Пикториализм это: Пикториализм — это… Что такое Пикториализм?
Пикториализм — это… Что такое Пикториализм?
Пикториализм (англ. pictorialism, от англ. pictorial — живописный) — течение в европейском и американском фотографическом искусстве конца XIX — начала ХХ вв., подчеркивавшее в фотографии те черты, которые сближали ее с живописью и графикой эпохи (импрессионизм, живопись прерафаэлитов, символизм, югендстиль, арт-нуво и др.). Для достижения подобного эффекта фотографы использовали особые техники съемки и печати (мягкорисующие объективы, фильтры, обработка позитива бихроматами, солями серебра и др.).
История
Обычно период влиятельности пикториализма ограничивают 1885—1914 годами. С расцветом модернизма пикториалистский подход потерял привлекательность и популярность. Позднее, начиная с 1970-х гг., наблюдается оживление интереса к наследию пикториалистов и даже определенное возвращение к их художественным методам (Салли Манн, в России — Георгий Колосов и др.).
Обложка журнала Camera Work, 1903Организации и представители
В Великобритании пикториалистов объединяло общество
К числу крупнейших пикториалистов причисляют во Франции Робера Демаши и Констана Пюйо, в Германии — Г. Г. Эммериха, в Швеции — Хенри Гудвина, в Чехии — Франтишека Дртикола, в Великобритании и США — Э. Л. Кобурна, А.Стиглица, Э.Стайхена, Гертруду Кезебир, Кларенса Хадсона Уайта, Ф. Х. Дея, Сару Сирс и др.
Робер Демаши. Примавера, 1896Пикториализм в России
Движение пикториализма в России шло вслед за европейским, уже к концу XIX в. добилось международного признания (работы Алексея Мазурина, Сергея Лобовикова, Василия Улитина, Мирона Шерлинга, Соломона Юдовина
Техника
Существовало два направления пикториализма — оптический (применение мягкорисующих объективов, таких как монокль, перископ и др.) и технический (технологические методы позитивной печати).
См. также
Примечания
Литература
- Daum P. a.o. Impressionist camera: pictorial photography in Europe, 1888—1918. London; New York: Merrell; Saint Louis: Saint Louis Art Museum, 2006
- Pictorialism: hidden modernism: photography 1896—1916/ Annette Kicken a.o. Vienna: Georg Karl Fine Arts; Berlin: Galerie Kicken, 2008
- Тихое сопротивление: русский пикториализм 1900-1930-х/ Елена Мисланди, Ольга Свиблова. М.: ГУК, 2005
Ссылки
“ФОТОГРАФИЯ КАК ИСКУССТВО”: ЧТО ТАКОЕ ПИКТОРИАЛИЗМ И ПРИ ЧЕМ ТУТ СОВРЕМЕННАЯ ФОТОГРАФИЯ
Сегодня в Петербурге фотовыставки встречаются в самых разных музеях: в Эрарте, музее искусства Санкт-Петербурга XX–XXI веков и даже в Эрмитаже. Снимки экспонируются в тех же залах, где когда-то своё место занимали исключительно картины. В наши дни это стало обыденностью, но в начале XX века пикториалисты боролись за право называть фотографию искусством. Кто они такие? Чем хороши их работы? Что осталось от пикториализма в современной фотографии?
Пикториализм – течение в фотографии на рубеже XIX-XX веков. Его приверженцы стремились максимально приблизить снимки к картинам своего времени, превращая их из документа в форму искусства.
Фотосъёмка как явление в XIX веке существовала лишь для избранных: камеры были у единиц, процесс печати не отличался простотой. Чаще всего снимали исторические события и портреты. Люди замирали перед камерами на несколько минут, чтобы получить чёткое изображение. Фотографию хвалили за исключительную реалистичность и достоверность, однако не воспринимали как искусство. Переломный момент случился в 1888 году: Kodak выпустил первый фотоаппарат с плёнкой на сто кадров и открыл пункт печати снимков. Тогда родился знаменитый рекламный слоган, который положил начало широкому распространению любительской фотографии: “Нажмите кнопку — мы сделаем всё остальное”.
Теперь снимать мог каждый. На фотографии запечатлевали родных, друзей, семейные события. Любители, не знавшие правил и не скованные традициями и модой, следовали лишь собственному вкусу и воображению. Постепенно оформилась мысль: фотография может выразить чувства и думы автора. Это искусство, та же живопись, но вместо кисти в руках художника — камера. Для таких творцов проблемой стала реалистичность и достоверность, из-за которой снимки воспринимали как документы, отпечатки пальцев. Они желали возвести фотографию в ранг искусства. Заимствовали сюжеты и особенности стиля у современных художников. От импрессионистов — стремление передать мимолётность, впечатление через смазанность, нечёткость. От прерафаэлитов — мягкие контуры, символичность, культ женской красоты и охряные оттенки картин эпохи Возрождения. Снимали утро в сосновом лесу или морской закат, создавали идеализированный мир. Старались сделать фотографию оригинальной и запоминающейся. Например, чтобы добиться эффекта дымки, мазали объектив маслом или использовали оптику с мягким фокусом. Отпечатанные снимки дорабатывали углём или солями серебра. Чтобы придать ещё больше индивидуальности, экспериментировали с плёнкой, проявкой, бумагой и техникой наложения изображения.
Так родилась пикториальная фотография. Она была нечёткой, визуально красивой, эмоциональной и не несла социального подтекста. Её ярким представителем в Англии был Александр Кейгли, во Франции — Робер Демаши, в США — Клэренс Х. Уайт, Эдвард Штайхен и Альфред Стиглиц. К сожалению, английским и французским авторам не удалось популяризовать пикториальную фотографию.
Особенного успеха достиг Альфред Стиглиц. В 1902 году он начал издавать иллюстрированный журнал CameraWork, посвященный фотографии, а в 1905 году открыл Галерею “291” на Пятой авеню в Нью-Йорке. Всё это подействовало на общество. Если первая выставка фотографов в Лондоне в 1892 году вызывала споры, то после 1905 года фотографии уже экспонировались вместе с полотнами Матисса, Ренуара, Сезанна, Мане, Пикассо. Через пару лет Стиглица заинтересовала тема места человека в городе: на смену романтичным изображениям в его творчество пришли урбанистические мотивы. Подобная перемена произошла и с другими фотографами.
К 1917 году пикториализм окончательно сошёл со сцены, а в искусстве актуальным направлением стал модернизм. Отдельные авторы продолжили создавать красивые неконтрастные снимки, напоминающие картины, но их работы перестали нести отпечаток времени. Фотография продолжила своё развитие как искусство. Теперь можно было делать с изображением всё, но ”бум” на доступные камеры прошёл. Фотоаппараты вновь взяли в руки профессионалы и художники, подчиняющие всякую обработку изображения идее.
