям.

AP: Ваш проект уже побывал во многих странах. Не могли бы вы рассказать нам если бы реакция публики была другой?

LT:  Путешествие Private Moon продолжается с 2003 года; это кругосветное путешествие, похожее на настоящую луну – от Новой Зеландии до Шпицберген, от США до Сибири, от Тайваня до Казахстана. Я нет заметил какие-то большие различия в восприятии рассказа, связанные с национальность моей аудитории или их культурные традиции.Свет Луны живет с людьми с момента его появления в Мир; это самый древний архетип. Приливы, связанные с изменениями в лунной гравитации привело к тому, что рыбы научились дышать воздух, и у них выросли конечности. Поэтому, когда зритель смотрит на мой луны, они чувствуют присутствие чуда где-то в подсознании, понимая, однако, что это просто огромная лампа.

На острове Тайвань у меня было большое путешествие с луной вокруг различных удивительные места.Местные жители выражали мне свою большую любовь как художник и называл меня мистер Мун. Меня приглашали дважды, всегда осенью, когда они празднуют праздник луны. Специально для Тайваня дети я написал и проиллюстрировал рассказ под названием Мальчик и луна ; Это была связана с моей инсталляцией с луной и звездами в Музей современного искусства для детей; Я хотел рассказать им сказку. Потом эта книга вышла на русском языке и недавно была переведена на японский.Мне кажется, что Частная Луна  это такая работа, которая объединяет всех людей на этой планете как свет костра в холодный лес, привлекающий всех, кто чувствует поэзию и верит в возможность чуда.

Леонид Тишков, «Путешествие частной луны» / Предоставлено Галереей Эрарта, Лондон

AP: Нашим читателям было бы интересно узнать больше о предстоящем выставка в Erarta Galleries London. Вы выставляли проект в Лондон раньше?

LT:  Я уже делал выставки в Лондоне, и луна тоже пришел со мной.Удивительно то, что похожа на настоящую луну, которая каждую ночь возвращается на небо, моя луна дважды фигурировала в выставки в Bargehouse в Лондоне. И каждый раз, когда она была прекрасна, разве она не была? Впервые она появилась в 2007 году на выставке под названием Московский прорыв  а затем в 2013 году на той же площадке, что и часть очень успешного проекта Республика Луны , который был организована группой кураторов Arts Catalyst, работающих в пересечение искусства и науки.Эта выставка включала ряд международные художники, работающие с темой луны. я был ответственный за поэзию, так сказать.

Теперь, в 2015 году, Галереи Эрарта в Лондоне снова решили выставить мою луну, связаться с моим другом, коллекционером и арт-дилером Максимом Боксером, чтобы организовать визит Частной луны в их пространство. Вместе с Maxim Boxer и Erarta Galleries London Я также работаю над выставка и последующий аукцион на общую тему  Мультипликационное искусство в России , где я представляю свои забавные работы.

AP: Леонид, в начале карьеры вы больше работали с графика и дизайн. Как вы заинтересовались инсталляциями и почему вы решили работать в этом направлении?

LT:  Да, я начал с графики и дизайна, и есть одна графика. работа из Анатомия России серии , которую вы сможете увидеть на выставке Cartoon-Like вместе с несколькими картинами о Даблоиды. Я известный карикатурист в Советском Союзе с начале 1970-х годов, но после моего несанкционированного участия в выставке в Западном Берлине они отказались публиковать мои работы в журналах.Таким образом, Я стал андеграундным художником и начал рисовать комиксы, альбомы, где впервые появились мои странные и нелепые персонажи: даблоиды, Стомаки, Водолазы, живущие в багажнике. В начале 1990-х эти существа стали более существенными и начали собирать предметы вокруг себя, включая скульптуры, видео, картины и книги. Из всего этого мой установки росли. Эта форма представления напоминает театр, где Ставлю свои пьесы Даблоиды , Водолазы и другие.Поэтому мой инсталляции — производное от моих художественных приключений. Путешествие Луна окружается всевозможными событиями, предметами, историями, фотографии; они создают подобие музея. я даже придумал идея Музея воображаемых лун, где можно было найти луну Федерико Гарсиа Лорка, Джорджио Де Кирико, поэт Басё и даже черт из повести Николая Гоголя.

Группа «Синие носы», борьба с супрематизмом / Предоставлено Максимом Боксером

AP: Не могли бы вы рассказать нам больше о вашей работе с Максимом Боксером на его третий аукцион современного искусства, Cartoon-Like .Каковы основные идеи, которые вы как куратор хотели донести на предаукционном этапе выставка?

