Михаль ровнер смещения: Михаль Ровнер. Смещения | Артгид

Новинки Officine Panerai на гала-ужине Мультимедиа Арт Музея

События & стиль жизни

30/09/2015

Ужин в честь открытия выставки художницы Михаль Ровнер

17 сентября коллекционеры, меценаты и деятели искусства собрались в серебряном зале ресторана «Турандот» на гала-ужин столичного Мультимедиа Арт Музея, посвященный открытию выставки «Смещения» специального гостя 6-й Московской биеннале современного искусства –Михаль Ровнер. Выставки израильской художницы проходили в Музее американского искусства «Уитни» (2002), в павильоне Израиля на 50-й Венецианской биеннале (2003), в Же де Пом (2005) и Лувре (2011). В мае 2015 года видеофреска Ровнер «Переходы» открылась на станции Stazione Municipio неапольского метрополитена, а в 2018 году видеоинсталляция Ровнер должна открыться на станции Canary Wharf лондонского метро.

Партнером гала-ужина стала марка Officine Panerai. Во время мероприятия мануфактура представила вниманию публики несколько знаковых моделей, включая новинки SIHH 2015. Среди прочих были представлены карманные часы Pocket Watch 3 Days Oro Rosso (PAM0447),  модели как Radiomir 3 Days Platino – 47mm и Radiomir 10 Days GMT Automatic Oro Bianco – 45 mm и др.

Поздравить Михаль Ровнер и куратора проекта Ольгу Свиблову пришли бренд директор российской версии журнала ELLE Наталья Шкулева, певица и светская львица Миранда Мирианашвили и бизнесмен Леонид Огарев, коллекционер и меценат Инна Баженова, искусствовед и художественный критик Иосиф Бакштейн, российский художник и исполнительный директор Московского музея современного искусства Василий Церетели и дизайнер Кира Сакарелло, основатель и директор Галереи «Риджина» Владимир Овчаренко, коллекционер Владимир Смирнов, инициаторы и организаторы международной ярмарки Cosmoscow — Маргарита Пушкина и Сандра Недвецкая и другие.

Новое на сайте

Смещения времени

Новые выставки в Мультимедиа Арт Музее – это работы одного из самых знаменитых фэшн-фотографов ХХ века, снимавшего коллекции Шанель для журнала Vogue, а также Гэри Купери и Марлен Дитрих для Vanity Fair.  И провокационый проект AES+F — лидеров российского видеоарта. И а бстрактные видеоработы Михаль Ровнер, выставлявшейся в Лувре. А также – инсталляция  Павла Пепперштейна c необычным музыкальным сопровождением.

Четыре открывающихся в Мультимедиа Арт Музее выставки – абсолютно разные по содержанию, стилистике, мироощущению авторов и временным рамкам, в которые умещается без малого столетие. Каждая из них привлечет своего зрителя, который, попав на одну, с большой вероятностью задержится и в соседних залах.

©Выставка «Эдвард Штайхен в высокой моде» представляет модернистские работы главного новатора фэшн-фотографии прошлого века, сделанные для издательского дома Condé Nast в 1920–1930-е годы. Значимость стилистического прорыва Штайхена историки фотографии сравнивают с приходом звукового кинематографа на смену немому кино. Для Vogue он снимал коллекции Шанель, Ланвен, Скьяпарелли и других выдающихся дизайнеров. Для Vanity Fair – сделал более тысячи портретов современников, имена которых стали символами XX века: Гэри Купер, Марлен Дитрих, Уильям Йейтс, Марта Грэм, Фред Астер, Джордж Гершвин. Многих из них мы сегодня воспринимаем такими, какими их видел фотограф — «штайхенизированными», по меткому выражению одного критика.

Группа художников AES+F — одни из лидеров российского видеоарта, не раз принимавшие участие в Венецианской биеннале и других престижных выставках современного искусства по всему миру. Их художественные исследования современного общества принимают форму масштабных многоканальных видеоинсталляций — этаких гиперреалистичных фанстасмагорий. Сюжетной основой проекта, который будет показан в Мультимедиа Арт Музее, послужила старинная гравюра Inverso Mundus, что в переводе с латыни означает «перевернутый мир». В этом мире, полном чертей и химер, свинья потрошит мясника, женщина несет на плечах осла, а нищий подает милостыню богачу — все это современные типажи нового Средневековья.

Абстрактные видеоработы из серии «Смещения» израильской художницы Михаль Ровнер тревожны и энигматичны. Безликие тени, драматичные разломы сухой земли, мелкая рябь сбившихся в стаи человеческих фигур, редуцированных до точек и линий в пространстве, надолго приковывают взгляд, вводя в состояние транса. Время и память в работах Ровнер приобретают осязаемую фактуру, что оказывается трагической иллюзией, которая разбивается о плоскую поверхность экрана: память живет образами и снами. На счету Михаль Ровнер более шестидесяти персональных выставок, в том числе в Музее американского искусства «Уитни» и Лувре. Последние ее проекты выходят из выставочных залов в публичное пространство: в мае этого года ее видеофреска «Переходы» появилась на одной из станций неапольского метрополитена, а в 2018-м видеоинсталляция Ровнер откроется в лондонском метро.

В центре выставки московского концептуалиста Павла Пепперштейна, одного из самых ярких и самобытных современных российских художников, — реконструкция его инсталляции «Победа над будущим», представлявшей Россию на Венецианской биеннале в 2009 году. Название открыто отсылает к футуристической опере Матюшина и Крученых «Победа над Солнцем» в оформлении Малевича. На картинах Пепперштейна супрематические элементы соединяются с образами мегаполисов будущего, а музыкальным сопровождением к ним выступают авторский рэп художника и «Весна священная» Стравинского.

Читать полностью (время чтения 2 минуты )

В рамках 6-й Московской биеннале представлено около ста проектов: Искусство: Культура: Lenta.ru

В Центральном павильоне на ВДНХ открывается 6-я Московская биеннале современного искусства, кураторы которой — Барт де Баре (директор музея современного искусства MUHKA в Антверпене), Дефне Айас (директор Центра современного искусства Witte de With в Роттердаме) и Николаус Шафхаузен (директор венского Кунстхалле) — рефлексируют на тему «Как жить вместе? Взгляд из центра города в самом сердце острова Евразия». Смотр пройдет в новом формате: основными станут не выставки, а дискуссии об искусстве, мастер-классы и перформативная программа. Проект продлится до 1 октября, а по его итогам, до 1 ноября, будет организована выставка-документация. Помимо этого, зрители традиционно смогут побывать и на смотрах параллельной программы, а также увидеть работы специальных гостей — всего их ждут почти сто проектов, разбросанных по всему городу. Самое интересное — в обзоре «Ленты.ру».

Рембрандт. Другой ракурс

8 сентября — 11 октября, ГМИИ имени Пушкина

Изображение предоставлено пресс-службой ГМИИ

Дмитрий Гутов, «Христос во время шторма на море Галилейском», 2009.

В качестве своей дебютной выставки в рамках специального проекта Московской биеннале ГМИИ имени Пушкина подготовил экспозицию «Рембрандт. Другой ракурс». Зрителям представлен диалог старого и нового, классики и современности — экспонатами стали живописные и графические произведения Рембрандта Харменса ван Рейна и металлические конструкции Дмитрия Гутова, созданные по мотивам работ голландца. Проект демонстрирует, что такое реализм искусства нового времени на примерах расслаивания и рассеивания — зрителю достаточно занять определенное положение в зале относительно той или иной композиции, чтобы увидеть в тяжеловесных масштабных конструкциях повторение невесомых каллиграфических штрихов на бумаге, выведенных Рембрандтом. Это такой почти театральный перформанс, в котором посетитель выступает и в качестве режиссера, и в качестве главного действующего лица.

АЕС+Ф. INVERSO MUNDUS

9 сентября — 1 ноября, Мультимедиа Арт Музей

Изображение предоставлено МАММ и галереей «Триумф»

AES+F, Inverso Mundus, «Люди и ослы», 2015. Courtesy МАММ и Галерея «Триумф».

Прототипом для видеоэпопеи АЕС+Ф (Татьяна Арзамасова, Лев Евзович, Евгений Святский и Владимир Фридкес), который показывали в рамках параллельной программы 56-й Венецианской биеннале, послужила старинная гравюра Inverso Mundus («Перевернутый мир»). На ней среди прочего изображены свинья, потрошащая мясника, мужчина и женщина, обменявшиеся костюмами и ролями. В интерпретации группы современных художников сюжеты карнавала эпох позднего Средневековья и Возрождения предстают сценами современной обыденности — женщины-инквизиторы истязают мужчин, дети и старики сражаются в боях без правил, а дворники-метросексуалы заваливают город мусором. Вдобавок все это представлено в формате трехканальной панорамной видеоинсталляции.

петер_вайбель: technē_революция

11 сентября — 1 ноября, Московский музей современного искусства

Фото предоставлено пресс-службой ММОМА

Петер Вайбель, «Верховный суд нарушает закон», 1971.

Куратор 4-й Московской биеннале современного искусства, а ныне руководитель Центра искусства и медиатехнологий в Карлсруэ Вайбель на этот раз выступает в качестве спецгостя 6-го издания смотра. Выставку, которая расположится на четырех этажах здания музея современного искусства в Ермолаевском переулке, делает бессменный биеннальный комиссар Иосиф Бакштейн. Название проекта techne отсылает к греческому «искусству» и «ремеслу». Поэтому получивший известность благодаря экспериментальной поэзии и радикальным перформансам Вайбель представит разнообразные арт-объекты. Это интерактивные медиаинсталляции, экспериментальные фильмы, видео — «Эпистемиологическая видеология», «Бесконечный сэндвич» и другие работы. На примере экспонатов будет показано, что такое «расширенное кино», одним из главных европейских идеологов которого выступает художник, а также рассказано об общих корнях творчества, технического прогресса и проблемах современности.

Своя земля / Чужая территория

16 сентября — 4 октября, Центральный Манеж

Изображение предоставлено пресс-службой галереи «Триумф»

Мехрин Муртаза, «Лодочники ждут выхода пассажиров на берег Яффы», около 1911. Из серии «Сомнительное происхождение географии», 2012.

Один из самых масштабных проектов биеннале посвящен феномену спорных территорий и пограничных зон, находящихся в ситуации постоянной нестабильности. Каждый из 31 участника выставки отвечает на главный вопрос Московской биеннале — «Как жить вместе?» Речь не только о территориальных спорах в разных уголках планеты, но и границах между своим и чужим, будь то граница физического пространства или «воображаемого сообщества». Российские и иностранные художники размышляют о конфликтах со свойственным им локальной спецификой и национальным контекстом.

В поле зрения. Эпизоды художественной жизни 1986-1992

17 сентября — 13 декабря, Фонд культуры «ЕКАТЕРИНА»

Фото предоставлено пресс-службой Фонда культуры «ЕКАТЕРИНА»

Выставка представляет собой путешествие в прошлое — авторы экспозиции знакомят зрителя с произведениями перестроечных лет и атмосферой конца 1980-х — начала 1990-х годов. Проект исследует время, когда в России по большому счету не было ни галерей, ни фондов искусства, ни ярмарок в том виде, в каком они существуют сейчас. Посетители увидят не только произведения искусства, но и документы, фотографии, каталоги, аудио- и видео материалы. Символично, что выставка не дает ответов на вопросы, а наоборот, подталкивает зрителя к активному участию и осмыслению современных художественных процессов.

Павел Пепперштейн. Будущее, влюбленное в прошлое

18 сентября — 1 ноября, Мультимедиа Арт Музей

Изображение предоставлено пресс-службой МАММ

Павел Пепперштейн, «Глобальное исследование аудиоинноваций. Унисаунд. Дебрис».

Проект одного из основателей арт-группы «Инспекция «Медицинская герменевтика»» Павла Пепперштейна исследует идею построения новых утопий будущего. В МАММ реконструировали проект Пепперштейна «Победа над будущим», который он представлял в Русском павильоне на Венецианской биеннале 2009 года и который до сих пор не утратил свою актуальность, а также показывают новый живописный проект мастера «Холодный центр солнца». Среди экспонатов — утопические рисунки, созданные Пепперштейном на основе опыта русского авангарда, супрематизма с типичными для него элементами абсурда и юмора.

Михаль Ровнер. Смещения

18 сентября — 29 ноября, Мультимедиа Арт Музей

Изображение предоставлено пресс-службой МАММ

Михаль Ровнер, «Трещины времени», 2012. Фотограф: Ави Муссель

В рамках биеннале МАММ представляет новые работы израильской художницы Михаль Ровнер — колоссальные видеоинсталляции, которые лучше всего выражают ее творчество. «Конек» Ровнер — мультиэкранные инсталляции, рассказывающие о пути человека, об осмысленности его существования. Сначала художница снимает видео, вовлекая в эти перформансы много участников, а затем эти видео подвергаются сложной технологической обработке. Если авангард — это задача вектора движения, то Ровнер возвращает зрителю чувство единой связи с космосом и рассказывает о проблемах настоящего времени. Например, о том, что в современном едином и хрупком мире человек — единица себе подобных, где бы он ни находился — в Европе, Африке, Америке, России или Азии. За 20-летнюю карьеру художница проводила выставки в США, Франции, представляла свой проект на биеннале в Венеции и вот уже во второй раз приехала в Россию.

Аниш Капур. Моя алая родина

22 сентября — 17 января 2016, Еврейский музей и центр толерантности

Изображение предоставлено пресс-службой Еврейского музея и центра толерантности

Аниш Капур, «My Red Homeland», 2003. Photo: Nic Tenwiggenhorn.

Работы Аниша Капура, родившегося в Бомбее и с 1970-х работающего в Лондоне, уже были показаны в в Галерее Тейт, на Венецианской биеннале и Гран Пале. Теперь в рамках биеннале в России — первая персональная выставка мастера. Зрители увидят пять масштабных и знаковых для Капура скульптур, созданных в 1993-2012 годы. Хотя под «скульптурой» понимаются вовсе не традиционные статуи. Сталь, воск и цвет — три «первоэлемента» объектов Капура, с помощью которых он преображает материал и создает настоящие пейзажи, выражая новое понимание уникального. К выставке обещан public-talk с художником.

Надежда/Hope — Российские промышленные города глазами художников

23 сентября — 31 октября, Трехгорная мануфактура

Изображение предоставлено организаторами проекта

Иван Баан, «Екатеринбург», 2015.

Более 20 художников из 6 стран мира за два года посетили семь российских промышленных городов, побывав в Екатеринбурге, Ижевске, Магнитогорске, Нижнем Новгороде, Норильске. Авторы проекта искали вдохновение в архитектуре, промышленности, повседневной жизни и истории, а по итогам экспедиций создали свои произведения. Это фотографии, арт-объекты, живопись и графика, объединенные одной темой, вынесенной в название проекта — «надежда». Адаптированную версию проекта представят и европейской публике — осенью 2016 года выставка откроется в Кунстхалле Вены.

Кинотеатр повторного фильма

23 сентября — 1 ноября, Круговая кинопанорама на ВДНХ

Изображение предоставлено пресс-службой галереи «Триумф»

Александра Паперно, «Раскраска», 2015. Проект инсталяции, Courtesy: Автор.

Мало кто знает, что на задворках шумного ВДНХ находится кинотеатр «Круговая кинопанорама», построенный в 1959 году к открытию в Москве первой Американской выставки. Тогда специальной круговой кинокамерой с 11 объективами снимали виды черноморского побережья, Москвы, Тбилиси, Курильских вулканов, Карпатских гор. Совершить воображаемое путешествие по стране можно и сейчас, а заодно — увидеть работы современных художников Натальи Вициной, Дмитрия Гутова, Таисии Коротковой, Александры Паперно, Светланы Шуваевой, Евгения Юфита, пытающихся переосмыслить архивное кино.

Метагеография. Пространство — образ — действие

25 сентября — 7 февраля 2016, Государственная Третьяковская галерея

Изображение предоставлено пресс службой Государственной Третьяковской галереи

Наталия Гончарова, «Пространство», 1958. Государственная Третьяковская галерея.

Проект Третьяковской галереи посвящен проблеме восприятия окружающего пространства человеком и исследует связи философии, искусства и науки. В залах галереи на Крымском Валу осмысливают географические образы через произведения живописи первой половины ХХ века и работы современных художников, исторические карты и геодезические инструменты. Вместо классической музейной развески предметы расположены в неожиданных местах — чтобы изучить экспонаты посетителям придется подняться по пандусам, взойти на подиумы, имитирующие природный рельеф, и даже заглянуть внутрь геодезического купола. В экспозиции из более 120 предметов представлены работы разных жанров и направлений — от Наталии Гончаровой и Франциско Инфанте до Аркадия Насонова, от Андрея Балдина до Кирилла Савченкова.