Так что же осталось в фотографии от пикториализма? Он позволил авторам отображать не объективную реальность, а индивидуальное представление о ней. Возможность использования любых техник создания фотоизображения подарила свободу самовыражения. За прошедшие 100 лет манипуляции с отпечатками, плёнками, оптическими фильтрами и объективами дополнили компьютерные программы. Современные снимки по воле и задумке авторов рассказывают истории об одиночестве, важности доверия, искренности, свободе убеждений, проблемах экологии и отношениях в семье. Художественные фотографии заставляют думать, тосковать, смеяться, плакать, меняться. Не это ли сила искусства?
РОСФОТО Пикториальная фотография из коллекции РОСФОТО
В коллекцию РОСФОТО входит значительное собрание произведений русских мастеров пикториальной фотографии (от pictorial — «изобразительный», «живописный»). Это направление, впервые заявившее о себе в Европе в конце XIX века, в России обрело второе дыхание в 1920–1930-е годы.
Некоторые эстетические концепции построения изображения и сам термин были заимствованы из программной книги английского фотографа Генри Пича Робинсона «Художественный эффект в фотографии», опубликованной в 1869 году:
«Любой обман, трюк и колдовство любого сорта открыты для фотографа <…> Можно сделать очень много и создать прекрасные картины, смешивая в фотографии реальное и искусственное».
Одной из важных предпосылок появления пикториализма стало стремление фотографов к превращению собственной практики в форму творчества, по статусу не уступающую изобразительному искусству. Сознательно уходя от документальности, пикториалисты запечатлевали пейзажи, натюрморты, незамысловатые жанровые сцены. Упрощая композицию и обращаясь к обыденным сюжетам, они утверждали первостепенное значение художественного приема. Пикториалисты использовали простейшие мягкорисующие объективы и специальные фильтры, придававшие изображению характерную атмосферность, намеренно избавляя фотографию от прозаических деталей. Они активно экспериментировали с различными техниками «благородной печати». Все это, наряду с применением рукотворной бумаги — от грубо-фактурной до мягкой японской, давало простор для манипуляций с изображением. Таким образом, в пикториализме произошел решительный перенос акцента со съемки, с негативного процесса, на печать и лабораторную обработку.
В Европе и США пикториализм достиг пика развития в первом десятилетии XX века, и это же время стало началом его заката. Направление, ставшее первым международным течением в области художественной фотографии, скоро превратилось в модное явление, затем — в поле для всевозможных декоративных экспериментов и в 1920-е годы уже утратило свое изначальное содержание.
В русскую фотографию пикторализм пришел через английские, французские и немецкие журналы, благодаря поездкам отечественных фотографов на европейские конкурсы и выставки. Мастера русской пикториальной школы получали золотые и серебряные медали на крупнейших международных выставках и салонах. Однако очевидное несоответствие эстетических принципов пикториализма идеям социалистического искусства привело к тому, что постепенно набиравшая обороты моральная травля фотографов переросла к 1935 году в физические репрессии. Практически все фотографы-пикториалисты лишились права заниматься профессиональной деятельностью, и с конца 1930-х годов для них закрылась возможность выставлять свои работы за рубежом. Но со временем пикториальная эстетика вновь стала актуальной, причем не только в российском контексте, но и в мировом искусстве в целом, а значение отечественной пикториальной фотографии утвердилось окончательно.
Проект «Пикториальная фотография из коллекции РОСФОТО» стал логичным продолжением серии выставок, посвященных важному этапу истории фотографического искусства, который долгое время оставался недооцененным. В 2002 году в РОСФОТО состоялась масштабная выставка русской пикториальной фотографии 1890–1920-х годов из государственных и частных коллекций. В 2011 году — выставка петербургской пикториальной школы, собравшая более сотни работ 25 авторов. В прошлом году в наших залах была показана юбилейная ретроспектива Людмилы Таболиной.
Часть коллекции РОСФОТО, объединившая работы мастеров русского пикториализма 1910–1930-х годов, экспонируется впервые. В проекте представлены авторы, давно занявшие достойное и важное место в истории фотографии:
Сергей Лобовиков (1870–1941), Александр Гринберг (1885–1979), Николай Андреев (1882–1947), Моисей Наппельбаум (1869–1958), Николай Петров (1876–1940), Сергей Иванов-Аллилуев (1891–1979), Абрам Штеренберг (1894–1979), Василий Улитин (1888–1976), Семен Фридлянд (1905–1964)
На выставке можно будет увидеть редкие абстрактные работы ученика Василия Кандинского Михаила Тарханова (1888–1962). Помимо произведений известных и признанных мастеров в экспозицию включена серия лиричных пейзажей (1910-е) неизвестного автора, экспериментировавшего с различными техниками «благородной печати».
РОСФОТО Современный петербургский пикториализм
Понятие «пикториальная» («живописная») фотография было введено в мировую практику в самом конце XIX века. Некоторые эстетические концепции построения изображения и сам термин были заимствованы из программной книги английского фотографа Генри Пича Робинсона «Художественный эффект в фотографии», опубликованной в 1869 году.
«Любой обман, трюк и колдовство любого сорта открыты для фотографа <…> Можно сделать очень много и создать прекрасные картины, смешивая в фотографии реальное и искусственное», – писал Робинсон.
Используя специальные позитивные процессы печати (технический пикториализм), фотографы добивались особой выразительности изображения. Мягкорисущие объективы позволяли cнизить детализацию. Излюбленный пикториалистами монокль (простейший объектив, состоящий из одной вогнуто-выпуклой линзы) сделал возможным создание обобщенных, расплывчатых образов при сохранении резкости контуров изображения (оптический пикториализм). Для приверженцев этого направления фотография стала творчеством, базирующимся на законах живописи, на ее традициях и опыте; они подняли светопись до уровня высокого искусства. Этим обусловлен довольно узкий круг сюжетов, к которым обращались пикториалисты. Сознательно уходя от документальности, характерной для бытовой фотографии, они запечатлевали пейзажи, натюрморты, незамысловатые жанровые сцены. Упрощая композицию и обращаясь к привычным сюжетам, мастера пикториализма утвердили первостепенное значение художественного приема.
Направление быстро обрело популярность, что позволило ему стать первым международным течением в области художественной фотографии. Это стало и началом заката пикториальной фотографии, сначала превратившейся в модное явление, затем ставшей полем для всевозможных декоративных экспериментов и, наконец, утратившей свое изначальное содержание, которое возрождается сегодня в новых технологиях.
Участники выставки используют в своем творчестве опыт мастеров прошлого века и продолжают их поиски. Здесь показаны разнообразные примеры современного пикториализма — уникального явления, существующего в эпоху стремительно развивающихся технологий. Произведения, объединенные эстетикой «живописной» фотографии, указывают на то, что старинные способы печати не исчерпаны сегодня как с технической, так и с художественной точки зрения. В то же время эти работы, собранные в пространстве одной экспозиции, представляют индивидуальные и подчас антагонистичные интерпретации «пикториального» метода, обусловленные разностью авторских позиций в понимании фотографии как вида искусства.