LT:  Я упомянул Максиму, что он должен рассмотреть эту идею, потому что есть направление в современном искусстве, но никто не упоминает его в Россия. Часто искусствоведы предпочитают работать с уже существующими формулы, не пытаясь придумать новые идеи. Например, один из известные искусствоведы решили, что самое важное искусство движение в России сегодня это концептуализм и все начали повторяя это.Я, наоборот, считаю, что искусство шире, чем рамки, намеченные искусствоведами; это прямая трансляция, бурлящая и сметая все заборы на своем пути.

Хороших художников гораздо больше, чем тех, художники, которые считаются и находятся в книгах по истории искусства как хранители «расовая чистота». Максим заинтересовался этой идеей и предложил мне организовать эту выставку, доказать, скажем так, что на самом деле такое художественное движение. Этот аукцион является попыткой обозначить это площадь.Это может быть важно, особенно сейчас, в связи с ростом мракобесия в нашей стране и во всем мире.

АП: Как художник чувствовал себя в роли куратора? У вас было какой-либо особый подход к представлению произведений, включенных в показывать?

LT:  Максим Боксер и его партнер Константин Семкин позаботились о организация аукциона. Максим большой профессионал своего дела мир, особенно в отношении его деловой стороны; это его прерогатива.Я полностью доверяю ему в этом аспекте. Моей основной работой было провести обзор художественного сообщества, чтобы найти общие цели и интересы, определить тенденции и создать диск. Я также написал несколько текстов, некоторые своего рода «зонго» о художниках. Я сам художник, так что я знаю то, что нам, творцам, нужно. Нам всем нужно доброе слово, наша собственная компания и любовь в конце концов! В общем, пришлось «варить кашу» и тогда другие съедят его. Помните, я упал с луны.

Шишкин-Хокусай.Чудо Грота. 2016 / Предоставлено Максимом Боксером

AP: У вас есть какие-то особые ожидания от предстоящего аукциона? Какие работы, по вашему мнению, будут наиболее интересны покупателям?

LT:  Если бы я был богатым английским торговцем скотом, модным юристом, пластический хирург или беглый российский олигарх, а кроме того, собиратель всех странных и захватывающих вещей, я бы, конечно, купил что-то для дома или офиса.Но есть разные люди с разными вкусами и стилями. мне нравятся многие работы представлены на аукцион. Есть фотография Игоря Веричева из легендарное время, когда мы думали, что мир изменится, и мы увидеть небо, полное бриллиантов над Кремлем. Это уникальная работа! Или, например, эта шикарная работа Александра Савко. Ты знаешь как сложно натянуть холст на овальный подрамник и обеспечить что Минкультуры России его сертифицирует? Или мой русский Герб:  Я не знаю, что с ним делать дома; скорее всего я выставить его там не получится, потому что кто-нибудь может пожаловаться.Есть работа Шишкина-Хокусай по очень доступной цене. я наверняка в Лондоне есть коллекционеры работ Шишкина, так что с этим кусок они могли бы иметь даже «Хокусай» в дополнение к новому «Шишкин»! Некоторых работ, представленных здесь, очень мало, т.к. Например, это олимпийских картин Василия Слонова. Это очень трудно найти их на рынке сегодня, и этот аукцион предлагает три штуки из этой серии. Эти произведения можно было бы с полным основанием назвать культурным наследие сегодня, документ эпохи.Если вы начинающий коллекционер при ограниченном бюджете я бы рекомендовал присмотреться к его мухобойкам: они дешево и сердито, как говорится.

AP: Что вы думаете о нынешнем состоянии современного российского Изобразительное искусство?

LT:  Современное состояние русского искусства вполне нормальное. Много художники; молодые люди очень активны, а состоявшиеся артисты не сдаться; самое главное, они не поддаются меланхолии. В В то же время арт-бизнес все еще работает в очень скромных масштабах, но, может быть, это хорошо, потому что художники работают самостоятельно, без следуя указаниям из галерей.

В России проблемы с художественным образованием; нет современных академии или другие учреждения, где преподавали бы современное искусство. Поэтому мы снова немного отстали от Европы, но впереди Монголия и Азербайджан. Однако я не думаю, что это продуктивно сравнить искусство разных стран в эпоху глобализации, когда оно трудно понять, где работает художник: сегодня он мог бы быть в Красноярск, а завтра в Копенгаген…

Инсталляция Dabloids в галерее Juri Svestka, Берлин.2012 / Предоставлено www.leonidtishkov.com

AP: Каковы ваши будущие проекты?