Луиз Буржуа. Структуры бытия: клетки

25 сентября — 7 февраля 2016, Музей современного искусства «Гараж»

Изображение предоставлено пресс-службой музея современного искусства «Гараж»

Луиз Буржуа, «Паук», 1997. Коллекция The Easton Foundation. Фото: Максимилиан Гойтер, © The Easton Foundation / РАО, Москва.

Выставка легендарной франко-американской художницы, умершей пять лет назад в возрасте 98 лет, будет представлена в рамках специальной программы смотра. Творчество Буржуа часто называют энциклопедией современного искусства — здесь и кубизм, и сюрреализм, и конструктивизм. Ее работы — абстрактные и фигуративные, реалистичные и фантасмагоричные. В Москву приедет серия из более 80 скульптур-энвайронментов, созданных за последние двадцать лет жизни художницы. Каждая «Клетка» — это микрокосм с индивидуальными чертами, охватывающий широкий спектр эмоций и ассоциаций, источниками для которых послужили воспоминания о непростом детстве Буржуа. Наряду с «Клетками» на площади перед музеем установили девятиметровую бронзовую паучиху Maman (одну из знаковых работ художницы), а в атриуме «Гаража» впервые в мире покажут инсталляцию «Завладел ли день ночью или ночь завладела днем?» (это фраза из дневника Буржуа).

Галерея «Пальто». Юбилейная выставка

26 сентября — 18 октября, Музей Москвы

Изображение предоставлено пресс-службой Музея Москвы

Галерея «Пальто», А.Виноградов, В.Дубосарский, «Легкость бытия-2», 2006.

Вместо отмененной выставки Александра Бродского, которую в Музее Москвы все же надеются провести в следующем году, в рамках Московской биеннале на площадке представят юбилейный проект галереи «Пальто». Следует напомнить, что выставочной площадью галереи является не что иное, как подкладка пальто художника Александра Петрелли, которое он распахивает перед зрителями, приходя на вернисажи и другие мероприятия. За двадцатилетнюю историю галерея провела более 400 групповых и персональных выставок. В этот раз зрителям представят редкие видеоматериалы, групповые проекты, фотохронику эволюции стиля художника. Участниками проекта также станут Олег Кулик, Сергей Шутов, Сергей Братков, Владимир Дубосарский и другие.

Станционный смотритель, Творческое объединение «Купидон»

30 сентября — 29 ноября, Stella Art Foundation

Изображение предоставлено пресс-службой Stella Art Foundation

т\о Купидон, «Канкан», эскиз витража для инсталляции «Станционный смотритель», 2015.

Stella Art Foundation представляет третью часть проектного «триптиха», который творческое объединение «Купидон» показывает в пространстве Фонда. Первая часть «Show and tell. Художник и его модель. Омут» проходила в 2009 году, вторая, «Метаморфей», — в 2011-м. Как отмечают авторы проекта, они сталкивают в одной инсталляции несовместимые модели искусства и разные способы его понимания, из-за чего возникают новые смыслы и метафоры. По сути, на примере «компактного мультиверсума, суммы мирков, вложенных в единое выставочное пространство» зрителя знакомят с современным московским концептуализмом.

Андрей Бартенев. Скажи: я тебя люблю!

30 сентября — 8 ноября, Московский музей современного искусства

Изображение предоставлено пресс-службой ММОМА

Андрей Бартенев, «Ботанический балет», 1992, Москва.

Выставка в Московском музее современного искусства (ММОМА) посвящена «человеку-перформансу» и «мастеру инсталляций». Ретроспектива работ Андрея Бартенева за последние 25 лет разместится в двух корпусах музея на Гоголевском бульваре. Левое крыло музея отдадут 1990-м, а один из главных экспонатов — проект «Снежная королева» 1993 года. Авангардная интерпретация сказки Андерсена была показана в Третьяковке, лондонском Музее Виктории и Альберта, а также вместе со своим создателем послужила главной темой первого номера журнала «Птюч». Правое крыло займут крупные инсталляции и кинетические скульптуры 2000-х, в том числе работа Cоnnection Lost. Field of Lonely Hearts, участвовавшая в выставке в Русском павильоне на 52-й Венецианской биеннале. Зрителей ждет не обычная выставка, а хаос маскарада, перформансы и карнавальная фантасмагория.

Идея на выходные: Земфира, Караваджо &Co

В Москву вернулось лето и это вовсе не единственная хорошая новость.

В наступающий уикенд

каждый сможет найти себе занятие по вкусу.

Бесплатный концерт Земфиры, выставка «Караваджо и последователи в ГМИИ имени А.С. Пушкина», фестиваль американского кино и еще много интересного, что ждет вас в приближающийся уикенд в Москве в нашем еженедельном обзоре. Кстати, синоптики снова обещают только хорошую погоду, говорят, столбики термометров достигнут 25 градусов.

Мультимедийный Арт Музей представляет

Сразу две выставки ожидают поклонников современного искусства в МАММе: экспозиция специального гостя 6-й Московской биеннале современного искусства Михаль Ровнер «Смещения» и выставка Павла Пепперштейна «Будущее, влюбленное в прошлое». МАММ реконструирует инсталляцию Пепперштейна «Победа над будущим», представленную в 2009 г. в Российском павильоне на 53-й Венецианской биеннале современного искусства, а также представит его новый живописный проект «Холодный центр солнца». Что до Ровнер, то она вернулась в Россию спустя 10 лет и обещает вызвать у зрителя широкий спектр эмоций.

Выставки в МАММе

Детали от Posta-Magazine:
Ул. Остоженка, 16

5 лет La Boule

Знаменитое петанк-кафе в Парке Горького празднует свой первый юбилей. По этому поводу здесь обещают устроить турнир по петанку, угощать коктейлями, удивить специальным меню, увлечь детишек всяческими играми и мастер-классами, а также собрать в одном месте лучших диджеев города.

Петанк-кафе La Boule

Детали от Posta-Magazine:
Ул, Крымский вал, 9, Парк Горького

«Караваджо и последователи» в Пушкинском музее

Экспозиция, которая открылась во вторник 15 сентября и продлиться до 10 января 2016 года, включает привезенные из Италии работы, принадлежащие Фонду Роберто Лонги во Флоренции, а также те, что находятся в собрании ГМИИ им. А.С. Пушкина, — в общей сложности более 50 произведений искусства. Выставка призвана помочь понять и оценить масштаб личности Лонги-коллекционера, одного из первых, кто открыл миру искусство Караваджо. Венец экспозиции — картина Караваджо «Мальчик, укушенный ящерицей» и к слову, это единственная его работа, представленная на данной выставке.

«Караваджо и последователи»

Детали от Posta-Magazine:
Ул. Волхонка, 12

Праздник урожая на Даниловском рынке

Владельцы любимого москвичами Даниловского рынка решили сделать реверанс в сторону дачников и предложили им поделиться своим урожаем со столичными жителями, а также с теми, кто не имеет возможности заниматься фермерским хозайством. Обещают, что купить здесь можно будет даже таежный мед и орехи из Забайкалья.

Праздник урожая на Даниловском рынке

Детали от Posta-Magazine:
Ул. Мытная, 74

Amfest — 2015

Фестиваль независимого американского кино открылся 17 сентября продлится до 27-го и проходит в Москве уже в девятый раз. На этот раз в кинотеатре «Формула кино Горизонт». Хит нынешнего фестиваля — картина «Черная месса», с Джонни Деппом, а также «Правдивая история» с Джеймсом Франко.

Amfest-2015

Детали от Posta-Magazine:
Комсомольский просп., 21/10

Уик-энд «Време Де Ниро»

А вот кинотеатр «Пионер» еще летом решил вернуть на большие экраны актуальную киноклассику и запустил круглогодичный цикл показов под названием «Наконец-то в кино». На этой неделе остановились на Роберте де Ниро, которому в августе исполнилось 72 года. Поклонники его таланта имеют возможность увидеть «Охотника на оленей», «Казино» и «Бешенного быка» с любимым актером в главной роли.

Уикенд «Время Де Ниро», кадр из фильма «Казино» Мартина Скорсезе

Детали от Posta-Magazine:
Кутузовский просп, 21

Фестиваль MEGAFONLIVE

Мобильный оператор «МегаФон» приглашает всех поклонников хорошей музыки на грандиозный фестиваль, который с 15 по 26 сентября проходит в крупнейших городах России. 19 сентября состоятся концерты в Москве и Санкт-Петербурге: две столицы будут объединены онлайн-трансляцией через огромные экраны. Это первый в своем роде музыкальный эксперимент одновременного живого выступления. В Москве главными действующими лицами станут Земфира, «Чайф», «Смысловые галлюцинации», Ольга Кормухина, Гарик Сукачев.

Земфира

Детали от Posta-Magazine:
Воробьевы горы, вход свободный

Московский марафон

В воскресенье состоится третий Московский марафон, ради которого перекроют центр города. Дело в том, что его маршрут проляжет по центральным улицам и набережным города — мимо высоток «Москвы-Сити», по Садовому кольцу, Крымскому мосту, Бульварному кольцу, Тверской улице, мимо Большого театра и под стенами Кремля. Кроме того, в этом году впервые на полной дистанции марафона состоится заезд хендбайкеров — спортсменов с ограниченными возможностями, которые передвигаются по трассе на велосипедах с ручным приводом.

Московский марафон

Детали от Posta-Magazine:
Начало забега в 8:00

Фестиваль «Остров 90-х»

Интернет-издание Colta, посвященное культуре 90-х годов, на этой неделе заставило всех ностальгировать и проводит по этому поводу фестиваль «Остров 90-х» 20 сентября в «Музеоне». Всю пятницу «Фейсбук», вдохновившись идеей, пестрит фотографиями того времени, а организаторы, тем временем, обещают провести лекторий, на котором об эпохе будут рассуждать Юрий Сапрыкин, Елена Нусинова, Сергей Мостовщиков, а на центральной сцене обещают марафон хитов 90-х и группу «АукцЫон». Дресс-код: назад в 90-е.

Фестиваль «Остров 90-х»

Детали от Posta-Magazine:
Крымский вал, 2

«Эверест»

Главный герой фильма Роб Холл долгое время мечтал покорить неприступный Эверест и однажды такой шанс ему предоставился. Собрав группу из лучших альпинистов, он как никогда приблизился к своей заветной мечте. Все эти люди полны мужества и отваги и они не остановятся ни перед чем, пока не поднимутся на вершину Эвереста. Но даже если эта гора покорится им, смогут ли они вернуться обратно живыми и невредимыми? Картина, главные роли в которой исполнили Джейк Джилленхол, Кира Найтли, Эмили Уотсон и Джейсон Кларк — почти документальная реконструкция драматических событий 10-11 мая 1996 года и весьма эффектная реконструкция, которую особенно приятно смотреть в IMAX.

Кадр из фильма «Эверест»

Детали от Posta-Magazine:
Ул. Правобережная, 1б

 

 

 

На «Ночи искусств» побывали около 200 тысяч человек / Новости города / Сайт Москвы

Порядка 200 тысяч москвичей и гостей города провели «Ночь искусств» в музеях, театрах, культурных центрах, библиотеках и на концертных площадках. Для горожан подготовили для горожан около 800 специальных программ, которые длились в общей сложности 1807,5 часа.

«„Ночь искусств“ прошла с большим успехом, и москвичи, несмотря на погоду, каждый год проявляют большой интерес к этой акции, которая, в свою очередь, становится хорошей традицией в культурной жизни нашего города. Все центральные мероприятия прошли с аншлагом, свободных мест нигде не было. Закрытые площадки не всегда даже могли принять всех желающих: интерес и ажиотаж со стороны горожан намного превосходил их вместимость», — подчеркнул Министр Правительства Москвы, руководитель Департамента культуры Александр Кибовский.

Как Москва провела «Ночь искусств»

В этом году акция «Ночь искусств» прошла под девизом «Искусство объединяет!». Её основным направлением стала мультижанровость. Музеи, театры, библиотеки, дома культуры и концертные площадки экспериментировали, сочетая академические и современные направления искусства, по-новому прочитывая классику, сталкивая культурных героев разных лет. Они открыли свои двери после 18:00 и работали допоздна. На большинство мероприятий можно было заранее зарегистрироваться онлайн.

Музеи

Стартовала «Ночь искусств» в Музее современной истории, где только что завершили реставрацию главного фасада, ограды и скульптур львов, которые украшают ворота. «Здорово, что у нас есть такой замечательный символ начала “Ночи искусств” — отреставрированных и самых знаменитых московских львов», — отметил Александр Кибовский, выступая на открытии акции. Министр культуры России Владимир Мединский заверил, что музей станет одной из самых интересных городских площадок. «Нам приятно, что здесь, в Москве, мы начинаем этот вечер после первого этапа реставрации одного из самых знаменитых исторических зданий, Английского клуба, потрясающего исторического памятника, в котором находится Музей современной истории России. И это только первый этап. Далее мы переходим к внутренней реставрации», — заявил Министр культуры.

В «Ночь искусств» Музей современной истории открыл фонд с уникальными произведениями декоративно-прикладного искусства. Гостей ждали специальные программы о литераторах ХХ века и поэтах пушкинской поры. Последняя также рассказывала о традициях Английского клуба, который был неотъемлемой частью Москвы времён Пушкина.

Для любителей истории прошли экскурсии, посвящённые Великой Отечественной войне, истории России середины XIX — конца XX столетия, разным видам холодного и огнестрельного оружия середины XIX–XX веков. Для меломанов стипендиаты и участники концертных программ фонда Владимира Спивакова сыграли концерт.

Самым посещаемым в ночь с 3 на 4 ноября стал Государственный Дарвиновский музей. Более 15,5 тысячи человек побывали на экскурсии по выставке «Транскрипция шума», осмотрели спецпроект VI Московской международной биеннале современного искусства «Транссибирская мигрирующая резиденция: арт-антропологическое исследование», поучаствовали в мастер-классах и увидели перформанс «Звёзды и желания».

Свыше 14,5 тысячи посетителей прошли через залы Московского музея современного искусства. Он представил стихомат чешского художника Ондржея Кобзы — автомат, воспроизводящий стихотворения. Его зарядили современной поэзией в исполнении актёров и музыкантов. Гости музея осмотрели экспозицию «Диалоги света и звука» и услышали современную музыку в исполнении ансамбля «Галерея актуальной музыки».

Среди самых популярных музеев «Ночи искусств» также оказался «Мультимедиа-арт-музей», который привлёк посетителей экскурсиями по выставкам «Смещения. Михаль Ровнер», «Павел Пепперштейн» и «Эдвард Штайхен в высокой моде: годы сотрудничества с Conde Nast». В число лидеров по посещаемости вошла и Государственная Третьяковская галерея. В её основном здании в Лаврушенском переулке звучала музыка Моцарта и Чайковского. На Крымском Валу, где открылась самая громкая выставка сезона «Валентин Серов. К 150-летию со дня рождения», прозвучали фортепианная музыка, романсы и стихи поэтов — современников великого художника. Замкнул пятёрку самых популярных Музей Москвы. Специально к акции здесь открылась Первая московская биеннале высоких технологий SMIT, на которой показали разработки будущего и технологичные гаджеты, связанные с жизнью в больших городах.

Ночные встречи

Центральной частью акции стали «Ночные встречи» с известными представителями арт-сообщества. Они прошли на разных площадках в нескольких форматах: дискуссии и лекции, ночные кинопоказы, театральные выступления, авторские экскурсии и литературные чтения.

Больше всего посетителей привлекли музыкально-поэтический диалог Олега Нестерова и Веры Полозковой о 1960-х в Культурном центре ЗИЛ и открытый диалог мультипликатора Юрия Норштейна и иллюзиониста Вячеслава Полунина. В заполненном зале Российского академического молодёжного театра два знаменитых сказочника делились своими рецептами счастья, рассказывали, как превратить жизнь в праздник и почему взрослым сказки нужны не меньше, чем детям.

«Душеполезный концерт» актёров «Мастерской Дмитрия Брусникина» в Тургеневской библиотеке полуночники встретили овациями. В спектакле-концерте прозвучали фольклорные песнопения и духовная музыка: произведения Александра Архангельского, Генри Пёрселла, Джулио Каччини, Бруно Куле, песни Сергея Старостина, Леонида Фёдорова и Владимира Волкова.