Мария Гаврильчик
Куратор выставки: Игорь Лебедев
Участники: Людмила Таболина, Наталья Заруцкая, Наталья Захарова, Мадина Астахова, Алла Полетаева, Александр Черногривов, Олег Журавлев, Елена Михновская, Надежда Кузнецова, Артур Ионаускас, Владимир Брыляков, Александр Дымников, Станислав Хвалин, Игорь Лебедев, Сергей Свешников, Елена Скибицкая, Артемий Сысоев, Андрей Полушкин, Сергей Щербаков, Виктория Сергиеня, Ася Немченок, Виталий Смирнов, Егор Начинкин, Игорь Брякилев, Алексей Алексеев
история Леонида Шокина в фотовыпуске журнала «Тверьлайф»
Дорогие читатели, мы рады презентовать специальный выпуск журнала «Тверьлайф». Это настоящая услада для глаз.На страницах журнала собраны работы и тексты самых известных фотографов страны, все они связаны с Тверской областью.
Забытый классик. Именно так чаще всего называют кимрского фотографа Леонида Шокина.
Сейчас его фотографии легко найти на просторах Всемирной паутины в различных подборках: «Лучшие фото века», «Лучшие русские фотографии», «ТОП фото тридцатых годов»… Без его работ давно не обходится и ни одна серьезная выставка советских фотографий. Но это сейчас, когда автора уже нет с нами, и его место в истории никем не оспаривается. А при жизни великий фотограф вовсе не был избалован признанием и почетом: Леонид Шокин творил, работал, жил и умер скромно, неприметно. Большинству кимряков и в голову не приходило, что рядом с ними живет гений… «Забытый классик» – в таком печальном ранге вошел в историю фотографии этот удивительный человек.
Успех «с первой фотографии»
Леонид Шокин родился 13 апреля 1896 года в семье обувщика в селе Кимры (Тверская губерния). Фамилия в Кимрах известная: династия Шокиных была, по оценкам краеведов, одна из самых многочисленных в городе.
Вот что вспоминает о его первых шагах в фотографии младший брат Леонида, Макарий Шокин (в будущем – знаменитый кимрский пейзажист, ученик Василия Кандинского и Абрама Архипова):
«В 1913 году, когда моему старшему брату Леониду исполнилось пятнадцать лет, в день его рождения родители подарили фотоаппарат. Это событие имело далеко идущие последствия для всей его будущей жизни. Первые же достигнутые успехи в технике фотографирования и получения снимков были знаменательными. В популярном еженедельном журнале «Огонек» за 1913 год была напечатана фотография, которую брат туда послал. Снимок отображал любопытное явление: увлечение сельской молодежи футболом – спортивной игрой, только что возникшей и развивавшейся в крупных населенных пунктах (и то не везде). Группа мальчиков села Кимры слепила снеговика с надписью на нем «Футболист». В этой группе был и я, тринадцатилетний мальчик, со своими школьными товарищами, увлекающимися новоявленной спортивной игрой, открытой для них учителем в 1911 году».
В 1915 году Леонида Шокина призвали в действующую армию. Там он получил назначение в Украинский пехотный полк, где стал полковым фотографом. Так он получил возможность совершенствоваться в фотографическом искусстве в условиях постоянно меняющейся окружающей обстановки и частой смены объектов. После демобилизации ему очень пригодился опыт, полученный именно тогда. К тому времени и его младший брат тоже увлекся любительской фотосъемкой.
Кимрское фотографическое общество
С 1894 года в Москве действовало Русское фотографическое общество – крупнейший в истории Российской империи творческий союз профессиональных фотографов и фотографов-любителей. К началу Первой мировой войны в нем насчитывалось около полутора тысяч членов, помимо москвиче в обществе состояли и жители Московской области, и Санкт-Петербурга, и представители провинциальных губерний. На заседаниях общества выступали известнейшие в то время ученые – такие, например, как Николай Жуковский, Николай Умов, Климент Тимирязев, Николай Зелинский. С 1908-го по 1918 год силами РФО издавался ежемесячный журнал «Вестник фотографии» с иллюстрированным приложением. Кстати, братья Шокины всю жизнь собирали библиотеку, в которой помимо художественной литературы были новейшие издания по фотографии и искусству. До войны Леонид выписывал «Вестник фотографии», собрав несколько годовых комплектов.
И, возможно, не случайно в последний год выхода журнала, 1918-й, в Кимрах по инициативе Леонида Шокина создается местное общество фотографов. Среди кимрской молодежи были фотолюбители, откликнувшиеся на призыв вместе изучать и осваивать искусство фотографии. Как отмечает в своих воспоминаниях Макарий Шокин, это общество было «немногочисленно по составу, но результативно по работам». Молодые люди проводили занятия по изучению основ композиции кадра, анализировали известные произведения искусства, чтобы постичь законы художественного формообразования, устраивали тематические конкурсы и выставки.
Фотографическое общество просуществовало в Кимрах сравнительно недолго, но успело организовать несколько крупных выставок с участием известных фотографов из Москвы. Макарий Шокин в то время уже учился в Москве, в Свободных художественных мастерских, и, благодаря дружбе с редактором фотожурнала, имел возможность приглашать к участию в кимрских выставках «звезд» фотографии. Так кимряки смогли увидеть работы Юрия Ерёмина (начальника фотолаборатории Московского уголовного розыска и основателя фотографического объединения «Сецессион»), Моисея Наппельбаума (советского фотоклассика, фотографировавшего Ленина и создавшего собственную творческую манеру исполнения студийного фотопортрета) и Николая Свищева-Паола (владельца популярной фотостудии на Кузнецком мосту и изобретателя метода фотографии на стекле и фарфоре). «Я посетил их студии и познакомился с ними и с обстановкой, в которой протекала их работа, – вспоминает Макарий Шокин. – Это были общительные люди, они беспрекословно согласились дать на нашу выставку некоторое количество прекрасных фотографий». Творческое сотрудничество стало началом дружбы, и в летние сезоны маститые фотографы приезжали в Кимры, в гости к братьям Шокиным, поискать сюжеты для фото среди ландшафтов кимрской природы.
Фотограф международного класса
С художественной точки зрения творчество Леонида Шокина можно разделить на два этапа – пикториализм и советская репортажная фотография. Пикториализм — это направление в европейской и американской фотографии второй половины XIX — начала XX вв. Главная особенность – использование изобразительных и технических приемов, сближающих фотографию с живописью и графикой импрессионизма, символизма, модерна, живописи прерафаэлитов. Фотографы-пикториалисты использовали мягкий фокус, мягкорисующие объективы, фильтры, обработку позитива бихроматами, солями серебра. Эксперты отмечают, что для фотографий Шокина 1915-1928 годов характерна серая тональность, приглушенный блеск бархата снежных просторов и металла зимнего неба, незамысловатый мотив ограды и богатство солнечных бликов вокруг нее.