LT:  Мы говорим, что если хочешь рассмешить Бога, расскажи ему о своей планы. Постараюсь сделать это сейчас: в Москве открывается крупная выставка. Художественный музей Нижнего Тагила, города на Урале, 16 мая. Затем в Июнь Private Moon  отправится в Южную Корею, а затем в августе Румыния, где будет постановка в замке Дракулы, и я бы хотел бы попытаться захватить это.Мне жаль, что в Лондоне все еще есть не видел моих даблоидов и люди даже не знают о них! Может я должен работать над этим.

Частная Луна

Леонид Тишков

В рамках Недели русского искусства

Галереи Эрарта Лондон

29 мая – 05 июня

Пожалуйста, посетите веб-сайт для подробнее на выставке.

Официальный сайт Леонида Тишкова.

Это интервью изначально было опубликовано на сайте Russian Art and Culture.

Макса Цорна выставят в крупнейшем в России частном музее современного искусства 2022 — Галерея Stick Together

Ленточный художник Макс Цорн официально подписался на персональную выставку в ЭРАРТА — крупнейшем частном музее современного искусства в России, расположенном в Санкт-Петербурге.В этом трехмесячном шоу представлены 25 крупных работ Зорна размером от трех футов до триптихов размером до 10 футов, а также цифровая часть видеороликов, связанных с конкретными работами.

«Это будет сочетание уникальных произведений искусства, которые я уже создал для коллекционеров, и новых произведений, которые мне предстоит создать в крупном и детальном масштабе. Это займет довольно много времени, на самом деле я уже начинаю», — говорит Цорн, у которого есть время до апреля 2022 года до торжественного открытия. Много времени на подготовку, но по-прежнему плотный график для артиста, который постоянно распродан и забронирован с комиссионными.

Контракт заключен после четвертого подряд распродажи выставочного стенда Zorn во время недели Art Basel в Майами, представленной галереей Stick Together. Исполнительный директор ЭРАРТА Вадим Варварин подошел к стенду Stick Together на SCOPE Miami 2018, поинтересовавшись возможным будущим между тейп-артом Макса Цорна и кураторской музейной выставкой в ​​ЭРАРТА (не «эпохой искусства»). В сентябре этого года концепция стала подписанным соглашением.

«Каждый художник мечтает создать персональную выставку для художественного музея, и Макс приложил больше усилий, чем кто-либо из моих знакомых, чтобы добиться этого», — говорит Одри Сайкс, владелица галереи Stick Together Gallery.Название выставки: «Огни большого города». Сайкс говорит, что это намек на путь Зорна от уличного художника до истории успеха.

«Если бы не городские огни Европы, Макса Цорна, возможно, никогда не существовало бы в том виде, в каком мы знаем его в искусстве».

Макс Зорн — художник, использующий в качестве носителя только коричневый и цветной упаковочный скотч. Он накладывает слои на акриловое стекло и формирует их скальпелем, когда свет сзади освещает ностальгический предмет и обстановку.

«Эрарта — детище Марины Варвариной, малоизвестной бизнес-леди с докторской степенью по математике», — пишет The Huffington Post.По данным Википедии, на август 2019 года коллекция Эрарты насчитывает 2800 работ более 300 художников, что делает ее крупнейшим музеем современного искусства в России. Коллекция включает в себя картины, скульптуры, инсталляции и другие произведения среднего искусства.

– Джейми Бауэр

Нравится:

Нравится Загрузка…

Связанные

Повешение : Галереи Эрарта

Уводя общественное сознание русского искусства от мускулистого блеска формалистских плакатов или позолоченной инкрустации православных икон,

Erarta Galleries может похвастаться выставочными площадями в Санкт-Петербурге.Петербурге, Цюрихе и Лондоне.

Галереи Эрарта, предназначенные для демонстрации талантов нынешних художественных талантов России, а также нонконформистов коммунистической эпохи, предлагают взглянуть на художественное пробуждение этой огромной нации. Куратор лондонского пространства, , Бет Морроу, , отвечает на обычные вопросы о повешении.

Что вас впервые привлекло в искусстве?

переехав в

Лондон, возможности,

глубина и богатство

искусства

были почти подавляющими

Выросший в очень маленьком городке в Канаде, я полагался на искусство, музыку и литературу, чтобы получить более широкое представление о мире.Изучение искусства и истории художников сначала в Университете Макмастера, а затем в Университете Калгари было почти неизбежным.

После непродолжительного чтения лекций на инженерном курсе в университете я очень хотел переориентироваться на искусство, и, переехав в Лондон, возможности, глубина и богатство искусства были почти ошеломляющими.

Дэвид Пласкин

Как появилась ваша галерея?