Также ночные встречи на разных площадках провели актёры Ксения Алфёрова и Егор Бероев, Армен Джигарханян, режиссёры Анна Меликян и Игорь Угольников, директор ГМИИ имени А.С. Пушкина Марина Лошак и директор Государственной Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

Успехом пользовались ещё два мероприятия на необычных площадках — показ фильма «Брестская крепость» на Казанском вокзале и балет «Щелкунчик» в Центральном детском магазине на Лубянке. Последний посмотрели не только зарегистрированные гости из партера, но и сотни посетителей с галерей магазина.

Экскурсии

Пешеходные, костюмированные, интерактивные и просто познавательные экскурсии прошли по всему городу. В Московском музее современного искусства художник Андрей Бартенев познакомил посетителей со своей выставкой-ретроспективой. Директор Музея истории ГУЛАГа показал гостям экспозицию в новом, только что открывшемся здании.

По Садовому кольцу курсировали тематические троллейбусы, посвящённые жизни и творчеству Сергея Есенина, Константина Паустовского и Владимира Маяковского. Экскурсоводы показали есенинские места Москвы и редкие фотографии Паустовского, рассказали, где Маяковский часто играл в бильярд, с кем жил в своей квартире в Гендриковом переулке и почему памятник поэту стоит именно на Триумфальной площади.

«Ночь искусств» в районах Москвы и онлайн

В этом году акция вышла далеко за пределы Садового кольца. Мероприятия прошли в каждом округе. В кинотеатре «Космос» можно было послушать Дмитрия Харатьяна, в кинозале «Эльдар» актриса Мария Кожевникова представила фильм «Батальон», в «Пионере» режиссёр Анна Меликян рассказала о своей фестивальной ленте «Про любовь».

В домах культуры ТиНАО показали интерактивный спектакль по повести «Тарас Бульба», постановки Балета Москвы на музыку Игоря Стравинского, спектакль «Цирк уехал, а клоуны остались», мастер-классы «Весёлая цирковая школа». Зеленоградцев ждали выставка художников и фотографов, спектакли, литературные чтения и даже свидания в мобильном планетарии.

Те, кто не смог выбраться на «Ночь искусств», смогли посмотреть прямую трансляцию на сайте сервиса «Окно в город». 11 камер городской системы видеонаблюдения показали музей-заповедник «Царицыно», Дарвиновский музей, Московский зоопарк, парк искусств «Музеон», Музей Москвы и другие площадки.

IT как средство отражения

В столице продолжают работу выставки в рамках 6-й Московской биеннале современного искусства. За ответом на вопрос, какие новые технологии в этом году были использованы художниками и как они помогают в раскрытии авторского замысла, мы отправились в Мультимедиа Арт Музей, самую высокотехнологичную площадку биеннале.

В этот раз музей стал домом для четырех проектов Московской биеннале современного искусства, в трех из которых присутствует и IT-составляющая. Первый из них называется «Смещения», автор — Михаль Ровнер. В работах этой израильской художницы на древние материалы – обломки разрушенных зданий и обелисков — проецируются движущиеся изображения маленьких человечков. Они, как и мы с вами, хаотично бредут своей дорогой или, наоборот, следуют за друг за другом по проторенному пути. В некоторых произведениях (например, «Без названия 11 (Панорама)») эти человечки очень хорошо прорисованы, и мы можем разглядеть, чем они занимаются. Вот кто-то остановился поболтать с приятелем, а вон там какой-то турист фотографируется, должно быть, на фоне достопримечательности. При этом нам доступны лишь очертания этих крошечных черных фигур, но наше воображение само перемещает их в знакомый контекст и воссоздает ситуацию. В «Смещениях» отчетливо прослеживается связь времен, которое здесь не имеет рамок. Выбирая в качестве фона к своим работам живых свидетелей истории — фрагменты древних стен и камни, художник обращается к прошлому. Однако использование новейших технологичных систем, а именно проектора и LCD-экранов, для отображения идеи в рамках выставочного пространства устремляет «Смещения» в будущее.

Второй проект под названием «GenerationNext» выполнен студентами и выпускниками Школы фотографии и мультимедиа имени Александра Родченко. Его в полной мере можно отнести к мультимедийным: в нем представлены и фотографии (например, серия снимков Вика Лащенкова «Жить с другим», 2013-2014 гг), и трехканальные видеоинсталляции (например, работа Анастасии Кузьминой «В новый год», 2014), и даже интерактивный экспонат — работа Марины Руденко «Испорченный телефон», стать частью которого может любой посетитель выставки, взяв в руки телефон. Все произведения объединены проблемой самоопределения художника в современном мире, да и не только художника, поскольку герои этих инсталляций также представляет собой результат ежедневного нравственного выбора и его последствий.

Наконец, еще одним мульмедийным проектом стал видео-арт творческой группы AES+F«InversoMundus». Медиахудожники AES+F создают свои работы, отличающиеся масштабностью и провокационностью, по уникальной технологии: для создания видео используется съемка – 15 кадров в секунду, которое затем транслируется с помощью гигантской плазменной панели и образует трехканальную панорамную видеоинсталляцию. В этот раз в основу визуальной философии об устройстве современного общества легли старинные гравюры «InversoMundus» («Перевернутый мир»), адаптированные под новую реальность. В результате мы видим дерущихся стариков и детей; уборщиков, разбрасывающих мусор на улицах мегаполиса; женщин, доминирующих над мужчинами; бедняков, подающих милостыню миллионерам, и так далее.

«Технологии развиваются, появляются какие-то способы интеллектуальной репрезентации, в том числе и в искусстве. Многие художники начинают работать не только в классических техниках, но и используют новые технологии. Плюс еще современное искусство — всегда на стыке урбанистики, архитектуры и рекламы, — рассказывают сотрудники Мультимедиа Арт Музея. — Когда мы говорим про новую медийность, это уже искусство, которое чуть-чуть выносится за границы музея и действительно связано с городом».

Женский художественный дискурс в пространстве сакрального Текста Текст научной статьи по специальности «Языкознание и литературоведение»

УДК 75.01-055.2

Женский художественный дискурс в пространстве сакрального текста

Михаил В. Вогман

Институт стран Азии и Африки МГУ им. М.В. Ломоносова, Москва, Россия, [email protected]

Наталия Ю. Каменецкая

Творческий союз художников России, Москва, Россия, [email protected]

Аннотация. В статье предпринимается первичная попытка описать взаимодействие между гендерной и теологической проблематиками в творчестве современных женщин-художниц. Отталкиваясь от работ, созданных женщинами в религиозной (прежде всего иудейской) среде, авторы затем распространяют выявленные на их примере закономерности на широкий круг современного женского искусства. Модусы использования современными женщинами-художницами художественно-изобразительных и концептуальных средств или элементов, отсылающих к конкретным господствующим религиозным традициям, трактуются как опыт конститу-ирования особого «женского дискурса» о Сакральном и даже в самой сфере Сакрального (понятого в данном случае не отвлеченно-понятийно, а в свете реальных религиозных дискурсов и практик). В сегодняшнем женском творчестве демонстрируется новая тенденция по отношению к традиционному религиозному наследию, которая преодолевает гендерные барьеры не только и не столько путем критики наличного в нем социально-культурного неравенства, сколько путем активной художественной реализации права женщины на признание в качестве специфического субъекта несводимого духовного опыта. Анализ ряда отдельно взятых социально-культурных ситуаций в методологической перспективе комплексных гендерных исследований делает возможным заявление о женском искусстве и его художественном дискурсе — как об особой и правомочной интерпретации сакрального Текста, порожденной и востребованной самими «мужскими» символическими системами.

© Вогман М.В., Каменецкая Н.Ю., 2018

Ключевые слова: Текст, текстуальность, феминизм, сакральное, женское искусство, еврейское искусство, визуальность, телесность, религия, женский дискурс, феминистская критика, интерпретация

Для цитирования: Вогман М.В., Каменецкая Н.Ю. Женский художественный дискурс в пространстве сакрального текста // Вестник РГГУ. Серия «История. Филология. Культурология. Востоковедение». 2018. № 8 (41). Ч. 2. С. 259-280.

Women’s artistic discourse in the space of sacred text

Michael V. Wogman

Institute for Asian and African studies Lomonosov Moscow State University, Moscow, Russia, [email protected]

Nataliya Yu. Kamenetskaya

Creative Union of Russian Artists, Moscow, Russia, [email protected]

Abstract. The paper makes an initial attempt to relate the gender and theological problematics in the oeuvre of contemporary women artists. Starting with the works created by women from religious (mostly Judaic) milieu, the authors then proceed by applying the principles, deduced from there, to a broader field of contemporary feminine art. Modes of the use of artistic and pictorial and conceptual means or elements referring to specific dominant religious traditions by modern women artists are interpreted as the experience of constituting a specific «feminine discourse» about the Sacred and even in the Sacral itself (understood in this case is not abstract-conceptual, but in the light of real religious discourses and practices).

In contemporary feminine art a new trend in relation to religious tradition is demonstrated. That trend overcomes gender barriers not only and not so much by criticizing the socio-cultural inequality that exists in it, but rather by actively implementing the right of a woman to be recognized as a specific subject of irreducible spiritual experience. Using the methodological scope of complex gender studies to analyze concrete social and cultural cases, the authors suggest conceptualizing feminine art its artistic discourse as a means to interpret the Sacred Texts, what was originated and necessitated by the ruling masculine symbolic discourse of these very texts.

Keywords: text, textuality, feminism, sacred, women’s art, Jewish art, vi-suality, corporeality, religion, woman’s discourse, feminist criticism, interpretation

For citation: Wogman MV., Kamenetskaya NYu. Women’s artistic discourse in the space of sacred text. RSUH/RGGU Bulletin. «History. Philology. Cultural Studies. Oriental Studies» Series. 2018;8:259-80.

Женскому дискурсу в современной культуре, как отмечается в западной исследовательской литературе последних десятилетий, присуща парадоксальная амбивалентность, ставящая его под удар идеологических противников как «справа» за радикальность, так и «слева» за реакционность [1]. Она, по-видимому, и обуславливает диалектическую смену так называемых «волн» развития, которые выделяют в истории женского движения [2]. С одной стороны, будучи во многом порождением неомарксистской в своей основе «феминистской культурной критики», женский дискурс, в том числе в искусстве и арт-критике, призван деконстру-ировать гендер как совокупность дискриминирующих практик и стереотипов [3 p. 175-177] и, соответственно, складываться из произведений, ориентированных на проблематизацию гендера и сопряженных с ним социальных иерархий. С другой стороны, в условиях сближения с социологическим искусствоведением (Social Art History) [4, 5] и развития мультикультурных обществ он конструирует и утверждает гендерное различие как источник идентичности и методологическую матрицу для обобщения индивидуального опыта, то есть рассматривает творчество женщин-художниц как специфически отражающее гендерную идентификацию автора независимо от степени и осознанности отсылок к ней [6 p. 18-19].

В постструктуралистских исследованиях эта фундаментальная амбивалентность женского дискурса могла порой коррелировать с идеей укорененности фемининного в априорно пред-означаемой (pre-signifying) и пред-субъектной, а потому ускользающей от категориальной экспликации, области — платоновской хюра (букв. внегородском пространства полей и, шире, месте для чего-либо иного, субстрате, зазоре), которая в интерпретации Юлии Кристевой стала метафорой «женственности» как концепта) [7].

Сегодня, однако, заметен определенный кризис постструктурализма и подобного применения лаканианского психоанализа в

гендерных исследованиях, связанный с протестом против неуместной онтизации до-языковой сферы [8] и, шире, против тотальности концепта «женского» как абстрактного, оторванного от индивидуальной, социальной и экономической жизни [9]. Этот поворот может быть синхронизирован с тем, что иногда называют «третьей» [10] или «третьей-или-четвертой» [11] волной феминизма, а Нэнси Фрэйзер описывает в недавней работе [3] и вовсе как «третий акт 2-й волны феминизма» [2]; не отвергая целиком и однозначно разработанных в рамках классической «2-й волны» теорий, современная гендерная дискуссия предпринимает попытку дополнить их возвращением к конкретным требованиям признания и социальной поддержки на новом уровне [3 р. 210-212]. Однако еще более органичным выглядит этот поворот в контексте гибридизации различных и разноуровневых идентичностей в условиях глобального (пост)пост-модерного мира [12]. Таким образом, можно говорить о проявляющемся сегодня переносе акцента с конституирования «женщины вообще» на бывшую периферию женского дискурса -многообразие гибридных, пограничных и инклюзивных женских идентичностей (и связанных с ними практик подавления) с их конкретным и не поддающимся обобщению опытом.

В этой исторической ситуации возникает возможность и для новой трактовки отношений между женским дискурсом и традиционными религиями. Если прежде проблематизация гендера ассоциировалась почти исключительно с общей критикой монотеистиче-

Рис. 1. Соня Делоне. Ритмы цвета Книга художника, разворот, 1966

ской религиозности как установления маскулинного (отцовского) символического порядка иерархий, то сегодня, по-видимому, на первый план все больше выходит проблема женского голоса внутри самих религиозных сообществ.

Так, в 1970-1990-е обращение художницы Сони Рапопорт (1923-2015) к сакральной и религиозной проблематике носило открыто трансгрессивный характер и целенаправленно де-сакрали-зовало конкретные образы традиционного происхождения с радикально секуляристских позиций (от использования новаторской, но аксиологически сниженной техники компьютерных игр — до сопоставления гендерной политики античной экзегезы с агрессией США на Среднем Востоке, ср. название работы «Kabbalah Kabul). Другим возможным путем гендерной рефлексии о сакральном стали во второй половине ХХ века поиски альтернативной, женской религии. Они воплощались, к примеру, в знаменитой попытке Клариссы П. Эстес сконструировать «Первозданную Женщину» (в оригинале «Wild Woman», «Дикую Женщину») в качестве еще одного архетипа бессознательного, который-де «интуитивно понятен любой женщине, независимо от того, какая культура на нее повлияла» [13]. Тем не менее по мере пересмотра понятия идентичности в антропологических и социальных исследованиях однобокое и эксклюзивное отстаивание любой из этих позиций в мысли или искусстве было переосознано. Оно рассматривалось как предательство по отношению к индивидуальным судьбам женщин, ведущих традиционную религиозную жизнь, — и, шире, как насильственное стирание различий между женщинами, которое неминуемо оборачивается воспроизведением наличного общественного и экономического неравенства, коль скоро реальный голос одних женщин, социально более маргинализованных, de facto оказывался «подшит» под голос тех, которые имели больший доступ к средствам распространения информации или могли позволить себе художественное творчество [10]. Напротив, выдвижение на первый план гибридных идентичностей дало также возможность для женского художественного высказывания изнутри, а не извне существующих религиозных традиций и дискурсов (которое, тем самым, одновременно оказывалось и субверсивным, и конструктивным по отношению к каждому отдельно взятому религиозному дискурсу).

Особая роль в этом процессе принадлежит творчеству женщин, создаваемому в мусульманской и иудейской средах. Это связано с тем, что в легалистических религиях, какими являются ислам или иудаизм, ограничивающие женщин ритуальные и легальные практики не только по-прежнему сохраняют гораздо большее практиче-

ское повседневное значение, чем в Европе или США, но и оказываются вполне совместимыми с техническим прогрессом, модернизацией и культурной вестернизацией.

В последние годы израильский исследователь Д. Шпербер (Sperber) осветил в ряде публикаций [6, 14-16 и др.] особенности творческого пути женщин-художниц, принадлежащих к современной еврейской ортодоксии (Modern Orthodox Judaism) — кругу направлений в современной религиозной жизни Израиля и, отчасти, США, сочетающих ориентацию на принятие современной культурной жизни западного образца с сохранением строгости соблюдения канонического права. Женщины в этой среде, с одной стороны, имеют (как минимум, теоретически) доступ к экономическим, интеллектуальным и социальным ресурсам для участия в современном художественном процессе — но, с другой, ежедневно сталкиваются с патриархальным по своей природе легальным и ритуальным строем еврейской религии [6 p. 17, 19-20]. Эти женщины-художницы идентифицируют себя с иудаизмом и еврейством, однако борются за обретение собственного творческого голоса, который позволял бы им художественно высказываться как женщинам. Как потребность в этом акте высказывания, так и неотъемлемый от него акционистский, протестный характер дополнительно провоцируются традиционными ограничениями на визуальное творчество как таковое в истории иудаизма (и ислама), где изобразительное искусство веками было почти полностью подшито под текстуальные и ритуальные (то есть априори мужские и сакральные) нужды [16]. Развивая мысль Д. Шпербера, отметим, что акт художественного высказывания женщины даже сам по себе может в рамках этой культуры восприниматься как вторжение женского в предельно эксклюзивную для мужчин сакральную и теологическую сферу толкования Текста. Напротив, положение женщины в дискурсе этих религиозных культур традиционно связано с реификацией, объективацией, запретом на зримость — и уж тем более на зрение; так, в известном хадисе Мухаммад присаживается на бедро жены, чтобы проверить, от Аллаха ли посланное ему мистическое видение («доказательством», конечно, выступает исчезновение видения при его физическом контакте с женщиной). Женщина здесь соотносится с сакральным и свидетельствует о нем исключительно апофатически, «от противного». Эти проблемы были, в частности, подняты и освещены выставкой «Матронита» (арам. «Господарыня»), прошедшей при участии Д. Шпербера и Д. Лисс как кураторов в 2012 г. в Музее современного искусства Эйн-Харод (Израиль) [17].