В 1922 году в Москве прошла Всероссийская выставка художественной фотографии, в которой участвовал коллектив Кимрского фотографического общества. Работы Леонида Шокина были отмечены дипломом за высокое качество. Другой диплом был выдан Кимрскому фотографическому обществу за работы одиннадцати фотографов, отмеченные похвальным отзывом экспертной комиссии выставки. Год спустя в Кимрах была организована юбилейная выставка, посвященная пятилетию Кимрского фотографического общества, и в том же году Леонид Шокин стал призером Всероссийской выставки художественной промышленности, организованной РФО в Москве. А в 1924 году на конкурсной выставке РФО Шокин получил диплом первой степени за работу «Пейзаж». Так перед кимрским фотографом открылись блестящие перспективы: его начали приглашать на выставки международного уровня. Шокин стал участником многих зарубежных выставок во Франции, Англии, Бельгии, США, где его работы получали восторженные отзывы, а за фотоэкспозицию в Канаде мастер был награжден именной бронзовой медалью. Также он получил почетный диплом на на выставке «10 лет советской фотографии», организованной государственной Академией художественных наук.
Жизнь в объективе
… А потом все резко закончилось. «Времена не выбирают», – пишет поэт Кушнер. Экономическая ситуация, сложившаяся в стране после революции, не позволяла провинциальным фотографам зарабатывать на жизнь художественной фотографией. В Кимрах тоже не было соответствующего социального заказа, и в середине 1920-х Леонид Шокин стал газетным репортером. Работая в местной кимрской газете (а также будучи фотокорреспондентом треста «Союзфото» и «Союзкинохроники»), он создает россыпь фотопортретов своих современников, но прежде всего – портрет своего города во времена исторических изменений: сноса храмов, комсомольских субботников и выступлений за рабочую неделю без выходных, продразверстки. Тогда казалось, это быт, будни, и зря Шокин тратит время, фиксируя жизнь вокруг. А потом по прошествии времени стало ясно: вот подлинный портрет эпохи, настоящий эпос о беге времени и маленьком человеке в этом непростом XX веке.
Портреты событий у Шокина объективны, протокольно-документальны и обобщены как масштабные художественные полотна своего времени. В отличие от столичных фотографов, живущих схваченными мгновениями, эпизодами, Шокин вновь и вновь возвращается десятилетиями к одним и тем же местам, к одним и тем же лицам, фиксируя ход истории, времени. У Шокина человек – житель будней. Эксперты отмечают точность и глубокий психологизм фотопортретов. Это мир стариков и детей, работниц и крестьянок, кинотеатров, устроенных в развенчанных храмах, это подробности восстановления огромной страны после разрухи силами тех, кто выжил. Интересно, что не забросил Шокин и пейзажное направление. Он много и с удовольствием фотографировал виды на Волгу – снимков великой русской реки у него в итоге насчитывается больше трех тысяч.
На Волге же состоялась памятная встреча Леонида Шокина с писателем Максимом Горьким. Это случилось на пароходе линии «Астрахань – Новгород». Фотограф получил возможность фотографировать советского классика в течение целой недели и за это время очень подружился с сыном писателя, который тоже увлекался фотографией. А ещё в домашнем архиве Шокиных хранится мартовский номер журнала «Огонек» за 1930 год. На обложке – снимок, сделанный Леонидом Шокиным. На снимке – «всесоюзный староста» Михаил Иванович Калинин. Фотограф запечатлел его во время открытия Народного Дома в деревне Верхняя Троица, на малой родине политика.
А потом была война и большая личная трагедия. Осенью 1941 года, когда началось наступление немцев на Москву, фотограф по требованию НКВД был вынужден уничтожить больше пяти тысяч своих фотографий. Это было связано с военным положением и близостью Кимр к основной линии фронта: ничего не поделаешь. Вскоре Леонид уходит на фронт, где становится заведующим фотолабораторией, а затем фотографом аэрофотосъемки разведывательной авиации. За годы Великой Отечественной войны Шокин сделал больше двадцати пяти тысяч снимков, был удостоен медалей «За боевые заслуги» и «За взятие Кенигсберга». А после войны вернулся в родной город, где продолжил заниматься любимым делом.
Умер Леонид Владимирович 3 декабря 1962 года. В Кимрах о нем помнят. А страна и мир только начинают открывать творчество забытого классика, так точно и понятно рассказавшего о времени, в котором жил.
Надежда ТИТОВА
Всё лучшее в журнале “Тверьлайф”!
Культурный радиус
Фотограф Людмила Таболина в гостях у «Тимирязевки»
Весной 2016 года классик моноклевой фотографии Людмила Таболина прочитала в библиотеке им. К. А. Тимирязева три лекции, посвященные истории пикториализма, течению в фотографическом искусстве конца XIX — начала ХХ вв. Мероприятие осуществлялось в рамках библиотечного клуба «Монокль» совместно с Фондом и школой фотографии «Петербургские фотомастерские».
Фотопортрет Л. Таболины. Г. К. Таболина. 1996 г.
– Расскажите, пожалуйста, как Вы начинали свой путь в фотографии?
– Когда я стала студенткой Технологического института, в общежитии в одной комнате со мной оказалась девушка с фотоапаратом. Мы с ней подружились, и через год я тоже обзавелась фотокамерой.
– Вы являетесь автором более 40 персональных выставок и участником более ста групповых проектов. Чему была посвящена Ваша первая персональная фотовыставка?
– Первая персональная выставка была в профкоме Технологического института, и на ней были представлены фотографии из жизни моей родной деревни Ладыгино в Тверской обл.
– Как Вы пришли к идее организации своей фотовыставки?
– Это была не моя инициатива, а членов профкома, которые были в курсе моей увлеченности фотографией.
– По специальности Вы являетесь химиком-технологом. Помогает ли Вам это в фотографии?
– Я занималась изучением нефтяных остатков, которые тяжело разделяются и трудно анализируются. С фотохимией это не связано никак, но помогало понять, что в мире все очень сложно и взаимозависимо.
– Когда и откуда Вы вообще узнали о направлении «пикториализм»? Ведь с начала 1930-х гг. оно было подвергнуто идеологическому разгрому, а его наследие оказалось выведено из художественного обихода на долгий срок.
– В 1991 году я познакомилась с фотографом Георгием Колосовым, который прошел школу московского фотоклуба «Новатор». Организаторами этого клуба были фотографы старой русской школы Александр Владимирович Хлебников и Георгий Николаевич Сошальский. О том времени Колосов вспоминал так: «..В первые годы в клубе, который тогда насчитывал более трехсот членов, секцию натюрморта вел Хлебников, общий фотографический семинар – Сошальский, секцию репортажа – Борис Всеволодович Игнатович, секцию пейзажа – Сергей Кузьмич Иванов-Алилуев. Нередко заглядывали Василий Иванович Улитин и Абрам Петрович Штеренберг. То есть наставников — не классиков там не было! Изобразительная культура – это то единственное, что могли донести до нас учителя, поскольку о свободном творчестве речи быть не могло, особенно в фотографии – пропагандистской машине того времени. Зато фотографическую форму отцы-новаторы укрепили прочно». Георгий Колосов подарил мне монокль и рассказал о пикториальной фотографии. Так появился интерес. Потом в Публичной библиотеке я читала «Вестник фотографии» и другие старые журналы, стала разыскивать статьи о пикториализме в книгах по истории фотографии и т.д.
– Как получилось, что из всех фотографических направлений Вас заинтересовал именно пикториализм?