Галереи Эрарта изначально были основаны в Санкт-Петербурге.Санкт-Петербург меценатом и любителем современного русского искусства. С момента открытия в России в 2010 году галерея расширила свое видение, продвигая современное российское искусство на международной арене. Из-за сильного культурного влияния России в Лондоне в сентябре 2011 года мы открыли галерею на Беркли-стрит.

Как началось ваше участие?

У меня страсть к русскому искусству, и когда мне предложили этот проект, я с самого начала его поддержал.Я был и продолжаю быть в восторге от невероятной возможности работать в развивающейся области и сразу же согласился.

Каково видение этой галереи?

Видение Эрарты, вероятно, лучше всего можно описать как инклюзивное. Эрарта стремится содействовать возрождению русского искусства и культуры. И не только из Санкт-Петербурга и Москвы, общепризнанных центров русской культуры, но и со всех просторов России. Мы представляем более 120 художников из более чем 15 регионов России.

Какие художники олицетворяют ваше видение галереи?

С видением инклюзивности трудно определить типичного художника Эрарты. Художники, которых мы представляем, варьируются от начинающих современников до художников нонконформистского движения. Мы представляем молодых начинающих художников, таких как Юлия Косульникова и Илья Гапонов , и художников среднего звена, таких как Дмитрий Шорин и Ринат Волигамси , которые только начинают завоевывать признание на международном рынке.

Ринат Волигамский – Условия зимы нет. 1, 2010. Холст, масло 80 х 60см.

Из эпохи нонконформизма мы специализируемся на тех художниках-диссидентах, которые не были признаны государством, таких как Владимир Овчинников (известный своей центральной ролью в организации 1964 года Выставка рабочих в Эрмитаже, которая была закрыта КГБ после всего несколько дней), Вячеслав Михайлов и Давид Плаксин .

Как бы вы определили художественную полемику?

большая часть

популярный призыв

современное искусство это

по своей способности

спровоцировать

Художественную полемику в контексте России бывает довольно трудно определить! И вообще я редко нахожу определения особенно полезными при попытке понять ситуацию.Слишком часто полемика и цензура идут рука об руку, и хотя большая часть популярности современного искусства заключается в его способности провоцировать, мы должны помнить о средствах массовой информации, политиках и правительствах по отношению к искусству.

Как вы думаете, полемика — это положительная сила в искусстве или концептуальный отвлекающий маневр?

Прелесть искусства в том, что оно никогда не стоит на месте, а всякий раз, когда происходят изменения, может быть и страх, а страх может привести к спорам.Хороши или плохи споры, во многом зависит от того, как мы, как общество, реагируем на них.

Что было для вас самым большим испытанием?

В данный момент я пытаюсь выучить русский язык.

Что было для вас самым большим успехом?

Я дам вам знать, когда и если я достигну практического знания русского языка.

Кто из пяти ваших любимых художников и какими работами вы восхищаетесь?

Это как просить мать выбрать любимого ребенка — несправедливо! Но я подыграю.В произвольном порядке:

Джованни Беллини , Портрет дожа Леонардо Лоредан в Национальной галерее. Этот синий цвет на заднем плане — одна из самых потрясающих вещей, которые я когда-либо видел. Я никогда не устаю смотреть на него.

Агнес Мартин , Роза в Художественной галерее Онтарио. Я помню, как видел эту картину во время школьной экскурсии, когда учился в старшей школе. Я был абсолютно соблазнен этим.

Франсуа Коти , Эмерод .Да, это духи, и да, я рассматриваю парфюмерию как форму искусства. Недавно я приобрел винтажный флакон Coty Emeraude parfum, вероятно, 1930-40 годов, и он просто ослепителен. Я бы не стал возиться с версией, которая доступна сегодня.

Стивен Г. А. Мюллер , Пожалуйста, не уходи (09:01, 22 декабря 1977 г. -) . Словами не описать, пожалуйста, посетите его веб-сайт

Казимир Малевич Черный квадрат в ГТГ Москва.Какая картина! Он занимает центральное место в развитии абстрактного движения не только в России, но и повсюду.

Как вы думаете, за кем сейчас стоит следить и почему?

Юлия Косульникова Грызущая девочка, 2009. Холст, акрил, темпера, 210 x 158см x 156см

В апреле-мае у нас пройдет выставка Юлии Косульниковой под названием Я не Баба Яга . Она молодой художник, но у нее очень ясное видение, и ее работа очень мощная.Я предсказываю ей великие дела.