Анализируя визуальную и (пара)визуальную репрезентацию женского тела (в т. ч. мотивов наготы, телесности, сексуальности) в творчестве женщин-художниц, активно идентифицирующих себя одновременно и как женщин, и как религиозных евреек, Шпербер показывает, как им удается создать особый (суб)дискурс, который соответствовал бы одновременно как феминистским идеалам суб-версивности и борьбы за эмансипацию, так и канонически-легальным нормам мужского религиозного сообщества или сообществ, к которым они принадлежат (и которым они осознанно соответствуют, несмотря на достаточно радикальный критический заряд) [6 р. 21]. Похожую, хоть и более сложную, ситуацию отмечали в связи с современным женским искусством в рамках исламской культуры [18] и, отчасти, постмодернистскими женскими интерпретациями традиционных католических мотивов [19].

Тем не менее нельзя не заметить, что, будучи созданы изнутри маскулинной по своему происхождению текстуальной сакральной традиции, с активным использованием ее художественных и концептуально-речевых средств, и все же не направленные однозначно на их полную де-сакрализацию, но напротив, лишь на конкретную тактическую задачу — проблематизацию места женщины по отношению к самим этим средствам, работы такого рода обладают высоким эвристическим потенциалом не только с точки зрения собственно гендерного дискурса в узком смысле (феминистской культурной критики) — но и, парадоксальным образом, с точки зрения самого религиозного дискурса, на субверсию которого они направлены! Таким образом, творчество оказывается для женщин-художниц с гибридной (религиозной) идентичностью тем главным местом, где они могут заявить о себе как о неучтенной части (формально общей с мужчинами) духовной и культурной идентичности. Их работы не только ставят под вопрос те или иные религиозные ограничения, но и становятся полноценными женскими высказываниями о (закрытой для них социально) сакральной сфере, то есть, как раз и осуществляют обретение собственного женского голоса в качестве особого, изначально осмысленного господствующим маскулинным дискурсом, ракурса на святое и священное — ракурса, критически воспроизводящего (и тем, однако, преодолевающего) навязанную женщине позицию апофатического свидетеля зримости (то есть, того, кто может быть только увиден, но никак не видеть сам или транслировать свое видение вовне) [20].

В данной статье мы предпринимаем попытку поставить проблему такого «особого ракурса» как новой перспективы развития темы «женщина и сакральное» в искусстве и культуре. Представляется,

что частный иудейский опыт, описанный Д. Шпербером (и описанный им в первую очередь с точки зрения проблем телесности), может в этом смысле стать основой для разработки новых подходов к трактовке женского искусства вообще — то есть выработке языка для гендерной проблематизации не «сакрального вообще», как это делает Ю. Кристева [7, 8], и не «религии вообще» (и даже не религии в частности), а индивидуального женского художественного опыта в сфере сакрального.

Ставя вопрос о такой перспективе, мы взяли за основу визуального художественного исследования сопоставление характерных приемов и мотивов, которыми эти женщины-художницы утверждают (и впервые порождают на внутреннем языке своей общей с мужчинами культурной идентичности) свое женское право на художественное слово о сакральном — и отдельных работ, созданных в европейской среде современными женскими авторами, никак не связанными с реальной религиозной традицией. В отличие от Д. Шпербера, мы постараемся сделать акцент на роль Текста, а не тела в этом художественном слове, и рассмотрим, как преломляется в из работах проблема «текстуальность юз визуальность», а также связанные с ней мотивы «отчуждения взгляда» и «одежды/бесплотности», за каждой из которых стоит проблематика, актуальная для самопозиционирования по отношению к (мужскому) сакральному как религиозных, так и светских женщин художниц во всем мире. В итоге мы надеемся заложить пробный камень в разработку языка приемов и мотивов для описания «женского дискурса в пространстве сакрального» как эвристически существенного артистического, философского и даже богословского феномена.

Текст — как текст сакральный и прескриптивный — играет огромную роль для формирования и самосознания религий, возникших в «Осевое время», в особенности — религий библейских. В философии и культуре 2-й половины ХХ в., особенно пост-модернистской, в том числе под влиянием иудаизма, текстуальность стала одной из центральных тем; противопоставляя открытую интерпретации букву Текста, способную продолжиться за пределы отдельной книги, как инстанцию субъектности — тотальность голоса/Логоса, устанавливающего единый символический порядок, Ж. Лакан, Ж. Деррида, Э. Левинас и другие видели в текстуальности ключ к Различию и построению нравственного сообщества [21 р. 47-57].

Тем не менее в феминистской перспективе «третьего акта 2-й волны» конкретный сакральный Текст (например, Тора или Коран), дарованный Б-гом человечеству и оккупированный мужской частью сообщества (в том числе, образовательно), оказывается ин-

струментом порабощения. Благословляемое Ж. Деррида преодоление «текстуальностью» границ отдельной книги оборачивается, тем самым, случаем насилия, когда прескриптивная, ограничивающая женщин дискурсивная практика как бы «колонизирует» белые поля книги, расчерчивает пред-означаемую Хору знаками [1].

Критика еврейской текстуальности как дискриминационной практики играет заметную роль в творчестве израильских религиозных женщин-художниц, представленных на выставке «Матро-нита». Так, Рут Кестенбаум бен-Дов создала цикл «Тело и Текст», состоящий из диптихов, похожих на развороты книги, где на одной странице напечатан фрагмент еврейской сакральной словесности (например, запрещающий мужчине, занимающемуся «Учением», отвлекаться на красоту природы (Мишна Авот, 3:2)1, а на другой расположен визуальный объект природного происхождения (например, в работе «Читая деревья» рассыпающийся осенний лист). Сталкивая телесное/визуальное с запрещающим его текстом, художница «подвешивает» заданное последним иерархическое неравенство, превращая цитату в такой же визуальный объект (а сухой лист — в объект иллюзорного чтения).

Такое концептуальное решение актуализует проблемы традиционного отношения к материальности и ее ценности. Оно напоминает, что в мире доминирующего сакрального Текста женщина (до недавнего времени зачастую от текстуальности социально отчужденная по предписанию этого самого Текста), должна либо сама отождествиться со знаком (полностью редуцировать себя к навязанному значению), либо быть ассоциированной с исключенным из сферы значимого-прочитываемого (читай «запретным») визуальным образом. Бинокулярный взгляд «читателя» этой книги, который автор делегирует зрителю, совмещает и переключает между собой «визуальный» и «текстуальный» планы, задавая материальному образу выводимое из текста значение, а тексту — эстетическую зримость.

Зритель-мужчина оказывается, тем самым, перформативно пойман в ловушку: он должен либо (формально) нарушить предписание текста (т. е. испытать эстетическое удовольствие от телесного образа одновременно с чтением запрещающего это текста), либо признать существование и легитимность принципиально другого, парадоксального взгляда женщины, для которого это сочетание не запрещено (в силу той же маскулинной природы иудаист-

1 Ссылки на текст трактата Авот («[Поучения] Отцов») в составе Мишны («Учебы», классического иудейского памятника III в.), даются в традиционной (глава: параграф) пагинации по изданию [22].

ского легального дискурса). При этом, отсылая к формату книги и воспроизводя традиционную талмудическую форму организации информации («дискуссию», соположение высказываний двух противоположных точек зрения), женщина-художница de facto успешно включает визуальный природный объект в его материальной ущербности (например, рассыпающийся осенний лист) в жанровые, если не текстуальные, рамки Учения, предъявляет его смысловую и материальную неполноценность — как полноценное и значимое высказывание о сакральном.

Сходным образом применяет этот мотив, например, американская художница Хелена Айлон (Helene Aylon, р. 1931), развивающая собственную феминистскую концепцию иудаизма. Например, в ряде медиа-работ из серии «Автопортреты» (2005-2007) она проецирует на себя изображения библейских текстов. Здесь ее собственное тело пожилой женщины в традиционной «скромной» религиозной одежде белого (т. е. праздничного) цвета выступает тем «полем», на котором в ярком белом свете (источник которого зрителю невидим) отпечатываются сакральные знаки. Акцент в этих работах перенесен с читаемости текста на игру света и, главное, антитезу «поверхность/глубина» (буквы, в отличие от их живого фона, лишены любой материальности и вычерчивают объемное тело лишь плоскостно — зато, совпадая с ним по контуру, вырывают его из белого фона, то есть, задают не только как плоское изображение, но и как самостоятельную, отличную от фона, фигуру). В итоге эта диалектика объема/фона/плоскости и света/белизны/ тени приводит к постановке вопроса о соотношении телесного образа художницы/героини — и мистического света, на фоне которого проступают сакральные письмена (так как именно невидимый источник света должен, при внимательном изучении композиции, обнаружить потенцию совпасть по контуру с женской фигурой). Женщина в ее двунаправленной связи с Текстом, таким образом, изображается не «другим мужчиной», а настоящим Другим («все могущество которого — по выражению Левинаса — в бытии другим» [23 с. 92-93]): двойником неизвестного, пред-дискурсивного, превосходящего Текст начала (что, по-видимому, представляет собой специфический опыт истолкования библейского стиха «Сказал Бог: »Сотворим-ка человека Нашим образом2 — как Наше подо-

2 Возможно, на художественную интерпретацию текста в работе Х. Айлон также повлияло языковое соответствие древнееврейского слова «образ» (§е1еш) и образованного от того же корня современного ивритского слова «фотография» (§11иш).

бие!». Сотворил Бог человека /…/ мужским и женским Он сотворил их» (Быт. 1:26-27))3.

Между тем аналогичный метод анализа, артикулирующий приемы критики текстуальности и (де)конструкции оппозиции «Текст У8 Тело» как акты женского артистического высказывания о сакральном, может быть успешно применен и к произведениям современного женского искусства, не имеющим прямого отношения к еврейской религиозности. Та же проблематизация оппозиций знака/образа, читаемости/зримости, плоскости/объема, фона/текста позволяют теологически трактовать гендерную проблематику в творчестве многих женщин-художниц, затрагивающих тематику духовного опыта в современном мире. Так, художница круга московских концептуалистов Ирина Нахова предлагает концепцию медиа-произведения, где бы медленно высвечивались, символизируя процесс рассматривания, произвольные фрагменты библейских и других старопечатных священных книг, тем самым исследуя Текст как объект эстетического созерцания:

Это очень медленное рассматривание. священных книг на «мертвых» (для современных зрителей) языках… Он/она рассматривают тексты как чисто визуальные, как картины. То есть лишают их смысла понятийного, но награждают их смыслом визуальным. Взгляд произвольно, в разных направлениях ползает по поверхности, либо перескакивает с одного кусочка на другой, задерживается на отдельных буквах, шероховатостях бумаги, колонцифрах, но не читает сам текст. Только рассматриваемые кусочки находятся в фокусе «взгляда», весь остальной текст расфокусирован. Я представляю инсталляцию проекта как большие проекции, размером в высоту помещения, которые состоят из «»взглядов» на западные и восточные священные тексты [25].

Ведущей темой творчества московской художницы из российской концептуальной среды Марии Овчинниковой является образ яйца как смысловой и визуальной модели-основы вербального дискурса. С начала 1990-х автор выставляет объекты-скульптуры в форме декоративных яиц разных размеров [26, 27], иногда покрытые наборами символов (в т. ч., в некоторых работах, библейским текстом на иврите). В концепции художницы яйца-объекты, хоть и выражают отчасти критику инструментализации женского творче-

3 Библейский текст приводится в авторском подстрочнике с древнееврейского языка по изданию [24], ссылка оформлена в традиционной (глава: стих) пагинации.

ства, осуществляемой в том числе в форме обычая красить яйца на Пасху, одновременно неким образом трактуются как «окна в трансцендентное», первоисточники (и как бы «пред-источники») жизни. Характерно, что это «окно» оказывается замкнуто и непрозрачно -его содержание лежит за пределами языковых практик. А сакральный Текст — презентированный, тем самым как лишь один из возможных способов декорирования — поверхностно «об-писывает» абсолютную непроницаемость объема, но бессилен что-либо сообщить о самом главном, о скрытой (или отсутствующей) внутри будущей жизни.

Отчуждение смысла текста и противопоставление ем у глубины материала — один из лейтмотивов выставки израильской светской художницы Михаль Ровнер «Смещения», прошедшей в Мультимедиа Арт Музее в Москве в 2015 г. [28]. Здесь текстуальность представлена исключительно со своей визуальной стороны — в виде строчек, выбитых на черных базальтовых камнях, иногда представляющих собой, а иногда лишь навязчиво напоминающих древние стелы с неизвестной письменностью. Поверх древних камней — сакральных Текстов или псевдо-тек-стов — проецируется движущееся изображение, порождающее у зрителя впечатление процесса образования трещин и другие деформации неподвижного текста-фона. В контексте обсужденных выше работ это может прочитываться как еще один опыт феминистской диалектики бесплотного взгляда и претендующего на незыблемость древнего патриархального порядка Текста. Характерно, что в интерпретации женщины-художницы проецируемые, т. е. фантомные с точки зрения онтологии, изображения становятся источником глубинных, материальных «смещений» Текста и (одна из работ называется «Трещины времени») его исторической деконструкции.

Безусловно, приведенные работы отличает от созданных в религиозной среде меньший радикализм критики — и меньшее внимание к понимаемости конкретного использованного Текста (скорее мы видим, что Текст рассматривается как принципиально непонятный и нуждающийся в «женском» визуальном, а не «мужском» текстуальном, пере-прочтении). Тем не менее, мы также можем констатировать и определенную общность как направлений постановки концептуальной проблемы «женское — сакральное» по оси «текстуальное У8 визуальное» и «первичное У8 вторичное», которые реализуют теоретические построения эпохи «2-й волны феминизма» в конкретные акты женского прорыва в пространство Сакрального Текста.

Рис. 2. Ирина Нахова Буква закона Видеопроекция. 2018

В качестве еще одного, и без того известного, приема, который приобретает новую актуальность в контексте женской критики дискурса о сакральном, можно выделить отчуждение взгляда и другие формы деконструкции зрения как задающего логический порядок отношений «субъект — объект». Так, если мы снова обратимся к традиционной среде ислама и иудаизма, то обнаружим, что женщина в ней подвергалась как бы двойному визуальному отчуждению. Запрет на бытие видимой мужчинами (например, во время многих религиозных ритуалов) de facto в той или иной степени изгонял женщину не только из самого ритуала, но и из возможности быть субъектом.

Эта проблема напрямую поднята в ряде видеоинсталляций секулярной израильской художницы Яэль Бартана. В частности, в работе «Так чтоб не знал…» («Ад де-ло яда») невидимый автор (позиция которого совпадает с позицией зрителя) «подглядывает» за подготовкой к иудейской карнавальной церемонии в праздник Пурим сквозь щелку в двери. По-видимому, подразумевается, что это может быть взгляд девочки из религиозной среды, так как все мужчиы одеты в черные ультра-ортодоксальные наряды. Узость

Рис. 3. Михаль Ровнер. Трещины времени Видеоинсталяция. 2009

кругозора создает эффект отчужденности, при котором ни одно из действий, происходящих «там», не видно целиком, и не только не похоже на веселый карнавал, но приобретает характер неприятно бессмысленных, абсурдных и подчеркнуто эмоционально «пустых» перемещений и шумов. Это подглядывание, которое не приносит удовольствия, так как лишает созерцаемые обрывки сакральных действий заложенного в них участниками значения. Тем не менее заглавие работы переворачивает происходящую деконструкцию ритуала. Оно представляет собой цитату из талмудического предписания относительно карнавала в праздник Пурим, согласно которому мужчине надлежит напиться до такого состояния, «чтобы не знал [где «благословен Мордехай (положительный герой праздника)», а где «проклят Аман»], т. е. до полной утери означающим означаемого (Вавилонский Талмуд, трактат Мегилла, 17б)4. Между тем именно в этом положении — неразличения означаемых — в силу самой же дискриминированности женщин оказывается автор/зритель! Тем самым, исследуется параллель между исключенностью из церемонии женщины как субъекта — и предписанным церемонией выход за пределы субъектности; запрещенное женское видение как бы приравнивается к исполнению предписания, причем не только наравне с мужчинами, но и априори, раньше них.