– Когда мне в руки попал монокль, я поняла, что это та «кисточка», которая рисует мир наиболее адекватно моему восприятию. Так я вместе с моноклем полюбила и оптический пикториализм.
– Можно ли говорить о том, что любая съемка при помощи объектива «монокль» – это уже пикториальная фотография, или это будет большим преувеличением?
– Монокль – это инструмент, а снимает фотограф. Никому не приходит в голову назвать человека художником, потому что он приобрел кисточку и краски. Моноклем можно снять шедевр, а можно просто нерезкую картинку, называемую на жаргоне «мылом».
– Как Вы пришли к идее не только фотографировать, но и преподавать фотографию, в частности, пикториализм? Сложно ли было находить информацию, посвященную его истории?
– Глядя на засилье «мыла» в интернете, я несколько лет назад согласилась вести группы по пикториальной фотографии. И каждую творческую встречу объясняю, что монокль – это резкий объектив. Достойной литературы по фотографии теперь появилось достаточно. Многое доступно в интернете. Так что теперь об истории пикториализма информацию найти не сложно.
– Что Вы порекомендовали бы фотолюбителю почитать о пикториализме?
– В 2002 году издан каталог выставки «Пикториальная фотография в России. 1890-1920-е годы» (М. Арт-Родник). То же издательство начало выпускать серию альбомов «Фотографическое наследие», посвященных и фотографам пикториального направления. В 2005 году Московский дом фотографии издал каталог выставки «Тихое сопротивление. Русский пикториализм 1900-1930 годов». Если перечислять все, что было выпущено в последние 20 лет на эту тему, места не хватит.
– Как Вы считаете, какие именно книги по фотографии должны быть в библиотеке, если ее специализация – «фотография»?
– Кроме литературы по технике фотографии должна быть литература по истории фотографии и мировоззренческого характера. Должны быть Сьюзен Сонтаг, Джон Берджер, Вальтер Бельямин , Ролан Барт, Джон Бергер и др.
– Как библиотекари, мы не можем пройти мимо Вашего фотопроекта «Паломничество по литературным местам». Как Вы пришли к его идее?
– Проект рождался постепенно и стихийно. В Пушкинские горы меня пригласили друзья, из сотрудничества с музеями Ф. М. Достоевского, В. В. Набокова и А. А. Ахматовой родились остальные проекты.
– По какому принципу Вы отбирали поэтов и писателей для Вашего фотопроекта? Почему из всех классиков – именно А. А. Ахматову, А. С. Пушикина, Ф. М. Достоевского и В. В. Набокова?
– Потому что я именно их люблю и понимаю больше всего
– Планируете ли Вы продолжать Ваш проект или Вы считаете его завершенным?
– Никогда не знаешь, что будет завтра.
– Что Вы пожелали бы нашим фотографам-читателям?
– Снимать не то, что видишь, а то, что ищешь. Это мысль Георгия Колосова, и я с ней согласна.
Материал подготовила
Ирина Иванова,
сотрудник библиотеки им. К.А. Тимирязева
фотографии в стиле традиционной китайской живописи
Китайский художник и фотограф Дун Хун-Оай родился в 1929 году, а скончался в 2004 году в возрасте 75 лет. Он оставил после себя невероятные работы, созданные в стиле пикториализма, — удивительные фотографии, похожие на произведения традиционной китайской живописи. Ниже вы найдете небольшую коллекцию этих изумительных фотографий.
1. Дун Хун-Оай родился в 1929 году в городе Гуанчжоу, провинции Гуандун, Китай. Он уехал из страны в семь лет после неожиданной смерти своих родителей.
2. Как самый младший из 24 детей, Дун отправился жить в китайское сообщество в Сайгоне, Вьетнам. Позже он несколько раз посещал Китай, но больше никогда не жил в этой стране.
3. По прибытии в Сайгон Дун стал учеником студии фотографии китайских иммигрантов. Там он научился основам фотографии. Он также полюбил фотографировать природу, что и делал часто с помощью одного из фотоаппаратов из студии. В 1950 году в возрасте 21 года он поступил во Вьетнамский национальный художественный университет.
4. В 1979 году между социалистической Республикой Вьетнама и Китайской народной республикой открылась кровавая граница. Вьетнамское правительство начало репрессивную политику в отношении этнических китайцев, проживающих на территории страны. В результате, Дун стал одним из миллионов «лодочников», которые бежали из Вьетнама в конце 70-ых — начале 80-ых.
5. В возрасте 50 лет, не зная английского и не имея никого из родных и друзей в США, Дун прибыл в Сан-Франциско. Он даже смог приобрести небольшую комнату для проявления фотографий.
6. Продавая свои фотографии на местных уличных ярмарках, Дун смог заработать достаточно денег, чтобы периодически возвращаться в Китай, чтобы пофотографировать.
7. Более того, ему представилась возможность некоторое время обучаться под руководством Лун Чин-Саня в Тайване.
8. Лун Чин-Сань, скончавшийся в 1995 году в возрасте 104 лет, разработал стиль фотографии на основе традиционного китайского изображения природы.
9. Веками китайские художники создавали величественные монохроматические пейзажи, используя простые кисти и чернила.
10. Эти картины не должны были изображать природу в точности, они должны были передать эмоциональную атмосферу природы. В последние годы империи Сун и в начале империи Юань художники начали сочетать три на одном холсте разных формы искусства… поэзию, каллиграфию и живопись.
11. Считалось, что этот синтез форм позволял художнику полностью выразить себя.
12. Лун Чин-Сань, родившийся в 1891 году, учился именно этой классической традиции в живописи. В какой-то момент своей долгой карьеры Лун начал экспериментировать с передачей импрессионистского стиля искусства на фотографию.
13. Сохранив многоуровневый подход к масштабу, он развил метод расслоения негативов, которые соответствовали трем уровням отдаленности. Лун научил этому методу Дуна.
14. Пытаясь еще ближе имитировать традиционный китайский стиль, Дун добавил к фотографиям каллиграфию.
15. Новые работы Дуна, созданные на основе древней китайской живописи, начали привлекать внимание критиков в 1990-х.
16. Ему больше не нужно было продавать свои фотографии на уличных ярмарках; теперь его представлял агент, а его работы начали продавать в галереях по всей территории США, в Европе и Азии.
17. Ему больше не пришлось зависеть от отдельных клиентов; его работы теперь были востребованы не только частными коллекционерами произведений искусства, но и корпоративными покупателями и музеями. Ему было около 60, когда он впервые в жизни достиг какого-то уровня финансового успеха.
18. Пикториализм — это движение в фотографии, появившееся около 1885 года после обширного представления процесса фотографии на неувлажненной печатной форме. Своего пика движение достигло в самом начале 20-го века, а период спада пришелся на 1914 год, после появления и распространения модернизма.
19. Термины «пикториализм» и «пикториалист» стали широко применяться после 1900 года.
20. Пикториализм соприкасается с идеей, что художественная фотография должна имитировать живопись и гравюру того века.
21. Большинство таких фотографий были черно-белыми или в оттенках сепии. Среди использовавшихся способов были: неустойчивый фокус, особые фильтры и просветление линзы, а также экзотические процессы печатания.