(Выровненное по правому краю изображение вверху: Илья Гапонов, Неразборчивые аппетиты № 5, 2012 г. Холст, масло, 180 x 180 см)

Галереи Эрарта
Беркли-стрит, 8 | Лондон W1J 8DN
Галереи Эрарта

 

Цель искусства — изображать не внешний вид вещей, а их внутреннее значение. – Аристотель

Музей современного искусства «Эрарта» | Музеи Санкт-Петербурга

Музей современного искусства «Эрарта» считается крупнейшим частным музеем современного искусства в России.Музей был открыт в 2010 году. Название музея «Эрарта» представляет собой сочетание двух слов – Эра и Арта, и несет в себе значение «Время искусства». В 2013 году художественный музей «Эрарта» вошел в список 10 лучших музеев России по версии популярного туристического сайта «TripAdvisor». Он находится в Санкт-Петербурге.

Главной частью проекта является музей современного искусства «Эрарта». В музее собрано более 2300 произведений, созданных русскими художниками во второй половине 20 века и в 21 веке.В музее представлены как традиционные музейные художественные произведения (живопись, графика, скульптура), так и новые виды творчества, такие как художественные инсталляции и др. Музей сотрудничает с современными художниками. Помимо музея, проект также включает в себя коммерческие галереи, мастерскую, издательские и образовательные программы, а также различные культурные мероприятия и мероприятия.

Каким будет искусство в будущем? Никто не может знать наверняка. Искусство будущего создается прямо сейчас. Для поддержки художников и поиска новых направлений развития в искусстве музей «Эрарта» создает собственные творческие проекты.Возможно, именно сейчас в Музее современного искусства можно увидеть работы, которые в будущем будут считаться лучшими шедеврами, классикой.

Некоторые музейные экспонаты могут вызывать сомнения, являются ли они искусством или нет. Некоторые говорят, что это просто бизнес. Пытаюсь заработать. Приходите и решите это сами.

Сувенирный магазин находится на первом этаже. Здесь представлен широкий ассортимент дизайнерских сувениров, в том числе авторские работы в единственном экземпляре.Посетители могут приобрести изделия мастерской Эрарта в художественном магазине на первом этаже.

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, Васильевский остров, линия 29, д. 2.

Расположение музея можно узнать на карте.

Ближайшая станция метро: Василеостровская.

Если вы были в этом музее, поделитесь, пожалуйста, своим мнением в комментариях.

Как Lamborghini оказался в музее Эрарта

Что первое приходит вам на ум при упоминании музея современного искусства? Уверен, что у большинства в воображении возникает картина полутемных комнат, где подсвечиваются картины и скульптуры самых неожиданных сюжетов, цветов и форм, и все это обсуждается полушепотом интеллигентной публики. кто многое понимает в выставке.Вряд ли можно представить автомобили, выставленные в музее современного искусства, так как автомобильный музей для нас – это либо простой ангар с выставленными вдоль стен автомобилями, либо со вкусом оформленное помещение, напоминающее еще и большой гараж или автомобильную стоянку. . Но из любого правила есть исключения, и в данном случае это музей Эрарта и выставка Lamborghini: Design Legend.

Изображение

Lamborghini и Эрарта

Частный музей современного искусства «Эрарта» находится в Санкт-Петербурге.Санкт-Петербург на Васильевском острове — это первый музей современного искусства в Северной столице и крупнейший частный музей современного искусства в России. «Эрарта» (название образовано от слов «эра» и «арта» и означает «время искусства») была открыта 30 сентября 2010 года и с тех пор музейная коллекция насчитывала более 2800 единиц хранения – живопись, графика, скульптура, объекты, инсталляции — в основном произведения, созданные русскими художниками во второй половине XX — начале XXI вв.Речь идет о самых разных направлениях — от реализма до абстракции и примитивизма — и поколениях — от 50-60-х годов ХХ века до наших дней — творчества.

А с 8 сентября 2017 года Эрарта стала еще и автомобильным музеем! Как минимум до 15 января 2018 года, когда закроется временная выставка «Lamborghini: Легенда дизайна». И я, как человек, побывавший на этой выставке, настоятельно рекомендую вам успеть заглянуть в бывший Всесоюзный научно-исследовательский институт синтетического каучука имени С.В. Лебедева, где сейчас находится Музей современного искусства, чтобы своими глазами увидеть культовые итальянские спорткары и познакомиться с историей марки. Ну а если у вас нет возможности посетить Санкт-Петербург, то предлагаю вам виртуальный тур по выставке.