4 Ссылки на текст Талмуда приводятся в традиционной (трактат, лист-сторона) пагинации по изданию [30].

Критика узурпации мужчинами текстуальных практик напрямую смыкается с репрезентацией «иного» взгляда в работах аме-риканско-израильской художницы Хадассы Голдвич, регулярно обращающейся к связи текста и иерархии [29]. Например, ее двухминутная видеолента «Урок письма #1» (Lesson of Writing #1, 2005) изображает героиню слизывающей со снятого извне стекла написанные медом буквы еврейского алфавита. Согласно древнему обычаю, распространенному среди многих средиземноморских религий, в том числе византийском православии и ряде направлений иудаизма, со слизывания медовых букв начинается обучение ребенка Тексту. Тем самым инициация в мир книжности («мед Торы») ритуально фиксируется через вкусовой образ сладости. Однако еврейским девочкам, на которых не лежит заповеди учить Тору, в этой сладости отказано. Сняв себя в этом двухминутном ролике, Хадасса Голдвич как бы создает альтернативную «женскую» инициацию в еврейское знание. Тем не менее камера размещена по другую, «внутреннюю» сторону этой преграды. Таким образом, Хадасса Голдвич вводит в эту «альтернативную» инициацию дополнительного персонажа, одновременно полностью отделенного от героини, и расположенного в позиции невольного «адресата» слизывания как визуального, телесного (возможно даже эротического) действия. Однако чей это взгляд делегируется зрителю? Кто смотрит на героиню как бы «с той стороны Текста»? Этот открытый вопрос превращает за-оконное пространство в аналог все той же Хоры, про которую невозможно сказать ничего определенного. Однако в этом зазоре значения расположен именно адресат и источник видимости, который, тем самым, может быть отождествлен как с женским (взгляд автора/зрителя, находящийся вне мира действия, так и с Абсолютом, к которому стремится героиня в своем действии, но не может преодолеть линии стекла. Таким образом, традиционные мотивы «мутного стекла», текстуальности, сладости и абсолютной трансцендентности божества в совокупности работают на новое, принципиально бинарное (включающее в себя два несводимых взгляда) и сугубо женское (причем как в отношении предъявленного, но плохо различимого за стеклом реального тела героини, так и в отношении невидимого Другого, расположенного в точке камеры).

Собственно, бинокулярность как попытку удерживать два разбегающихся и стремящихся подчинить друг друга онтологических уровня (телесного и текстуального) мы уже обсуждали и в связи с работами Рут Кестенбаум бен-Дов в плоскостном измерении (разворот книги). Тем не менее абсолютно аналогичный прием, только в технике интерактивной инсталляции, регулярно использует,

например, известная европейская медиахудожница Александра Дементьева. Так, ее работа 2018 г. «Нераспознанное видение» анализирует противостояние образов, видимых каждым из двух глаз:

В обычной жизни мозг синтезирует из двух этих образов цельную картину; однако если предоставить каждому из глаз отличающиеся визуальные впечатления, два изображения начнут бороться между собой за доминирование, так что один гештальт будет подавляться другим [31].

Таким образом, несмотря на различие в техниках исполнения, мотив несводимой двойственности как специфики отмысленного мужским сообществом женского взгляда — регулярный прием художественного исследования женщинами художницами фемининных перспектив на сакральное.

Еще одной оборотной стороной мотивов запрещенного и отчужденного зрения иногда выступает в работах женщин-художниц также мотив невидимости или визуальной неразличимости, который заслуживает отдельного исследования. Использование этого мотива тоже по-своему обыгрывает предписанный маскулинными религиозными нормами парадокс сведения женщины к объекту взгляда с одной стороны, и запрета на ее собственный взгляд. С этой точки зрения могут быть проанализированы, с одной стороны, почти все рассмотренные выше работы: все они так или иначе предполагают отождествление или соположение «женского» с невидимым источником света или зрения в визуальном произведении. С другой стороны, этот мотив выступает на первый план в другом типе работ израильских религиозных женщин-художниц. Так, арт-объекты Энди Арновиц «Платье соломенной вдовы» (2010) или «Ходи путями добра» (1999) Нехамы Голан, также экспонировавшиеся в рамках проекта «Матронита», репрезентируют навязанную мужским сообществом норму в виде объектов, имеющих форму женской одежды (туфля; платье), но изготовленных из теологически дискриминирующих женщину текстов (трактата Талмуда о законах брака) или социально подавляющих ее документов (ксерокопий брачных контрактов «соломенных вдов»). С третьей стороны, с еще одним неожиданным способом исследования женской (не) видимости в гендерно-исторической и теологической перспективе мы сталкиваемся, в частности, в многолетнем проекте светской израильской художницы Михаль Гейман (Heiman) «Убежище» (Asylum), который составляют в значительной степени инсценированные фотографии женщин (включая автора) в аутентичной робе обитательницы реального приюта для умалишенных жен-

Рис. 4. Михаль Гейман Убежище (Платье. 1855-2017) Фотография, цветной С-принт

щин в викторианской Британии; многократно повторяя однотипность обезличивающих одежд и фотографий из приюта, Михаль Гейман как бы пытается отнять обратно право быть видящим -и тем пытается восстановить Различие, подавленное в историческом прошлом. Художница рассматривает свое взаимодействие с викторианским приютом как своего рода историю переселения душ, в которой между героинями исторических и постановочных фотографий устанавливается парадоксальная связь, позволяющая исправлять прошлое.

Все эти многообразные примеры использования антитезы «телесность/невидимость» в современном женском искусстве образуют связную систему концептуальных высказываний, которые не только критикуют мужские практики и нормы зрения, но и отсы-

лают к производству некоего незримого за символическим порядком, но в то же время где-то имеющего место женского тела. Таким образом, это еще одна ось, по которой можно анализировать работы женщин-художниц как из религиозной, так и из светской среды в качестве артистических высказываний о сакральном.

Подводя итоги, можно сказать, что мы наблюдаем в сегодняшнем женском искусстве новые феномены, связанные с поиском (в том числе, в традиционных религиозных культурах) новых философских оснований для конструирования не абстрактной женственности, а индивидуальной телесности автора (или, в случае работы с отчуждением взгляда, авторской позиции в пространстве). Эта новая телесность пародирует социально-навязанный запрет на собственную зримость и, в результате, десексуализируется и изымается из экономики мужского вуайеризма [6 p. 31-32]. Женский опыт художественного переосмысления собственного тела в свете трансцеден-тального опыта балансирует между презентуемостью и непрезентуе-мостью, словом и образом, существованием и несуществованием — и, в своей несводимой амбивалентности, обнаруживает определенные корреляции с мистическими учениями об апофатической «телесности» Божества, аллегорически воплощенной в религиозном сообществе с одной стороны, и в сакральном тексте — с другой [32].

Анализ произведений женщин-художниц как сферы реализации их индивидуального культурно-религиозного опыта альтернативного исследования и художественного присвоения пространства сакрального маскулинных религиозных сообществ может быть, на наш взгляд, ретроспективно распространен и в прошлое. Можно сказать, что описанный выше проект М. Гейман «Убежище» в каком-то смысле перформирует и артикулирует именно этот аспект переосмысления женского прошлого как одной из задач современного феминистского искусства. Хорошей иллюстрацией к данному тезису могла бы послужить, например, livred’artiste Сони Делоне «Rhytmes et Couleurs» («Ритмы и Цвета», 1966) [33]. Книга построена как бинокулярный, на разворот страницы, «диалог» абстрактных композиций, близких к кубизму, — и «мужского» (выполненного Ж. Дамазом) графически неоднородного печатного текста условных «комментариев» к ним. Дуэт мужчины и женщины в творчестве был распространен в эпоху авангарда и мог бы показаться не столь существенным для истории гендерного дискурса в искусстве, поскольку Соня Делоне редко затрагивает проблему положения женщины напрямую. Тем не менее рассмотрев эту работу в контексте выявленных нами выше приемов и практик производства специфически фемининного высказывания о сакральном, мы

без труда увидим в ней аналогичную проблематизацию текстуальности как мужской инстанции в ее диалоге с визуальностью как инстанцией женской. Бинарный характер работы с одной стороны, и игровая смена ролей между текстовым и зрительным (прежде всего, тексты Дамаза как бы безуспешно пытаются пере-сказать абстрактные композиции Делоне, а также отчасти графически попадают под влияние их ритмической структуры), тоже имеет, по-видимому, смысл включать в исследование поля «женщина — сакральное», несмотря на отличия в историческом и философском бэкграунде.

Таким образом, благодаря складывающемуся на наших глазах дискурсу женщин-художниц, направленному на заявление о фемининных перспективах метафизических оснований бытия-женщи-ной в рамках de jure мужских богословских и правовых сообществ, становится возможной эмансипация женского взгляда на сакральное не только как проект будущего, но и как новый ключ к пониманию прошлого. Мы рассчитываем, что наши наблюдения в рамках данного исследования могут лечь в основу дальнейшей разработки и осмысления этой проблематики.

Литература

1. Брандт Г.А. Современный феминизм: Переворот в историко-философский антропологической традиции Западной Европы // Адам и Ева. Альманах тендерной истории. М.: Институт всеобщей истории РАН, 2003. С. 48-98.

2. Варнке Дж. Феминизм, Франкфуртская школа и Нэнси Фрэзер // Гефтер [Электронный ресурс]. 2013. 11 сент. URL: http://gefter.ru/archive/9888 (дата обращения 02 июля 2018).

3. Frazer N. Fortunes of Feminism. From Women’s Liberation to Identity Politics to Anti-Capitalism. Verso, 2013. 224 p.

4. Soussloff C.M. The New Jewish Visual Studies: A Historiographical Review // Images. 2010. № 3. P. 102-118.

5. Сафонова В.А. Социальная история искусства: К становлению метода // Известия Российского государственного педагогического университета имени А.И. Герцена. 2012. № 150. С. 89-93.

6. SperberD. Body and Sexuality in the Work of Modern Orthodox Women Artists in Israel // Journal of Culture and Religion. 2015. № 1-2. P. 17-39.

7. Васильева Е. Феномен женского и фигура сакрального // Теория моды: одежда, тело, культура. [Электронный ресурс]. 2016. № (4) 42. С. 160-189. URL: https://www.nlobooks.ru/magazines/teoriya_mody/42_tm_4_2016/ article/12147/?sphrase_id=1080] (дата обращения 02 июля 2016).

8. Маргарони М. «Утраченное основание»: Семиотическая хора Кристевой и ее двусмысленное наследие // ХОРА. 2008. № 3. С. 79-88.

9. Butler J. Gender Trouble: Feminism and the Subversion of Identity. New York; London: Routledge, 1990. 71 p.

10. Gillis S, Munford R. Harvesting our Strengths: Third Wave Feminism and? Women’s Studies // Journal of International Women Studies. 2003. Vol. 4. № 2. P. 1-6.

11. Феминистское искусство и гендерный принцип в современном искусстве: Дискуссия [Электронный ресурс]. URL: https://www.svoboda.org/a/24413066. html (дата обращения 02 июля 2018).

12. Jacobs J.M. Edge of Empire: Postcolonialism and the City. London, 1996. P. 22-38.

13. Эстес П.К. Бегущая с волками [Электронный ресурс]. URL: http://www.nlp12. ru/83/161/ (дата обращения 02 июля 2018).

14. Sperber D. Notes on an Exhibition: ‘New York/New Work: Contemporary Jewish Art from NYC’ // Images. 2017. 10 (1). P. 106-108.

15. SperberD. The Vagina and De Facto Feminism // Journal of Middle East Women’s Studies. 2017. 13(1). P. 143-153.

16. Sperber D. Institutional Critique in Contemporary Jewish Feminist Art // Halp-erin-Kaddari R. (ed.). Mamzerim: The Misbegotten. Jerusalem, Bar Ilan, 2017. P. 149-153.

17. Liss D., Sperber D. Matronita: Jewish Feminist Art. http://www.old.kolech.org.il/ maamar/matronitajewish-feminist-art/ (дата обращения 02 июля 2018).

18. Ankori G. Re-Visioning Faith: Christian and Muslim Allusions in Contemporary Palestinian Art // Third Text. 2006. 20. P. 379-390.

19. Heartney E. Postmodern Heretics: The Catholic Imagination in Contemporary Art. New York, 2004. 191 p.

20. Hartman T. Feminism Encounters Traditional Judaism: Resistance and Accommodation. Waltham, 2007. 162 p.

21. Гройс Б. О Новом: опыт экономики культуры. М., 2015. 240 с.

22. Мишна. Трактат Авот (Пиркей Авот). [Электронный ресурс] URL: https:// www.sefaria.org/Pirkei_Avot.1?lang=he (дата обращения 01 июня 2018).

23. Левинас Э. Время и Другой. Гуманизм другого человека. Санкт-Петербург, 1998. 265 с.

24. Kahle P., Kittel R., ElligerK., Rudolf W. (eds.) Biblia Hebraica Stuttgartensia. Stuttgart, 1997. 1574 p.

25. Нахова И. Концепция проекта (из личной переписки, 2018).

26. Боде М. Выставка в галерее «L» [Электронный ресурс]. URL: https://www. kommersant.ru/doc/77945 (дата обращения: 02 июля 2018).

27. АРТикуляция № 86 с Дмитрием Барабановым [Электронный ресурс]. URL: http://artinfo.ru/ru/news/main/ARTiKULYACIA-86.htm (дата обращения 02 июля 2018).

28. Михаль Ровнер. Смещения [Электронный ресурс]. URL: http://www.museum. ru/N59200 (дата обращения 03 июня 2018).

29. Хадасса Голдвичт. Личный сайт художника [Электронный ресурс]. URL: http://www.hadassagoldvicht.com/about.html (дата обращения 03 июня 2018).

30. Вавилонский Талмуд. Оглавление [Электронный ресурс]. URL: https://www. sefaria.org/texts/Talmud (дата обращения 01 июня 2018).

31. Дементьева А. Концепция работы (из личной переписки, 2017).

32. Wolfson E.R. The Body in the Text: A Kabbalistic Theory of Embodiment // Jewish Quaterly Review. 2005. Vol. 95. № 3. P. 479-500.

33. Delaunay S., Damase J. Rythmes — Couleurs. Paris, 1966.

Женский художественный дискурс… References

1. Brandt GA. Contemporary feminism: a revolution in the historic-philosphic tradition of East-European antropology. Adam i Eva. Al’manakh gendernoi istorii. Moscow: Institut vseobshchei istorii RAN Publ.; 2003. P. 48-98. (In Russ.)

2. Warnke G. Feminism, the Frankfurt School, and Nancy Fraser. Gefter [Internet]. 11.09.2013. URL: http://gefter.ru/archive/9888 (data obrashcheniya 02 June 2018). (In Russ.)

3. Frazer N. Fortunes of Feminism. From Women’s Liberation to Identity Politics to Anti-Capitalism. Verso, 2013. 224 p.

4. Soussloff C.M. The New Jewish Visual Studies: A Historiographical Review. Images. 2010;3:102-18.

5. Safonova VA. Social History of Art: To the Establishment of the Method. (так в журн!) Izvestia: Herzen University Journal of Humanities & Science. 2012;150:89-93. (In Russ.)

6. SperberD. Body and Sexuality in the Work of Modern Orthodox Women Artists in Israel // Journal of Culture and Religion. 2015;1-2:17-39.

7. Vasil’eva E. The Phaenomenon of the Feminine and the Figure of the Sacred . Teori-ya mody: odezhda, telo, kul’tura [Internet]. 2016;(4) 42:160-89. URL: https://www. nlobooks.ru/magazines/teoriya_mody/42_tm_4_2016/article/12147/?sphrase_ id=1080] (data obrashcheniya 02 June 2018). (In Russ.)