22. С 1898 года к репертуару добавилась печатная бумага с грубой поверхностью. Некоторые фотографы «гравировали» поверхность своих фото с помощью тонких иголок.
23. Целью подобных техник было достичь «личного выражения автора».
24. Несмотря на эту цель самовыражения, лучшие из таких фотографий шли параллельно со стилем импрессиониста, а не в ногу с современной живописью.
25. Оглядываясь назад, можно также увидеть близкую параллель между композицией и живописным объектом жанровых картин и фотографий в стиле пикториализма.
Из: Bigpicture
Живопись и прямая фотография — г-жа Вакалис
Цели:
Уметь объяснить движения пикториализма и прямой фотографии.
Вы собираетесь использовать свои фотографии, чтобы сделать фотографию в стиле пикториализма и прямой фотографии.
Узнайте, как общество повлияло на фотографию как искусство.
Узнайте, как развивались и появлялись стили фотографии.
Во время Блока 1 «Фотографии с отверстиями» вы рассмотрели два разных стиля фотографии: пикториализм и прямую фотографию
Пикториализм
Почему это произошло?
Примерно в конце 1800-х годов камеры стали доступны для широкой публики.Это заставило фотографов задуматься о своей фотографии, которую они считали искусством. Они хотели, чтобы люди воспринимали их фотографии как произведения искусства, а не как «моментальные снимки», которые делает большинство людей.
Что это?
Пикториалисты считали, что если фотография должна считаться искусством, она должна делать больше, чем просто записывать информацию; Пикториалисты решили, что если фотография должна считаться «изящным искусством», то фотография должна быть более доступной, чем другие формы искусства.Они выбрали название «пикториалисты», чтобы напоминать людям их картины, такие как рисунки и картины.
Какие фото они сделали?
Пикториалисты пытались создать фотографии, которые, казалось, имитировали другие устоявшиеся формы искусства, такие как рисунок и картины. Они пытались манипулировать своими фотографиями с мягким фокусом, чтобы сделать фотографии больше похожими на рисунки и картины. Эти фотографы часто выбирали очень традиционные «художественные» предметы, такие как пейзажи и портреты.
Фотографии ниже — примеры пикториализма.
R. Demachy 1904 | R. Demachy 1904 | G. Seely 1907 | Современный пример стиля пикториализма Л. Блэквуда |
Зачем это нужно развивать?
Фотографии ниже являются примерами прямой фотографии . Этот стиль был ответом на стиль пикториализма.К этому времени камеры стали меньше и мобильнее, время экспозиции могло быть короче. Эти разработки позволили фотографам снимать в самых разных местах.
Что это?
Некоторые фотографы чувствовали фотографию как таковую, без каких-либо манипуляций, было искусством. Они считали, что фотографии не обязательно должны выглядеть как картины или рисунки, чтобы считаться искусством. Их стиль был назван «прямой фотографией», чтобы указать на отсутствие манипуляций с фотографиями.
Какие фото они сделали?
Эти фотографы думали, что фотографии могут быть искусными из-за того, какой предмет выбрал фотограф и как фотограф использовал композицию, точку обзора и свет. Эти фотографы начали снимать обычные предметы, такие как растения, фрукты и предметы домашнего обихода. Их фотографии, как правило, были очень четко сфокусированы с широким диапазоном значений, всегда включая чистый черный и чистый белый. Если они действительно снимали традиционные предметы, такие как пейзажи и портреты, фотографии не обрабатывались так, чтобы они выглядели как рисунок картины.
И. Каннингем 1957 | И. Каннингем 1929 | Э. Уэстон 1930 | Э. Уэстон 1930 |
определение пикториализма в Free Dictionary
Эта бедная, непонятная работа на самом деле является шедевром музыкальной живописи, и это выступление Тасмин Литтл и радостно свежо звучащего Оркестра Лебедя сделало ее яркой и новой. Аркадий «может показаться нехарактерной интермедией в этой книге, которая в основном распространяется по всей Европе, но оказывается решающей.Однако он подчеркивает важность китайских иммигрантов в развитии фотографии с начала двадцатого века и последующее господство пикториализма или «салонной фотографии» в фотографической практике и в самих фотографиях вплоть до конца 1970-х годов. выпить пару полосатых вишневых восходов, прекрасно зная, что такая пышная изобразительность только показывает уродливость человеческих действий, совершенных на переднем плане. Он никогда не был особенно интригующим, слава богу, но эта история влечет за собой повороты и повороты, требующие структурного и подтекстового лукавство — хичкоковские повороты и финты, которые играют второстепенную роль в настроении, тональности и экстравагантной выразительной живописи.Ривьер снова столкнулась со странной живописностью «Накоплений Армана» в 1961 году, когда она провела обзор двух реалистических выставок в Париже, на которых присутствовали его работы. В течение первого десятилетия века с принцем, ныне королем, де Мейер охватил две страсти: смешаться с эдвардианской элитой и посвятив себя искусству пикториализма, заметному движению в фотографии с 1890-х годов до Первой мировой войны, когда фотографы пытались довести свои изображения до уровня изобразительного искусства. Бери отказался от пикториализма в пользу «скульптурного символизма, интуитивного и интуитивного. в конечном итоге метатеатрический.В этой главе обсуждается режиссерский и дизайнерский вклад Питера Брука, чья работа в Королевской шекспировской труппе в конечном итоге повлияла на его новаторскую книгу «Пустое пространство». В ней исследуется, как устойчивая традиция «пикториализма» или «салонной фотографии» повлияла на практикующих В течение долгого времени, отслеживая появление документальной фотографии и проблемные отношения между фотографией и изобразительным искусством, она приняла новую технологию портативных фотоаппаратов и новаторские техники изобразительного искусства.Фотографы-живописцы не использовали камеру для записи момента времени, например портрета или особого события, а скорее отображали объект, реквизит и окружающую среду для создания художественного, эмоционального изображения. В идеале благодаря конструкции, основанной на объективе Chevalier, созданном для камеры Луи Дагера, объектив Lomography Art Achromat 64mm f / 2.9 объединяет систему диафрагмы Waterhouse, которая дает возможность создавать самые разные боке, а сам объектив может фокусировать резкость как бритва или шелковисто-мягкий, для изображения живописи в стиле, напоминающем фотографические работы Эдварда Стейхена.Определение пикториализма Merriam-Webster
pic · to · ri · al · ism | \ pik-ˈtȯr-ē-ə-ˌli-zəm \ 1 : использование или создание картинок или визуальных образов 2 : движение или техника в фотографии, подчеркивающая искусственные, часто романтизированные живописные качества.PechaKucha Summary — Пикториализм в фотографии
Живопись в фотографии
——————————————
Есть два определения пикториализма:
Пикториализм — это название, данное международному движению, которое доминировало в фотографии в конце 19 — начале 20 веков.
Или это относится к стилю, в котором фотограф каким-то образом манипулировал тем, что в противном случае было бы простой фотографией, как средством «создания» изображения, а не просто его записи.