Экспозиция, посвященная Lamborghini, расположена на первом этаже правого крыла Эрарты, где располагаются временные выставки. «Автомобили, наряду с общепризнанными образцами живописи или скульптуры, сегодня высоко ценятся как в денежном выражении, так и с точки зрения их вклада в развитие мировой культуры.А фирменный дизайн Lamborghini по праву можно считать выдающимся наследием итальянского современного искусства», — говорится в описании выставки, с которым трудно не согласиться.

Image

Часть выставки, посвященной Lamborghini

При поддержке Генерального консульства Италии в Санкт-Петербурге, Итальянского института культуры в Санкт-Петербурге, Automobili Lamborghini SpA, EF International Service Art и, конечно же, музея Эрарта кураторы выставки Энцо Форнаро и Антонио Джини удалось сделать компактную, но очень насыщенную экспозицию, в которой и автолюбители, и далёкие от суперкаров ценители искусства найдут для себя много интересного.

На входе гостей встречают развешенные на стенах своеобразные арт-объекты, иллюстрирующие возможные цвета автомобилей Lamborghini, а в витринах можно увидеть рули и шильдики многих моделей, а также корпоративные документы и рекламные материалы итальянского спорта. автомобили — как символы, во-первых, внимания дизайнеров марки даже к таким деталям и, во-вторых, как демонстрация работ реставрационного отдела Polo Storico, готового довести классические Lamborghini до первозданного состояния во всем, в том числе даже документацию.

Категорически не советую игнорировать фотографии на стенах и особенно подписи к ним. Изучение иллюстраций и кратких исторических справок позволяет лучше понять становление бренда Lamborghini и события, приведшие к рождению отдельных моделей марки. Масштабные модели, выставленные в витринах, конечно, интересны, но не как настоящие автомобили, которым тоже нашлось место в экспозиции!

Изображение

Lamborghini Diablo двигатель

Спускаясь по лестнице со второго уровня выставки, вы попадаете в окружение пяти легендарных Lamborghini — вот и один из 150 выпущенных Lamborghini Miura SV, и один из 224 произведенных Lamborghini 400 GT 2+2, и один из 80 брутальных Lamborghini. Diablo GT, и гоночный Lamborghini Gallardo The LP 570-4 Super Trofeo для монокубка Lamborghini Blancpain Super Trofeo, и модель, которая лично для меня стала жемчужиной шоу – одна из 40, сделанных Lamborghini Centenario! С вашего позволения, про автомобили я расскажу чуть позже, а пока про остальные экспонаты.

В автоспортивном уголке вы можете ознакомиться с экипировкой заводских гонщиков Lamborghini — итальянцев Мирко Бортолотти и Марко Мапелли. Последний, кстати, проехал на Lamborghini Huracan LP 640-4 Performante в октябре 2016 года по кругу по Северной петле Нюрбургринга за 6:52,01, побив действующий рекорд трассы для серийных автомобилей. Запись этой гонки, которая уже не является рекордом после Porsche 911 GT2 RS в сентябре 2017 года, можно увидеть на экране рядом с манекенами.

Кстати, по соседству с «солидными» машинами стоят моторы: двигатель Lamborghini для гоночной… моторной лодки (!) и силовой агрегат для наземного спорткара Lamborghini Diablo.Недостатка в иллюстрациях тоже нет – на стены в изобилии развешаны и фотографии, и эскизы, дизайн-проекты, винтажные рекламные постеры и картины. Причем эскизы эти самые настоящие — из коллекции Lamborghini.

Фото

Эскизы легендарного Марчелло Гандини

Некоторые рисунки легендарного Марчелло Гандини, которому из модельного ряда Lamborghini принадлежат Lamborghini Bravo, Lamborghini Countach, Lamborghini Diablo, Lamborghini Espada, Lamborghini Jarama, Lamborghini Miura, Lamborghini Urraco и Lamborghini Marzal, а также множество автомобилей других марок.Рядом с работами знаменитого итальянца лежат рисунки нынешнего главного дизайнера Lamborghini Германа Мити Боркерта. И, поверьте, изучать эти зарисовки не менее увлекательно, чем созерцать настоящие суперкары!

Фото

Эскизы Мити Боркерта

В центре экспозиции великолепный Lamborghini Miura P400SV или просто Lamborghini Miura SV. Эта модель была представлена ​​в 1971 году и отличалась от Lamborghini Miura S более мощным двигателем — 385-сильным четырехлитровым V12 — и доработанной пятиступенчатой ​​механической коробкой передач, которая стала более надежной.

Фото

Lamborghini Miura SV

Визуально Miura SV можно было узнать по отсутствию фирменных «ресничок» вокруг фар, другим фарам и более широким задним крыльям, которые были модифицированы под широкие диски с шинами Pirelli Cinturato.