8. Margaroni M. «Lost Foundation»: Kristeva’s Semiotic Khora and her ambiguous heritage. KhORA. 2008;3:79-88. (In Russ.)

9. Butler J. Gender Trouble: Feminism and the Subversion of Identity. New York; London: Routledge, 1990. 71 p.

10. Gillis S., Munford R. Harvesting our Strengths: Third Wave Feminism and? Women’s Studies. Journal of International Women Studies. 2003;4(2).

11. Feminist Art and the Gender Principle in Contemporary Art: Discussion. [Internet]. URL: https://www.svoboda.org/a/24413066.html (data obrashcheniya 02 June 2018).

12. Jacobs J.M. Edge of Empire: Postcolonialism and the City. London, 1996.

13. Estés PC. Women who Run with the Wolves: Myths and Stories of the Wild Woman Archetype [Internet]. URL: http://www.nlp12.ru/83/161/ (data obrashcheniya 02 June 2018).

14. Sperber D. Notes on an Exhibition: ‘New York/New Work: Contemporary Jewish Art from NYC’. Images. 2017;10 (1):106-108.

15. Sperber D. The Vagina and De Facto Feminism. Journal of Middle East Women’s Studies. 2017;13(1):143-53.

16. Sperber D. Institutional Critique in Contemporary Jewish Feminist Art. Halper-in-Kaddari R. (ed.). Mamzerim: The Misbegotten. Jerusalem, Bar Ilan, 2017. P. 149-153.

17. Liss D., Sperber D. Matronita: Jewish Feminist Art [Internet]. URL: http://www. old.kolech.org.il/maamar/matronitajewish-feminist-art/ (data obrashcheniya 02 June 2018).

18. Ankori G. Re-Visioning Faith: Christian and Muslim Allusions in Contemporary Palestinian Art. Third Text. 2006;20:379-90.

19. Heartney E. Postmodern Heretics: The Catholic Imagination in Contemporary Art. New York, 2004.

20. Hartman T. Feminism Encounters Traditional Judaism: Resistance and Accommodation. Waltham, 2007.

21. Groys B. On the New: an Essay on Cultural Economics. Moscow, 2015.

22. The Mishnah. The Tractate Avot (Pirkei Avot) [Internet]. URL: https://www.se-faria.org/Pirkei_Avot.1?lang=he

23. Levinas E. The Time and the Other. Saint-Petersburg, 1998.

24. Kahle P., Kittel R., Elliger K., Rudolf W. (eds.) Biblia Hebraica Stuttgartensia. Stuttgart, 1997.

25. Nakhova I. Project conception (personal correspondence of the authors).

26. Bode M. An exhibition at the «L’ Gallery. [Internet]. URL: URL: https://www. kommersant.ru/doc/77945 (data obrashcheniya 02 June 2018).

27. Barabanov D. ARTiculation № 86 [Internet]. URL: http://artinfo.ru/ru/news/ main/ARTiKULYACIA-86.htm (data obrashcheniya 02 June 2018).

28. Michal Rovner. The displacements [Internet]. URL: http://www.museum.ru/ N59200 (data obrashcheniya 02 June 2018).

29. Hadassah Goldvicht. Artist’s personal website [Internet]. URL: http://www.hadas-sagoldvicht.com/about.html (дата обращения 03 июня 2018).

30. Babylonian Talmud. Content [Internet]. URL: https://www.sefaria.org/texts/Tal-mud (data obrashcheniya 01 June 2018).

31. Dementieva A. Project conception (personal correspondence of the authors).

32. Wolfson ER. The Body in the Text: A Kabbalistic Theory of Embodiment. Jewish Quaterly Review. 2005;3:479-500.

33. Delaunay S., Damase J. Rythmes et Couleurs. Paris, 1966.

Информация об авторах

Михаил В. Вогман, Институт стран Азии и Африки МГУ им. М.В. Ломоносова, Москва, Россия; 125009, Россия, Москва, Моховая ул., д. 11, стр. 1; [email protected]

Наталия Ю. Каменецкая, Творческий союз художников России, Москва, Россия; 119017, Россия, Москва, Лаврушинский пер., д. 15, стр. 1; [email protected]

Information about the authors

Michael W. Wogman, Institute for Asian and African studies Lomonosov

Moscow State University, Moscow, Russia; bldg. 1, bld. 11, Mokhovaya

street, Moscow, Russia, 125009; [email protected]

Nataliya Yu. Kamenetskaya, Creative Union of Russian artists, Moscow,

Russia; bldg. 1, bld. 15, Lavrushinskii pereulok, Moscow, Russia; 119017;

[email protected]

Михал Ровнер, Into the Night

МИХАЛ РОВНЕР В НЬЮ-ЙОРКЕ, СЕНТЯБРЬ 2016. ФОТО: КРИСТИАН ХЁГСТЕДТ.

В своей родной стране, Израиле, Михал Ровнер живет на ферме, которую преследует вой шакалов. Несмотря на то, что она создала волнующие работы об истории и утратах, часто изображая массовую миграцию неидентифицируемых людей (движущихся в неизвестном направлении или собравшихся для культурного исследования в чашке Петри), шакалы остались присутствовать — их фирменный призыв разносился через ее окна ночью, вечером.

За последний год она к ним присоединилась; в поле возле своего дома она часами фотографировала и снимала диких собак, прежде чем обнажить их в образах: темные силуэты, светящиеся глаза, жуткое шевеление лап и повороты острых голов. Получившаяся в результате серия «Ночь», которая в настоящее время находится на просмотре в галерее Pace Gallery на 25-й улице в Нью-Йорке, была задумана как отход от ее более социальных работ, но, конечно, ее социальные проблемы просочились. «Я хотел взаимодействовать с ночью.Я хотел разобраться со своими страхами », — говорит нам Ровнер. «Но тогда у работы есть своя воля».

На фотографиях, видео и инсталляциях шакалы часто появляются с настороженными выражениями лица. Их ощутимый дискомфорт и легкие движения предвещают для всех нас неопределенный, негативный исход. Их окружение непонятно, с атмосферой постапокалипсиса. Они сбивают с толку своим молчанием (не считая звука из инсталляции) и тревожным напоминанием о пропастях — политических, экологических и т. Д., — на которых, кажется, стоит наш мир.Как будто они чувствуют что-то, чего мы еще не хотим признавать; видящие и метафоры, найденные Ровнером в «глубинах теней».

Мы прошли «Ночь» с Ровнер, когда она была в Нью-Йорке, и предположили, что, возможно, в темноте больше ясности, чем днем. Она согласилась. «Многое из того, что вы видите в течение дня, является поверхностным, и многие из них являются деталями», — говорит она. «Первое, что я делаю в своей работе после того, как что-то записываю или собираю, — это стираю детали. Я всегда стараюсь проникнуть под детали, под сюжет, под внешний слой, чтобы, возможно, вытащить реальную вещь — реальную сделку.”

МИХАЛ РОВНЕР: Все выставки, которые у меня были до того, как я занялся этой темой — я, возможно, ассоциируюсь с «художником, который заставляет этих маленьких гуляющих людей», иногда они похожи на бактерии в чашках Петри, иногда они покрывают целые стены, они безликие, они универсальны. Но в каком-то смысле, как вы знаете, они всегда настоящие люди, а не анимация — я всегда начинаю с реальности, во всем, что я делаю, во всем, что я делаю, я всегда начинаю с чего-то реального. Это могло быть проще, но я иду снимать 50 человек в Израиле, 50 человек в России и 50 человек в Румынии, в Париже, потому что мне очень нравится снимать частички чего-то реального.Последнее шоу, которое у меня было в Pace London, и то, что я показывал в прошлом году, было очень, очень сильно связано с тем, что, как я чувствовал, происходит в мире. Я назвал это «Панорама». Панорама — это первое слово в греческом языке, обозначающее пейзаж. Речь шла о [как сегодня] мы все видим, все видим, все показано вам, хотите вы этого или нет, но все время вы видите только фрагменты реальности. Большой картины мы на самом деле не видим; это довольно сложно помирить. Но одна вещь, о которой вы должны знать наверняка, — это то, что в мире происходят огромные перемены; это гигантское количество, мы говорим о 60 миллионах перемещенных лиц.

Я привнес часть этого на эту выставку, но когда я начал работу над этим шоу, я внезапно почувствовал, что с одной стороны, вы очень обеспокоены тем, что происходит в мире — действительно есть ощущение, что что-то меняется, например тектонические плиты движутся под вами — а также великая агония и разочарование, потому что вы видите степень насилия, вы просто наблюдаете это все время. У меня на iPad есть основные моменты CNN, и я бы сказал, что примерно в 70% случаев, когда я снимаю крышку, они начинаются с CNN: «По крайней мере, на-на-на, люди да-да-да.«Так что по какой-то причине я действительно не хотел использовать людей. Я сделал проект пару лет назад, после последнего шоу, которое у меня было здесь, в память о полутора миллионах детей, погибших во время Катастрофы, во время Холокоста. Я провел там месяцы, может быть, почти полгода, в Освенциме, рисуя маленькие рисунки. Все время, каждую ночь я подходил к одному и тому же вопросу: «Как это случилось? Как могло случиться, что еще один поезд и еще один поезд … »И вы знаете, теперь люди могли сказать:« Мы не знали, мы не знаем », и я не хочу сравнивать это, потому что это другой масштаб — это другой словарь действий — но мы видим все, мы видим, что происходит в Сирии, мы видим, что происходит с беженцами.Что вы можете сделать по этому поводу? И мы должны что-то делать.

Из всего этого я решил, что для меня это своего рода ночной период. Я сам решил пойти на ночь и начал выходить в поля, где я мог столкнуться с вещами, которые я не очень хорошо вижу, которые я не очень хорошо обнаруживаю, и поставить себя в положение, в котором я иду. чтобы меня заподозрили в проникновении на территорию других существ, и я тоже буду подозревать их. Я должен быть очень бдительным, и они будут очень бдительными — такое положение, которое, как я чувствовал, было очень важным для меня в мире.… Я несу своего рода соображения, вес и наблюдения за тем, что происходит в мире, но я не иду, чтобы выполнить это. Я не говорю: «Я собираюсь сделать шоу, посвященное ситуации в мире». Это вплетено во все, что я делаю, если это искусство. Оно где-то там.

HALEY WEISS: Я думаю, что эти слои всегда будут там, если вы будете внутренне бороться с этими проблемами, верно? Это тоже интересно, с дикой природой в качестве вашей темы — я думаю о волках на американском Западе, и о том, как их убивали или защищали на протяжении многих лет, и есть вопрос о том, чья это земля на самом деле, что является еще одним слоем к этому обсуждение миграции.

РОВНЕР: В общем — вы знаете, он у нас очень, очень близко к нам. Ночь там, мы пытаемся игнорировать ночь, ночь всегда была там, как дети. Мы всегда стараемся не находиться в темноте, не знать, а также не встречаться с животными. В них есть что-то, что они не хотят, чтобы их видели; они выходят ночью, прячутся, не хотят, чтобы их показывали. Это очень интересно с генетической точки зрения, что им на самом деле приходится от нас прятаться. Между собой они нюхают друг друга, но есть нечто скрывающееся, подозрительное.Затем вы приходите как наблюдение, с некоторыми камерами в темноте — иногда это очень похоже на детектива, вы приходите, чтобы обнаружить что-то в них, а они наблюдают за вами. В этот момент, когда мы сидим днями, днями и днями в темноте, вы не знаете, холм это холм или гора, и этот звук, это просто птица или змея? Вы не знаете, что будет, и вдруг кусты двинутся. Может, ты боишься. Я в порядке — вот почему я здесь — не хочу слишком бояться, но немного.Кроме того, это Израиль, поэтому я сказал: «Может, там террорист. Я так близко к границе, может быть, это какие-то палестинцы. Мне они нравятся утром, когда они приходят и мы разговариваем, но вечером, кто знает, может быть, они не знают, что я хороший ». Тогда там есть этот шакал; вы видите свет, вы просто видите сияющие глаза — вы смотрите на них, а они смотрят на вас. Такая встреча очень сильна, на самом деле очень доисторична. Это очень сильная встреча другого, того, что есть другой, угрожает ли это вам или вы им? То, что вы сказали, по поводу территории — прекрасно.

Для меня есть что-то в масштабе и в решении после всех этих лет, после всех этих безликих людей, иметь портреты, но портреты [животных]. Это также похоже на древнюю мудрость — смотреть им в глаза, потому что они всегда богини и боги, как бог Анубис. Он тот, кто сопровождает души в следующую жизнь, и он тот, кто решает, смогут они перейти или нет. Они также охраняют могилы и общаются между мертвыми и живыми.Есть что-то о ночи и дне, жизни и смерти, но они также много раз упоминаются в Библии, появляясь в местах запустения, или после разрушения, или после того, как люди покинули это место, они внезапно появлялись …

WEISS: Может быть, не в искусстве, а в жизни, ночь часто оформляется так, как будто что-то засыпает, или она черно-белая, есть свет, а затем — тьма. Но это своего рода отдельный мир, на что вы указываете.

РОВНЕР: Да, это мир.Я ощущал это почти как параллельный мир. Я живу на ферме в Израиле, но даже если вы поедете в Нью-Джерси … Я вернусь к [идее], что мы избегаем всех этих неизвестных, мы избегаем ночи — большинство из нас — мы избегаем встречи, но мы также боимся иметь дело с чем-то неизвестным, невидимым. … Есть этот прогресс, невероятный прогресс технологий, все просчитано, все известно, все систематизировано и находится под контролем, общение продолжается, но все же есть такая большая часть жизни, которую мы совершенно не контролируем.Это полный хаос. Что-то могло случиться в одночасье.

WEISS: Проведя так много времени в одиночестве ночью, так внимательно присмотревшись — думаю, не в одиночестве, потому что вы с дикой природой — как это заставило вас по-другому взглянуть на день?

РОВНЕР: Я чувствую себя другим человеком. Я чувствую, что был где-то. Я очень неравнодушен к тому, чтобы вернуться. Для меня это действовало как магнит; это то, что вы … [ пауза ] Мне было очень трудно уйти, особенно когда я начал слышать — стоишь в поле и вдруг слышишь, знаешь, как звучат шакалы? [ howls ] Внезапно вы слышите это вокруг себя, и это очень мощно.Это другие силы, это очень мистично и очень интересно. Вы также разовьете очень разные чувства слуха и взгляда. Через некоторое время я понял, что вижу лучше. Во-первых, вы ничего не видите. Я думаю, что дневной свет становится очень суровым, обычная жизнь. Я бы сказал, что это жизнь, которую вы видите, и жизнь, которую вы не видите. Зная, что эта ночь тоже существует, я начинаю иначе смотреть даже на то поле, где живу. Я знаю это, когда иногда выхожу ночью; там совсем другая вселенная, там другой мир, и у него очень сильные силы.И он там все время, даже когда вы не смотрите. Это заставило меня больше осознать это.

WEISS: Сколько времени вы потратили на запись?

РОВНЕР: Часы и часы месяцев и месяцев, и я ходил несколько раз в неделю. Я обычно рано ложусь спать, чтобы почитать. Я читаю и всегда говорю, что я не «богемный художник». Мне нужно читать один или два часа вечером и в тишине, чтобы не тусоваться много. Но сейчас я тусовался, и было очень-очень поздно. Но я действительно обнаружил, насколько напряженно они смотрят на нас, а я смотрю на них, и как после того, как я долго сидел, они думали: «Хорошо, она не двигается.Она приходит каждый день ». Они похожи на сейсмограф; они такие чувствительные. Это то, что животные делают все время; они бдят, они бдят, и я увидел: «Теперь это мы». Мы, мир, смотрим.

Это не National Geographic . Я не выходил ночью исследовать дикую природу, не выходил снимать документальный фильм или ловить шакалов.

WEISS: Вы пришли из этой работы, чтобы лучше понять ситуацию, в которой находится мир, и эти события, которые происходят? Или чувствуете себя иначе?

РОВНЕР: Нет.Я думаю, что мир находится в очень серьезном упадке — очень, очень серьезном. Мы привыкаем к уровню насилия, мы привыкаем видеть эти ужасные вещи, происходящие постоянно. [ пауза ] Думаю, это сложно. Это грубо.