Обычно это отсутствие резкости; ассортимент в разных цветах; манипулируют на поверхности…
—————————————————————————————————————————————————— —
Один из способов, который использовали фотографы-живописцы, чтобы выразить свои эмоции, — это акцентировать внимание на атмосферных элементах.
- Альфред Штиглиц считает, что «Атмосфера — это среда, через которую мы видим все». За свою 50-летнюю карьеру он всегда пытался сделать фотографию общепринятым искусством.
Весенние дожди Терминал Венецианского канала
по Альфреду Штиглицу, 1902 по Альфреду Штиглицу, 1893 по Альфреду Штиглицу, 1894
Фотографы-фотохудожники передали в своих фотографиях ощущение таинственности, оставили возможности для проявления воображения.
- Эдвард Стейхен был наиболее часто показываемым фотографом в журнале Альфреда Штиглица Camera Work. Он не любил меловой оттенок при дневном свете, умел фотографировать при свете луны.
Пруд — Восход луны Силуэт 4:00 Навстречу свету, полночь
Эдвард Дж. Стейхен, 1904 Эдвард Дж. Стейхен, 1908 Эдвард Дж. Стайхен 1908
Фотографы-фотохудожники использовали различные химические процессы для обработки отпечатков.Наиболее часто используемые процессы — это печать платины и бихромат камеди. Фотографии напечатаны в одном или нескольких цветах, кроме черного и белого, от теплого коричневого до темно-синего.
Здание Роуз Флэтайрон Бросок кольца
Ева Уотсон-Шютце, 1905 Эдвард Штайхен, 1904 Кларенс Х. Уайт, 1899
Вместо того, чтобы показывать реальность без художественной интерпретации, живописец продвигал фотографию как форму искусства.
—————————————————————————————————————————————————— —
Ресурсов:
https://en.wikipedia.org/wiki/Pictorialism
https://www.metmuseum.org
https://nmwa.org/explore/artist-profiles/eva-watson-schutze
Первые шаги к модернизму в японской фотографии
Издававшийся в период с 1922 по 1926 год, Hakuyō был ежемесячным журналом Японской ассоциации фотографического искусства ( Nihon Kōga Geijutsu Kyōkai ), первой национальной японской организации, занимающейся «художественной фотографией» (). гейдзюцу шашин ) как его фокус.Именно на страницах этого журнала художественная эволюция от традиционного пикториализма к модернистскому экспрессионизму в японской фотографии задокументирована как с помощью изображений, так и с помощью эссе о среде самих художников. Из-за этого Hakuyō считается одним из самых исторически важных фотографических изданий Японии.
Обложка первого выпуска Hakuy за 1922 год.
Хотя относительно небольшое количество копий Hakuyō сохранилось, Библиотеке Маркуанда удалось приобрести 17 оригинальных выпусков, включая специальный каталог первой выставки работ членов Ассоциации, состоявшейся в 1923 году (см. Ниже).Это позволяет нам лучше понять развитие сериала, чем это было возможно раньше. Например, ранние выпуски журнала уникальны по размеру, форме и очень современным западным изображениям, напечатанным на их обложках. Однако в 1924 году размеры журнала стали единообразными, и к 1925 году обложки были напечатаны с идентичным рисунком женщины, играющей на гитаре, на разноцветной жесткой бумаге (см. Выше). Все выпуски этой публикации красиво оформлены, украшены печатными рисунками на страницах текста и заполнены мелко напечатанными коллотипами, которые были добавлены.
Рисунок на задней обложке Тома 2, № 10
Том 2, № 10 (1922)
Том 3, вып. 7 (1924)
Том 3, вып. 7 (1924)
Оформление задних обложек выпусков 1925 года
Том 4, № 10 (1925)
И Hakuy, и Японская ассоциация фотографического искусства (JPAA) были основаны примерно в одно время фотографом Фучиками Хакуйо (1889-1960), который владел фотостудией в городе Кобе.Считается, что организация была сформирована вокруг выпуска первого выпуска Hakuy в 1922 году, хотя большинство фотографий в нем принадлежат Hakuy.
В целом, японские фотографы этого периода находились под сильным влиянием Запада, особенно пикториализма, движения, зародившегося в Европе в конце девятнадцатого века. Пикториалисты избегали документального аспекта фотографии и пытались сделать свои фотографии больше похожими на картины.Их портреты и изображения природы были задуманы в полутонах и с мягким фокусом. Также были предприняты попытки улучшить текстуру фотографий, чтобы придать им живописное ощущение. Эта визуальная связь между живописью и фотографией особенно привлекала японских фотографов, которые в начале 20-го века в Японии пытались превратить фотографию в изобразительное искусство. Следовательно, мы видим, что эти фотографы используют стиль пикториализма в более ранних выпусках и в каталоге групповой выставки JPAA 1923 года (см. Каталог ниже).Как и другие художники в Японии, Фучиками и его коллеги-арт-фотографы также избегали термина «профессиональный» и его коммерческого значения и называли себя «продвинутыми любителями».
Фучиками Хакуйо (1889-1960), Иностранцы на улице в полдень Хакуйо, Том 1, № 1 (1922) Эта фотография, выполненная в стиле западной пикториализма, типична для работ Фучиками до 1925 года. Пояснительные примечания на форзаце указывают, что он был сделан в марте 1922 года в районе Китано города Кобе.Это был район города, населенный иностранными жителями, и до сих пор он известен своей архитектурой в западном стиле.
Фучиками Хакуйо (1889-1960), Старик Хакуйо, Том 1, № 1 (1922)
К 1925 году изображения, появившиеся в Hakuy , сильно отличались. Фотография JPAA превратилась в новый вид модернистского экспрессионизма под влиянием западного конструктивизма и меняющейся городской среды. Удивительно, но это было не случайное развитие событий со временем, а поворот судьбы, вызванный стихийным бедствием.
Мацуо Сайгоро (1905–1956) Этюд № 1 Хакуйо, Том 5, № 6 (1926) Городской пейзаж был популярной темой конструктивизма.
Великое землетрясение Канто, разрушившее столицу Японии Токио в 1923 году, вынудило художников группы MAVO переехать в западную Японию. Под сильным влиянием европейских авангардных движений, таких как футуризм, дадаизм и конструктивизм, MAVO возглавил новые художественные движения в Японии. Теперь, недавно поселившись в районе Кобе, члены группы MAVO столкнулись с Фучиками Хакюё и JPAA.Их обмен идеями привел к рождению школы японского конструктивизма ( kōsei-ha ).
На страницах Hakuyō четко задокументированы преобразования, произошедшие в фотографии за следующие несколько лет. Мы видим отход от условностей пикториализма и движение к более абстрактным представлениям о красоте, которые можно найти в искусственных мотивах и городских пейзажах. К 1925 году в эссе художника, сопровождающем картины, фотография описывалась как произведение абстрактного искусства.Сам Фучиками в статье под названием «Впечатления, натюрморты» ( Kansō seibutsu ) в выпуске 1925 года журнала Hakuyō [vol. 4, вып. 1] заявляет, что «конечная причина для наблюдения за природой состоит в том, чтобы обнаружить эмоциональные качества абстрактной природы».