Фото

Lamborghini Miura SV

Всего было изготовлено 150 экземпляров Lamborghini Miura SV (последние пятьдесят были оснащены самоблокирующимся дифференциалом), один из которых привезли в Санкт-Петербург.Кстати, с этой моделью связана забавная ситуация.

На заводе в официальной инструкции к спорткару размеры впускных клапанов почему-то были указаны в английской системе мер, так получилось, что они больше выпускных клапанов. Эта опечатка позже была перенесена в документы Espada 400GT и Countach LP 400/LP 400S, хотя на самом деле впускные и выпускные клапаны на всех четырехлитровых двигателях Lamborghini V12 были одинаковыми.

Ситуация создавала массу проблем владельцам, которые сами обслуживали свои машины, но Lamborghini даже не удосужились заменить документы (не так много по современным меркам было сделано машин с таким мотором), а просто поставили в известность тех, кто обращались к ним клиенты, что это опечатка и клапана одинаковые. Отличная, на мой взгляд, иллюстрация корпоративного итальянского отношения к делу!

Фотография

Lamborghini Miura SV и Lamborghini Diablo GT на заднем плане

Ну а для того, чтобы понять роль Miura не только в автопроме, но и в искусстве — именно этот спортивный автомобиль Lamborghini в 1966 году стал экспонатом выставки The Racing Car: Toward a Rational Automobile в Музее современного искусства MoMA в Нью-Йорке!

Серый Lamborghini 400 GT 2+2 выставлен рядом с желтым Miura SV в Эрарте.Автомобиль дебютировал в 1966 году и представлял собой слегка модифицированную версию Lamborghini 400 GT, которая, в свою очередь, представляла собой своеобразный «тюнинг» Lamborghini 350 GT с более мощным 320-сильным четырехлитровым двигателем V12 и пятиступенчатой ​​коробкой передач. механическая коробка передач.

Фото

Lamborghini 400 GT 2+2

Кузов, разработанный Carrozzeria Touring, вмещал четырех человек и отличался от 400 GT более высокой крышей, меньшим задним стеклом и заливной горловиной на задней стойке.

Фото

Lamborghini 400 GT 2+2

С 1966 по 1968 год, когда выпускался Lamborghini 400 GT 2+2, было собрано всего 224 четырехместных спорткара, что намного больше тиража «промежуточного» Lamborghini 400 GT Interim (было изготовлено 23 автомобиля).Преемником этих моделей стал Lamborghini Islero, но их было выпущено всего 225 штук.

Фото

Lamborghini 400 GT 2+2

А вот Lamborghini Diablo было изготовлено с 1990 по 2001 год аж 2884 экземпляра. На выставке Эрарта представлен Lamborghini Diablo GT — модификация, тираж которой был ограничен 80 автомобилями. Отличался от Lamborghini Diablo SV (в 1998 году модель подверглась рестайлингу, в линейке которого версия SV стала базовой), специальными трехсоставными колесными дисками OZ, более агрессивным аэродинамическим обвесом с элементами из углепластика, двойные круглые фары, две выхлопные трубы в центре задней части, а также эффектный центральный воздухозаборник на крыше и массивное крыло из углеродного волокна.

Фото

Lamborghini Diablo GT

Несмотря на то, что Lamborghini Diablo GT на самом деле был гоночным спортивным автомобилем, адаптированным для дорог общего пользования, его нельзя было назвать аскетичным. В салоне спортивные сиденья с четырехточечными ремнями безопасности соседствовали не только со спортивным рулем и карбоновыми декоративными панелями, но и с экраном GPS-навигации и камерой заднего вида, а также с подушками безопасности — что, впрочем, покупатель мог отказаться при покупке.

Фото

Lamborghini Diablo GT

Заднеприводный спорткар с пятиступенчатой ​​механической коробкой передач (клиент мог выбирать передаточные числа, если собирался эксплуатировать машину на гоночной трассе) оснащался шестилитровым V12 мощностью 575 л.с.Как и Lamborghini Miura, новый Lamborghini Diablo — самый быстрый серийный автомобиль своего времени!

Фото

Lamborghini Diablo GT

Однако роль Lamborghini Diablo для России иная. Эта модель стала первым автомобилем итальянской марки, который можно было официально приобрести на российском рынке.

В то время как Diablo GT был ориентированным на треки спортивным автомобилем, который все еще был легальным для использования на дорогах, Lamborghini Gallardo LP 570-4 Super Trofeo является чисто гоночным автомобилем.