Мы все время очень озабочены поиском новых технологий и достижений в науке, но на самом деле [хотя] наше будущее зависит от науки и прогресса, оно не менее зависит от того, как мы относимся друг к другу. Что-то есть в основе всего этого.Вы смотрите на них, животных в дикой природе, и они остаются такими же. У них есть свои правила, которые я не могу расшифровать, и в этом есть что-то очень строгое, также неизвестное и непредсказуемое для меня. Но они остаются там; они очень стабильны. Мы прогрессируем по многим направлениям, но с точки зрения вашей ответственности — это только самые основы того, как мы относимся друг к другу, — до того, как мы изучим математику, компьютеры, естественные науки в школе, языки и все это, основу он: Что значит быть человеком? Какая у вас ответственность? Вы можете почувствовать, что что-то ужасное происходит в другом месте в мире, и это другое, а не , вы .Всегда там , это на . Но это , их — это тоже вы.

«НОЧЬ» В РАСПОЛОЖЕНИИ НА 25-Й УЛИЦЕ PACE GALLERY В НЬЮ-ЙОРКЕ ДО 22 ОКТЯБРЯ 2016 ГОДА.

From Dislocation, Artistic Direction — Los Angeles Times

Израильский художник Михал Ровнер размышляет в своем отчаянно-белом чердаке с какофонией улиц Сохо далеко внизу: «У меня в голове возник образ художника из Нью-Йорка.Я подумал, что если вы сделаете это с точки зрения признания того, что вы делаете, то вы сможете передать те идеи, которые вас сильно волнуют ».

Ровнер приехала в Нью-Йорк в 1988 году и добилась широкого признания за свои запасные фотографические изображения, сделанные с видеозаписей и компьютеров, а также фотоаппаратов. После своей первой персональной выставки в Институте искусств Чикаго в 1993 году Сьюзен Снодграсс написала в «Искусство в Америке»: «Она избегает любых романтических представлений о человечестве в гармонии с природой. Вместо этого она объединяет эфирный и эмпирический миры, чтобы решить проблемы смертности.»

Ее первый фильм« Граница »был показан в Музее современного искусства перед аудиторией крупных коллекционеров и кураторов в апреле прошлого года. В лондонской галерее Тейт до 4 августа будут представлены ее видеоработы и инсталляции в масштабе фресок. В эти выходные в галерее Shoshana Wayne в Санта-Монике открылась подборка аналогичных работ.

Растения и деревенская мебель, окрашенная в оттенки сиены и шалфея, смягчают строгость лофт-пространства художника. Интенсивная женщина 39 лет с коротко остриженными темными волосами, Ровнер поставила посетителю изысканный поднос с выпечкой, пирожными и сырами; говоря по-английски с сильным акцентом, она говорит: «Я серьезно отношусь к еде.После паузы она добавляет: «Я отношусь ко всему серьезно».

Ровнер медленно рвет бублик на все меньшие и меньшие кусочки, рассказывая о своей карьере художника и своих чувствах к Нью-Йорку и Израилю. «Меня интересует смещение, перемещение чего-либо из исходного контекста», — говорит она. Каким бы ни был ее предмет — дом, животное, человек — он всегда окружен неопределимым, пустым пространством. Чувство отстраненности в ее творчестве проходит параллельно и отражает ее смысл жизни после переезда в Нью-Йорк.

Эмигрировать из своего дома за пределами Тель-Авива, где она росла самой младшей из троих детей, было нелегким решением. В 1978 году Ровнер стала соучредителем (вместе со своим будущим мужем Ари Хаммером) Школы искусств Camera Obscura в Тель-Авиве. Школа приобрела хорошую репутацию благодаря своим курсам фотографии, видео и кино, а также популярным семинарам с приглашенными лекторами, такими как фотограф и кинорежиссер Роберт Франк.

«Для меня он был самым вдохновляющим», — вспоминает Ровнер. «На этом этапе он оказал огромное влияние на мою карьеру.Он сказал: «Тебе следует поехать в Америку и стать художником» ».

Ровнер закончила бакалавриат по кинематографии и философии в Тель-Авивском университете в 1981 году, а также получила степень изящных искусств в Академии художеств Бецалель в 1985 году. В 1988 году Она приняла предложение Фрэнка, переехала в Нью-Йорк и в начале 90-х вместе с Фрэнком работала над его фильмами в качестве сценариста и помощника режиссера. «Это была дружба на очень высоком уровне. Я многому у него научилась », — говорит она.

«Израиль — очень ориентированное на семью общество», — объясняет она.«Я был женат, и нормальным делом после стольких лет было создание семьи. Я подумал, что до того, как это произойдет, прежде чем я закреплюсь на земле, у меня может быть последний шанс взлететь в более просторное пространство, которое позволит мне вырасти так, как я думал, что смогу. В Израиле я всегда чувствовал себя немного подавленным. Это такое благосклонное общество. В стране, которая пережила столько травм, столько тепла и доброты, которые защищают вас, но за это есть цена. Цена в том, что он одновременно душит вас.Это требует коллективности, и я чувствовал, что хочу расти, не чувствуя, что уменьшаю кого-то другого ».

«Нью-Йорк хочет, чтобы вы взлетели», — добавляет она. «Вы должны это сделать. Вы получаете разрешение быть другим. К тому же в Нью-Йорке очень серьезно относятся к искусству. Необязательно быть врачом или хорошим солдатом. В Израиле спрашивают: «А как же твоя жизнь?» Это моя жизнь ».

Тем не менее, ее переезд в город вызвал чувство глубокого физического и эмоционального расстройства.«Когда я пришла, я была очень одна», — вспоминает она. «Я решил, что останусь, пока не почувствую себя хорошо в этом месте, которое мне удалось».

«Я вырос в пригороде, где было мало домов, много полей и пустых мест». Не имея возможности соединиться с городским пейзажем, ее ранние попытки изобразить искусство в большом городе были крошечными картинами сельских сцен с домами и деревьями, как если бы они были видны с большого расстояния. «Они были почти иллюстративными, данью уважения тому, что я оставила позади», — объясняет она.

В том же духе в конце 80-х она фотографировала таксидермических животных, таких как койоты, лисы и вороны, окруженные пустым пространством. Ровнер говорит, что они не предназначены для полетов: «Полеты напоминают крылья, инициацию, переход из одного места в другое», — говорит Ровнер. «Для меня это больше значит быть вырванным из контекста, отстраненным. Речь идет о том, чтобы быть в промежутке между взлетом и перед посадкой ».

Ровнер вернулась в Израиль в 1990 году и, проезжая по Мертвому морю, прошла мимо бедуинского дома, который затем стала предметом навязчивой серии фотографий под названием «Снаружи.«Он был таким идеальным по форме, как сущность дома, но пустовал и не имел дверей и окон. Он был изолирован, посреди пустыни, что было для меня важно. Оглядываясь назад, я просто осознала, что это было время, когда я развелась с мужем. Я все время возвращался в этот дом, задаваясь вопросом: «Что на самом деле означает дом?» »

В 1991 году она присутствовала на открытии этой серии фотографий в Тель-Авивском музее и только что вернулась в Нью-Йорк, когда началась война в Персидском заливе. вспыхнул. «Впервые я ощутила войну в Израиле, когда была в отъезде, но увидела ее по телевизору», — говорит она.«На CNN я знал, что ракета уже летит, еще до моих родителей. Я мог позвонить им и сказать им. Ракета упала на их улицу, и если бы они были дома, они бы пострадали. Все стекла в их доме были разбиты ».

Она взяла поляроиды из телевизионных репортажей о войне и изменила и расширила их как отдельные работы. «Я была очарована тем, насколько красиво и уединенно он выглядел», — вспоминает она. «Между тем, что я видел, и тем, что я знал, был такой разрыв».

После войны она вернулась в Израиль, чтобы снять на видео дом бедуинов, но он был разрушен.Для своей следующей серии она наняла мужчин, которые плавают в Мертвом море, и сняла их на видео с большого расстояния, так что они превратились в темные пятна на нечетком и зернистом фоне. Индивидуально напечатанные изображения озаглавлены «Игра одного человека против природы» на основе концепции теории игр в международной политике, относящейся к условию, при котором одна нация не может играть в одиночку. «Это может звучать поэтично, но это не так», — говорит она.

Ровнер отмечает, что последние несколько лет она не использовала фотоаппарат, и распечатывает свои изображения с видеокассеты или компьютера.«Я делаю записи записей и создаю разные поколения, так что вы теряете что-то по пути, но получаете что-то другое. Как жизнь. Я стараюсь их визуально уменьшить. Я пытаюсь стереть больше, чем записываю, но при этом оставляю необходимый минимум ».

За последние два года Ровнер выполнил несколько строительных работ в Израиле. Чтобы сделать прочные баннеры архитектурного масштаба, она распечатала свои изображения на рулонах нейтрального линолеума. Она также использовала этот процесс для «Дилеммы», серии из 44 флагов, вывешенных над израильско-ливанской границей с изображениями скрещенных фигур, абстрагированных, чтобы выглядеть как X, обращенный к обеим странам.Такие изображения границ отражают ее чувства по поводу продолжающейся политической борьбы на Ближнем Востоке, мишенью которой являются люди.

Точно так же наблюдение за перестрелками там вдохновило ее на попытку ее фильма «Граница», — говорит она: «Я думаю, что фильм пытается передать переживание напряжения и замешательства. Есть попытка внести ясность и раздражение из-за того, что она вам не будет предоставлена. Легко оказаться на той или иной стороне проповеди. Но это постоянные отношения, основанные на недоверии, подозрениях и страхе.Я занимаюсь только эстетикой и не предлагаю никаких решений ».

Переезд из Израиля, однако, позволил ей работать над этим со стороны. Она готова снова вернуться домой? Она выглядит довольной и говорит: «Я могу жить в Нью-Йорке, Израиле и других местах тоже. Знаете, как говорят, что нельзя есть пирог и есть его? Я всегда сопротивлялся этой идее. Я думаю, ты можешь съесть свой торт и съесть его ». *

Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Михал Ровнер

Мультимедиа Арт Музей, Москва показал Михала Ровнера на первой Московской биеннале современного искусства в 2005 году.В то время, готовясь к выставке, Ровнер много времени проводил в России. Спустя десять лет мы рады представить ее последние работы. Ровнер создал уникальный и новаторский язык в искусстве. Она максимально формулирует основные вопросы человеческого существования. Работа этой международной звезды современного искусства особенно актуальна сегодня, в мире, охваченном кризисом и полным смещением этических, социальных, культурных и геополитических координат. Работы Михала Ровнера адресованы каждому из нас, говоря о невозможности индивидуального существования отдельно; о том, что жизненная траектория каждого человека неизбежно связывает их с теми, кто жил и живет на нашей планете, и с теми, кто будет жить здесь после нас.

Ольга Свиблова

С момента первой демонстрации видеоработ в ее ретроспективе Музея американского искусства Уитни в 2002 году Михал Ровнер стала пионером в использовании движущегося изображения в качестве не повествовательного, не кинематографического средства для создания живописных образов и инсталляций. Со времени своей знаменательной выставки на Венецианской биеннале в 2003 году Ровнер расширила свои инновации во многих направлениях. Назад, в историческое царство, определяемое древними камнями, которые она использовала и как средство, и как контекст; и вперед в технологические системы, которые позволяют по-новому выразить ее образы.

Отказавшись от смысла повествования, Ровнер размещает свои фигуры во фрагментированных местах. Время кажется событием без начала и конца. Эти абстрактные живописные видеоработы исследуют отражения загадочной и тревожной реальности.

Давид Гроссман, израильский писатель, писал о творчестве Ровнера: «Ее искусство заставляет нас просыпаться, сосредотачиваться, быть обязанными, чувствовать пульсацию связи с великим маршем истории. Она превращает нас в художников, творцов: крохотные человеческие фигурки зовут нас из камней.Мы не знаем, кто они. Они люди. Они умоляют не забывать и не стирать. Они — живые остатки человеческого опыта, который исчез или скоро исчезнет. Это глубокое человеческое желание оставить отпечаток пальца, знак, воспоминание. Это мы.

Что ниже видимого на дисплее

Выставка «What Lies Beneath» с участием самых важных деятелей мировой сцены современного искусства посвящена беженцам и их проблемам в галерее современного искусства Борусан.Выставка, которая продлится до 21 февраля 2016 года, приглашает ценителей искусства открыть для себя лучшие образцы современного искусства. Выставка, на которой представлены четыре особенные работы современных художников Кшиштофа Водичко, Михала Ровнера и Зимуна, проливает свет на такие проблемы беженцев, как отчуждение и неуверенность в себе. Самая яркая работа, представленная на выставке, которая интерпретирует страх быть «другим» с четырьмя визуальными эффектами размером с комнату, — это работа Михала Ровнера «Broken Time».«Сделанная из натурального камня, эта однотонная работа была выставлена ​​на выставке Borusan Contemporary после использования различных техник для ее создания.« Broken Time »освещен с помощью специальных техник и представляет историю миграции, которая началась много веков назад. Работа Водичко «Гости», отражающая тяжелую жизнь невидимых беженцев, «96 подготовленных двигателей постоянного тока и картонные коробки» Зимуна, создающая хаос, и «Без названия 4 (Панорама)» Ровнера, которая позволяет посетителям испытать концепции времени и место.Кристиан Пол, куратор мероприятия, работает помощником куратора в Музее американского искусства Уитни и является преподавателем Нью-Йоркской школы визуальных искусств.

В мире продолжается период нестабильности и конфликтов. Европа сталкивается с нарастающим миграционным кризисом, вызванным войной в других местах, а нарушения прав человека и бедность вынуждают людей покидать свои страны и общества без чувства принадлежности. Помимо этого, увеличивается разрыв между богатыми и бедными, страны борются за достижение или поддержание демократических идеалов, а этническая и религиозная идентичность часто переплетаются с насильственными конфликтами.Все эти жизненно важные факторы открывают путь к экзистенциальным формам отчуждения для индивидов. Системы и силы, создающие эти условия, часто трудно понять из-за их сложности, порождая чувство незащищенности и страх перед другим, будь то личность, этническая или религиозная группа или обстоятельства, такие как преследование или бедность.

Выставка «Что скрывается под собой» направлена ​​на то, чтобы передать атмосферу разрозненных реальностей, усиливающегося отчуждения и угасающего доверия, которые являются результатом факторов, которые часто лежат за пределами видимого.Три инсталляции размером с комнату на выставке с работами Михала Ровнера, Кшиштофа Водичко и Зимуна создают пространство для размышлений о культурных и социальных условиях и периферийных факторах, которые могут быть нелегко уловлены с первого взгляда и создают чувство неуверенности. Условия или силы, которые остаются под поверхностью, могут вызывать аналогичные эмоции, такие как страх или незащищенность, но не обязательно имеют общие и однородные качества. Они могут выходить за рамки видимого из-за отсутствия понимания механизмов, природы или отсутствия связи между социальным, культурным или эмоциональным контекстом.

Художники создали поразительные условия, которые позволят посетителям увидеть то, что находится под поверхностью, большую картину, давая нам возможность взаимодействовать с неизвестным. Масштабная видеопроекция Водичко «Гости», впервые показанная на Венецианской биеннале, затрагивает конкретные политические и социальные проблемы. Работа включает в себя выступающие окна, из которых несколько размыто видят иммигрантов из разных стран мира, рассказывающих об условиях их жизни, безработице и проблемах с легализацией их пребывания.Теневые образы иммигрантов всегда остаются вне досягаемости и с другой стороны, что делает их незащищенными, предполагая их социальную невидимость. То, что скрывается за пределами понимания как иммигрантов, так и зрителя, — это в основном юридические конструкции, политика и представления об индивидуальной и национальной идентичности. Инсталляция предлагает посетителям поразмышлять как о непохожести иммигрантов, так и на самих себя, как на других, отделенных от них. Иммигранты, делящиеся своими историями, всегда остаются снаружи за окнами, через которые их видит аудитория, и большую часть времени они чужеземцы для страны, в которой они живут.

Работа Водичко исследует концепцию гостей. В его работе аудитория становится гостем в проектируемой среде, где рассказывают истории иммигрантов. «Прерванное время» Ровнера представляет собой более абстрактный взгляд на человечество, но в то же время имеет политический подтекст, связанный с такими вопросами, как миграция и перемещение. В работах Ровнера движения крошечных человеческих фигур становятся «человеческими знаками», отображаемыми в виде иероглифического текста, акцентирующего внимание на отношениях между временем и пространством и их постижимости.Иероглифический характер знаков отсылает к древности и началу текста. Знаки кажутся статичными гравюрами на расстоянии, и по мере того, как зритель приближается к работе, знаки проявляются как система обозначений человеческих фигур в вечном движении. Работа указывает на связь между постоянным и основанным на времени представлением прошлого, настоящего и будущего слоями, делая само время своим материалом. Изделия Rovner характеризуются особой материальностью — от текстуры поверхности, будь то камни или светодиодные экраны, до скорости движения, конструирующей материальность времени.Несмотря на то, что человеческие фигуры могут оставаться неразборчивыми, как обычный текст, им есть что рассказать о темпоральностях. Ровнер объясняет, что ее цель — достичь нижнего уровня, начиная с реальности и исторического контекста, поскольку она предпочитает не обращаться к ним напрямую и создает абстракции. В основе работ Ровнера лежит сложность и хрупкость человеческого существования во времени и пространстве, проявляющаяся в поломках и разрывах. Исследование Ровнера порядка и его нарушения, динамики, связи и изолированности нашло отражение в инсталляции Зимуна «240 подготовленных двигателей постоянного тока, картонные коробки 60x20x20см».«Оба художника используют повторение как средство движения, а не акцентируют внимание на механике. Специальная установка Зимуна из 240 подготовленных двигателей постоянного тока в картонных коробках заполняет комнату, где коробки трясутся под действием зловещих сил, создавая звуковую архитектуру. Ритм движения и звука предполагает как подготовленную, управляемую систему, так и живую структуру, которая развивается случайно, никогда полностью не раскрывая, что ее производит. «240 подготовленных двигателей постоянного тока, картонные коробки 60x20x20 см» приглашают аудиторию задуматься о сложности окружающей среды.В общем, работы в «What Lies Beneath» предлагают пространство для созерцания скрытых сложностей.

ФОТОГРАФИЙ РОВНЕРА ВЫПОЛНЯЮТСЯ БОЛЬШЕ РЕФЕРАТА

Недавние фотоработы Михала Ровнера в галерее Рона Хоффман показывают, насколько эта гибридная категория художественного производства обязана другим средствам массовой информации, помимо фотографии.

Как и на ее последней выставке здесь в 1995 году, части примерно поровну разделены между принтами C, нанесенными на оргстекло, и изображениями, нарисованными лазером на холсте маслом.

Исходные материалы взяты из поляроидов или видеозаписей, снятых Ровнер, которые она воспроизводит в черно-белом режиме, а затем перекрашивает на компьютере.

Эта последняя стадия делает ее не только фотографом, но и художником, хотя роль очевидна лишь в некоторых из недавних работ, которые более грубые и абстрактные, чем все, что она ранее выставляла в Чикаго.

Некоторые более ранние части разбивали фигуры и пейзажи до тех пор, пока они не выглядели как скопления клеток под микроскопом, поэтому было легко предположить, что цвета были естественными для исходных материалов Ровнера и просто раскрывались при большом увеличении.

То, что цвета созданы полностью художником, увеличивает аспект фантазии в картинах, которые, несмотря на манипуляции, всегда казались неотделимыми от проверяемого мира.

Фигуры Ровнер, которые выглядят как призрачные силуэты или пятна, также подвержены значительным изменениям, хотя их крайняя этиоляция является результатом вычитания, а не добавления, поскольку художник постоянно сокращает свои исходные материалы.

Характер отдельных фигур и группировок Ровнера предполагает экзистенциалистскую трагедию Альберто Джакометти, но она привязана к определенному месту, ближневосточной пустыне, которую Ровнер рассматривает как духовный полигон, как в фильме Микеланджело Антониони «Пассажир».«

Пустыня Ровнера неизбежно имеет и политические последствия, поскольку мы знаем, что она — израильтянин, которая в прошлом году сняла свой первый фильм о напряженности на границе между Израилем и Ливаном.

Был показан фильм под названием« Граница » в нескольких музеях по всему миру и доступен для просмотра в галерее. Его фокусировка на определенном участке земли показывает, насколько неуловимы фотоработы Ровнера по сравнению с ним.

Она использует некоторые из тех же техник в фильме, снимая фигуры и птиц из разных мест. так далеко, что окружающее пространство, кажется, разъедает и тем самым превращает их в виртуальные символы смещения.Но Ровнер также задает вопросы израильскому командиру на границе и снимает активность на другой стороне, что подчеркивает неуверенность, которую ее фотографии предполагают более косвенно.

Снова и снова в фильме Ровнер говорят, что, как художница, она не может понять, что творится с военными на границе. Но она понимает пробную, постоянно меняющуюся ситуацию лучше, чем можно было бы ожидать, и слабое понимание реальности в ее фильме прекрасно отражает ее сюжет.

Моменты визуальной поэзии, однако, немногочисленны и редки. И когда они действительно появляются, они настолько сильно напоминают фотоработы Ровнер, что нельзя не чувствовать, что она на самом деле не воспользовалась движущимися изображениями, кроме того, что использовала их в качестве исходных материалов.

Ни деликатность «Глядя на деревья», ни сила «Жары 2» не имеют эквивалента в «Границе», которая, по сравнению с этим, является почетной первой попыткой, но при этом все еще небезопасна в своем владении звуком и наиболее плавно эффективное редактирование.

(ул. Н. Мая, 312, до 28 ноября)

6-я Московская биеннале современного искусства

22 сентября на ВДНХ открылась 6-я Московская биеннале современного искусства. Основной проект на этот раз разместится в Центральном павильоне Выставочного центра. Кроме того, в московских музеях почти сотня выставок. Мы изучили программу и составили список самых ярких событий 6-й Московской биеннале.

---

ГЛАВНЫЙ ПРОЕКТ

Московская биеннале страница в Facebook

Тема главных проектов этого года — Как жить вместе? Вид из центра города в сердце острова Евразия.Это не выставка, а исследовательский форум. Сама выставка откроется позже, 3 октября, на ней будут представлены результаты лабораторий и экспериментов, проведенных во время биеннале. Более 70 художников из России и зарубежья попытаются выяснить, как современное искусство может взаимодействовать с современным городом, как оно меняется в окружающей среде и как само искусство меняет реальность. Участниками биеннале станут теоретики искусства, социологи и политологи, художники и музыканты. Среди звезд — Рем Колхас и Евгений Гонтмахер, Анатолий Осмоловский и Константин Звездочет.

22 сентября — 1 ноября
Павильон N1, ВДНХ, проспект Мира 119
6th.moscowbiennale.en

---

LOUISE BOURGEOIS. СТРУКТУРЫ СУЩЕСТВОВАНИЯ: КЛЕТКИ

Гараж

Луиза Буржуа (1911–2010), чья карьера насчитывает семь десятилетий — начавшаяся в конце 1930-х годов в Париже и завершившаяся в Нью-Йорке, — одна из немногих художников, связанных как с современными, так и с современными чувствами. Буржуа создала необыкновенную серию скульптурных сред в последние два десятилетия своей жизни.Ее ранние скульптуры, картины и рисунки, которые привели к развитию ее монументального и новаторского стиля, также включены в выставку. Одновременно с выставкой «Гараж» представит две масштабные скульптуры: монументального бронзового паука Мамана (1999 г.) на площади перед музеем; и международный дебют «День вторгся в ночь или ночь вторглась в день»? (2007) в рамках серии Garage’s Atrium Commission.

«Клетки» — главный проект последних двадцати лет жизни художника.Каждая Клетка — это уникальный, индивидуальный микрокосм, охватывающий множество эмоций и ассоциаций. Буржуа произвела около 60 работ в этой серии, собирая найденные предметы, артефакты из своей повседневной жизни (одежда, ткань и мебель) и скульптуры в характерных архитектурных ограждениях.

25 сентября 2015 г. — 7 февраля 2016 г.
Музей современного искусства «Гараж», ул. Крымский Вал, 9/32
www.garagemca.org/en

---

АНИШ КАПУР. МОЯ КРАСНАЯ Родина

Сайт Еврейского музея

Аниш Капур — один из самых влиятельных художников в мире, изменивший представление о современной скульптуре.Капур родился в Бомбее, Индия. С 1970-х годов он жил и работал в Лондоне. В 2009 году Аниш Капур стал первым современным художником, у которого была выставка в Королевской академии художеств в Лондоне.

На выставке в Москве представлены три основные скульптуры из целостных, но обособленных произведений скульптурным языком художника: пустоты; зеркала и самогенерируемые. Работы, выполненные с использованием пигмента, стали и воска, олицетворяют манипуляции Капура с материей для создания ландшафта и геологии, которые являются одновременно иными, и возвышенными.Выставка будет сопровождаться первой монографической публикацией работ Капура на русском языке, а параллельно с открытием художник выступит с публичной лекцией в музее.

22 сентября 2015 г. — 17 января 2016 г.
Еврейский музей и центр толерантности, ул. Образцова, 11, корп. 1А
www.jewish-museum.ru

---

АНДРЕЙ БАРТЕНЕВ. СКАЗАТЬ: Я ЛЮБЛЮ ТЕБЯ

Сайт ММОМА

MMOMA представляет обширную ретроспективную выставку Андрея Бартенева, художника-синтезатора, объединяющего изобразительное искусство, перформанс, театр, танец и музыку.Экспозиция откроется в двух зданиях музея на Гоголевском бульваре и будет включать работы Бартенева последних 25 лет. Художник работал над масштабной скульптурой Сиберри, созданной специально для выставки. Кроме того, впервые для широкой публики будет доступна подборка работ Бартенева 1990-х годов.

Творчество Андрея Бартенева многослойно. Представления, инсталляции, скульптуры, театральное искусство и видеоарт сливаются воедино, образуя единый вихрь, блуждающий в нескончаемом поиске новых художественных приемов.

Выставка, посвященная 50-летию художника, в свою очередь, входит в серию спецпроектов к 15-летнему юбилею Московского музея современного искусства.

30 сентября — 8 ноября
ММСИ, Гоголевский бульвар, 10
www.mmoma.ru/

---

МИХАЛ РОВНЕР. ДИСЛОКАЦИИ

Сайт МАММ

Работы Михала Ровнера, международной звезды современного искусства, особенно актуальны сегодня, в мире, охваченном кризисом и полным смещением этических, социальных, культурных и геополитических координат.Работы Михала Ровнера адресованы каждому из нас, говоря о невозможности индивидуального существования отдельно; о том, что жизненная траектория каждого человека неизбежно связывает их с теми, кто жил и живет на нашей планете, и с теми, кто будет жить здесь после нас.

Назад, в историческое царство, определяемое древними камнями, которые она использовала как среду и контекст; и вперед в технологические системы, которые позволяют по-новому выразить ее образы.

Отказавшись от повествования, Ровнер размещает свои фигуры во фрагментированных местах.Время кажется событием без начала и конца. Эти абстрактные живописные видеоработы исследуют отражения загадочной и тревожной реальности.

18 сентября — 29 ноября
МАММ, ул. Остоженка, 16
www.mamm-mdf.ru/

---

МЕТАГЕОГРАФИЯ. ПРОСТРАНСТВО — ИЗОБРАЖЕНИЕ — ДЕЙСТВИЕ

Сайт Третьяковской галереи

В конце 1960-х, когда воздушные путешествия стали обычным явлением и появились первые фотографии Земли из космоса, представления о времени и пространстве подверглись радикальному пересмотру.

В наши дни процесс глобализации приводит к совершенно новому опыту — моделированию и представлению пустого пространства.
Выставка в Третьяковской галерее объединит опыт искусствоведов, географов и художников трех поколений с 1960-х по 2000-е годы

Экспозиция создана по принципу открытого пейзажа, в котором произведения искусства и зрители существуют в одном месте.
Уникальным экспонатом станет гигантская живописная карта азиатской части России, выполненная в конце 1950-х — начале 1960-х годов.Авторам этой карты впервые удалось подняться над стратосферой и увидеть Землю с высоты 30 000 метров.

25 сентября 2015 г. — 7 февраля 2016 г.
Третьяковская галерея, Крымский Вал, 10, зал 39-42
www.tretyakovgallery.ru/

---

НАША ЗЕМЛЯ / ИНОСТРАННАЯ ТЕРРИТОРИЯ

Манеж

Наша Земля / Чужая территория — это масштабный проект с участием художников из России и других стран, чьи работы посвящены взаимосвязи географии и политики.Основная тема представленных работ — феномен спорных территорий и приграничных территорий, испытывающих постоянную нестабильность.
Все территории, исследованные художниками, различны, но имеют нечто общее: в частности, заряженный динамизм пограничной зоны, политическая нестабильность и смешанные образцы национальной идентичности

В то же время такие родные / чужие территории являются ярким примером проблем, с которыми сталкиваются современные национальные государства, побуждая задуматься о том, как формируется национальная идентичность, как работает коллективное мышление, как актуальная топография соотносится с представлениями людей о самих себе.Размышляя над этими вопросами, художники обращаются к отдельным историям, тем самым привнося личный аспект в эти расплывчатые абстрактные темы и поднимая частную историю, чтобы передать политический посыл.

16 сентября — 4 октября
Центральный Манеж, Манежная площадь, 1
moscowmanege.ru/

---

INSIGHT. СЦЕНЫ ИЗ РУССКОЙ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ЖИЗНИ 1986 — 1992

Сайт Фонда Екатерины

Выставка InSight задумывалась как экспериментальный проект, цель которого не дать посетителям готовый ответ, а побудить их принять активное участие в осмыслении и интерпретации современного искусства.Выставка посвящена так называемому героическому периоду нового русского искусства последней четверти ХХ века.

Кураторы сделали попытку воссоздать неповторимую атмосферу того времени, когда энергия, энтузиазм и добрая воля всех, кто занимался современным искусством, были его основными движущими силами. Выставка представляет собой своеобразный набросок или черновой рисунок, воспроизводящий широкими мазками отдельные эпизоды русской художественной сцены конца 1980-х — начала 1990-х годов. В то время современное российское искусство пережило тяжелый процесс свержения старых механизмов культуры и создания новых, чтобы вытеснить их, поскольку широко популярное, коммерчески успешное и всемирно признанное стало фактором в системе, в которой ранее доминировало самоархивирование.В таких условиях количество выставок и других художественных мероприятий резко возросло, и каждое из них становится важным эмоциональным переживанием как для художников, так и для посетителей, что приводит к бесчисленным интерпретациям любого шоу. Эта эмоционально насыщенная атмосфера того времени стала лейтмотивом выставки, а также послужила стимулом и платформой для всех, кто имеет отношение к искусству того периода, чтобы поделиться своими воспоминаниями.

17 сентября — 13 декабря
Фонд культуры «Екатерина», улица Кузнецкий мост, дом 21/5, вход с улицы Большая Лубянка.
www.ekaterina-foundation.ru/rus/

---

АЛЕКСЕЙ МОРОЗОВ. ПОНТИФЕКС МАКСИМУС

Материалы для прессы

Выставка Алексея Морозова PONTIFEX MAXIMUS открывается в рамках специальной программы Шестой Московской биеннале. Художник задумал PONTIFEX MAXIMUS как футуристическую антиутопию на тему союза машины и чувств. Алексей Морозов — один из немногих современных художников, утверждающих в своем творчестве равенство идей и форм.Соединив скульптуру, архитектуру и технику, Алексею Морозову удалось найти наиболее убедительный художественный образ гуманистической сущности искусства и его метафизической сложности — вантовый мост как объективный и метафорический способ межцивилизационного общения.

24 сентября — 23 октября
Павильон №71, ВДНХ, проспект Мира, 119
6th.moscowbiennale.ru

Взгляд изнутри на израильскую культуру

• Музыка
• Театр
• танец
• Пленка
• Арт
.
• Культура
• Бесплатно

Поиск

• Календарь живой музыки
• Свяжитесь с нами
• Около

• Музыка
• Театр
• танец
• Пленка
• Арт
.
• Культура
• Бесплатно

Главная Блог

Рина Шенфельд Премьеры: Дневник

2 марта 2021 г. 0

Иерусалимская синематека: неделя франкоязычного кино 2021

2 марта 2021 г. 0

Дом Конфедерации: Современная палестинская арабская поэзия в Израиле

2 марта 2021 г. 0

Израильская опера откроется в марте

28 февраля 2021 г. 0

Театр Яффо: Женский фестиваль 2021

27 февраля 2021 г. 0

Международная танцевальная биеннале TLV 2022: зовем всех хореографов

24 февраля 2021 г. 0

Theatronetto 2021: участие в конкурсе

22 февраля 2021 г. 0

Фестиваль японского кино Аки-но 2021

28 января 2021 г. 0

Айя Корем поет Леонард Коэн

26 января 2021 г. 0

Иерусалимский кинофестиваль 2021: отметьте свои календари!

6 января 2021 г. 0 123…372 Страница 1 из 372 ©
Создано на основе темы ionMag [новости] .

No related posts.