Изображение

Lamborghini Gallardo LP 570-4 Super Trofeo, а на заднем плане тот самый двигатель для гоночного катера и манекены в экипировке гонщиков

Купе Lamborghini Gallardo было представлено в 2003 году, а спустя пять лет автомобиль подвергся рестайлингу.Именно на базе обновленного спорткара появилась гоночная модель для «самого быстрого монокубка в мире», как очень нескромно назвала фирменную серию Lamborghini Blancpain Super Trofeo итальянский бренд.

Фото

Lamborghini Gallardo LP 570-4 Super Trofeo

В 2009 году в гонках дебютировала гоночная версия Lamborghini Gallardo LP560-4 — исполнение Lamborghini Gallardo LP 560-4 Super Trofeo. Эта серия служила гонками поддержки чемпионатов Deutsche Tourenwagen Meisterschaft (DTM), FIA GT Series и World Touring Car Championship (WTCC), а также отдельными этапами.В календаре чемпионата было 18 гонок, а на стартовой решетке было до 30 купе – в монокубке приняли участие частные команды с джентльменами-водителями, команды дилеров Lamborghini и заводская команда марки, за которую стартовали приглашенные гонщики.

Фото

Lamborghini Gallardo LP 570-4 Super Trofeo

Гоночное купе было подготовлено компанией Reiter Engineering. В итоге Lamborghini Gallardo LP 560-4 Super Trofeo сохранил полный привод и стандартную роботизированную шестиступенчатую коробку передач E-gear с доработанной 570-сильной 5.2-литровый атмосферный V10. Естественно, были внесены изменения в шасси и кузов, а также в интерьер – машина превратилась в аскетичную гоночную оболочку, нацеленную только на одно: лучшее время прохождения круга. В 2013 году автомобиль был обновлен – изменилась аэродинамика, и в основе уже лежала версия Lamborghini Gallardo LP570-4 Superleggera. Именно Lamborghini Gallardo LP570-4 Super Trofeo выставлен в музее.

Но какую машину вряд ли можно увидеть на дорогах общего пользования, а уж тем более на гоночной трассе, так это Lamborghini Centenario.В 2016 году к 100-летию со дня рождения Ферруччо Ламборгини бренд изготовил 40 эксклюзивных суперкаров, которые дебютировали на автосалоне в Женеве.

Фото

Lamborghini Centenario

Lamborghini Centenario («столетний» по-итальянски) был основан на стандартном Lamborghini Aventador, который получил уникальный карбоновый кузов от дизайнеров Lamborghini Centro Stile. Автомобиль оснащался 770-сильным атмосферным 6,5-литровым V12 в сочетании с семиступенчатой ​​роботизированной коробкой передач ISR и, конечно же, полным приводом.Тираж эксклюзивной модели составил всего 40 штук — 20 экземпляров Lamborghini Centenario купе и 20 Lamborghini Centenario Roadster. Все автомобили были проданы состоятельным поклонникам марки.

Фото

Lamborghini Centenario

В Санкт-Петербурге, кстати, выставлен 41-й экземпляр Lamborghini Centenario. Купе из экспозиции Эрарты является собственностью итальянского автопроизводителя и ранее выставлялось в автосалонах и на выставках, а сейчас экспонируется в музее марки в Сант-Агата-Болоньезе.Но, согласитесь, вряд ли это делает уникальный суперкар менее привлекательным?

Фото

Lamborghini Centenario

Я буду говорить за себя. Большую часть времени в Lamborghini: Design Legend я провел в Lamborghini Miura SV и Lamborghini Centenario. Стоя у исторической модели, я наслаждался чистотой линий и этой лаконичной брутальностью, а в современном суперкаре, забыв о времени, изучал сложнейшее переплетение деталей, элементов и узлов. На мой взгляд, если разобрать Lamborghini Centenario на составные части, то ради них можно даже сделать не отдельную экспозицию, а специальный музей — настолько невероятен по дизайну этот автомобиль!

Однако, как известно, лучше один раз увидеть, чем сто раз услышать.В «Эрарте» настолько впечатлил интерес к выставке имени итальянского автопроизводителя, что продлили ее работу на месяц. И, поверьте, посетителей там действительно много. Не смотрите на пустые залы на моих фотографиях — я специально приехал на открытие музея, чтобы быть одним из первых гостей и спокойно фотографировать, но пока я изучал автомобили, приехало столько народу, что даже осматривая экспонаты, в очень трудную задачу, не говоря уже о фотографировании.Но это очень приятно — значит, тяга к прекрасному не чужда россиянам!

.

Leave a Reply

Ваш адрес email не будет опубликован.