Цусака Дзюн (1900-1963), Мост в Хакуйо, Том 5, № 6 (1926) Цусака Дзюн был одним из первых членов Японской ассоциации фотографического искусства в 1923 году. Он изучал фотографию, работая на верфях Кобе и авиастроительный завод в Нагое.Как и другие члены ассоциации, в его ранних работах использовались традиционные предметы, сфотографированные в мягком фокусе. Однако в 1925 году, вдохновленный Фучиками Хакуйо, Цусака присоединился к движению Конструктивистской школы и отказался от исследований природы и портретов, чтобы стать одним из самых известных японских фотографов-авангардистов. На этой фотографии, которая считается визитной карточкой конструкционизма, Цусака рассматривает свой объект — городской пейзаж — как абстрактную конструкцию.
Конструктивистская фотография достигла своего пика в 1925 году благодаря Фучиками и другим фотографам, таким как Цусака Джун, Мацуо Сайгоро, Такада Минёси и Кара Такеши.Однако ученые предполагают, что в следующем году Фучиками начал дистанцироваться от конструктивизма и в сентябре 1926 года прекратил производство Hakuy . Тем не менее, как заметила Энн Уилкс Такер в книге История японской фотографии , эти фотографы-конструктивисты «проложили путь к модернизму» в японской фотографии.
Несмотря на эфемерный характер журнала в целом и быстротечность старых фотографий, нам повезло, что эти выпуски Hakuyō сохранились, чтобы документировать японскую фотографию 1920-х годов и ее первые шаги к модернизму.
Фучиками Хакуйо (1889-1960), Круг и человеческое тело Хакуйо, Том 5, № 6 (1926) Хакуйо отдавал предпочтение искусственным мотивам в своих конструктивистских работах.
КАТАЛОГ ПЕРВОЙ ВЫСТАВКИ АССОЦИАЦИИ ЯПОНСКОГО ФОТОГРАФИЧЕСКОГО ИСКУССТВА
Кога но син-кэнкю [Новые исследования в фотографии]
Осака-ши: Осака Майнити Синбунша, Тайсё 12 (1923)
(SAX) TR654.A165 1923
Обложка каталога
Этот том, опубликованный как специальный выпуск журнала Hakuyō в ноябре 1923 года, представляет собой каталог первой выставки Японской ассоциации фотографического искусства.Спонсором выставки выступило газетное издательство Osaka Mainichi Shinbunsha, и на ней представлены работы, в значительной степени вдохновленные западным пикториализмом.
Такада Минаёси (1899–1982), «Отходящие лодки» Хотя его творчество было основано на стиле пикториализма, изображенном на этой фотографии 1923 года, Такада позже стал одним из ведущих сторонников конструктивизма.
Кагияма Ичиро (активен с 1906 г. — после 1941 г.), озеро (болото) Как кажется, имитация текстуры картин была важным аспектом японского пикториализма.Мало что известно о «любительских» работах Кагиямы, который провел более 30 лет в Австралии в качестве коммерческого фотографа для живущих там японцев.
Эндрю Сандерсон | Пикториализм — ругательное слово?
Эндрю Сандерсон
Эндрю — фотограф и наставник с более чем 40-летним опытом работы и принтер Ilford Photo Master. Он является ведущим сторонником не только пленки и фотолаборатории, но и единого изображения и, конечно же, важности печати.Он является автором трех книг: «Ночная фотография: практическое руководство»; Домашняя фотография: Вдохновение на пороге; и раскраска рук и альтернативные процессы в темной комнате. Он также самостоятельно опубликовал небольшую книгу о технике негативной фотографии на бумаге, которую можно получить на Blurb. Вы также можете подписаться на него в Instagram
.andrewsanderson.com
Это стиль фотографии, на который вы смотрите свысока? Он связан с определенным периодом, но все еще находится под его влиянием.Я бы посоветовал, чтобы ваша фотография следовала некоторым из тех же принципов, если вы вдумчиво разберетесь с ней. Что вы думаете, когда упоминают стиль фотографии, известный как пикториализм? Это связано с тем, что группа f / 64 назвала «нечеткими ваззи», фотографией, в которой использовалась мягкофокусная оптика и диффузия для придания художественного вида. Этот термин уничижительный и относится к тенденции многих фотографов того времени создавать нерезкие изображения, ошибочно полагая, что это само по себе придает художественную ценность.
Изначальные намерения фотохудожников состояли в том, чтобы имитировать устоявшееся искусство гравюры, рисования углем и т. Д. Таким образом, они предполагали, что фотография будет признана законным искусством. Большая часть работ того периода все еще достаточно хороша, чтобы вызвать у зрителя вздохи трепета, даже несмотря на то, что камеры были грубыми, а печать — трудоемкой. В наши дни технологически мы можем добиться гораздо более высокого качества, но вот что интересно: почему при простоте использования и ошеломляющем качестве современных цифровых фотоаппаратов не осталось миллионов блестящих фотографов?
Эта статья открыта для платных и бесплатных подписчиков, поэтому для доступа требуется как минимум бесплатных подписок .Пожалуйста, посетите страницу подписки для получения дополнительной информации.Обзор / Фотография; Движение, идеализирующее времена удовлетворенности, находит новую пользу
В течение многих лет историки были чуть ли не единственными людьми в фотографии, которые могли сказать что-то хорошее о движении рубежа веков, известном как пикториализм. Фотографы, критики, дилеры и коллекционеры презирали этот стиль, хотя в период его расцвета он привлекал некоторых из самых важных художников в этой среде, включая Альфреда Штиглица, Эдварда Штайхена и Гертруду Касебир.
Но с ее нечеткими отпечатками, изысканной образностью и застенчивой художественностью, пикториалистическая фотография казалась многим людям само определение старомодности. Он воплотил в себе все, что было отвергнуто в 20-е годы модернистскими фотографами, такими как Эдвард Уэстон и Пол Стрэнд, которые подчеркивали резкость изображения предметов, взятых из повседневной жизни.
Сегодня, однако, пикториализм привлекает внимание как ученых, так и торговцев. Свидетельством этого возрождения интереса является «Искусство живописной фотографии 1890-1925», богатая и разносторонняя выставка в Художественном музее Принстонского университета.Выставка, организованная Питером С. Баннеллом, профессором истории фотографии в Принстоне, взята из собственных фондов музея и особенно из коллекции Кларенса Х. Уайта, ведущей фигуры в этом движении. Включая работы как ведущих, так и малоизвестных художников-пикториалистов, он дает ценный шанс пересмотреть это столь оклеветанное движение.
И в выборе предметов, и в их обработке художники подчеркивали тонкую, утонченную чувственность. В спектакле изобилуют мрачные пейзажи и тихие домашние сцены, от исследования Стейхена лесного бассейна в сумерках до «Броса кольца» (1899) Уайта, в котором три девушки в рюшечных платьях бездельничают солнечным днем.
Основная цель пикториализма заключалась в том, чтобы сделать фотографию выразительной формой искусства наравне с любым другим средством. С этой целью многие пикториалисты заимствовали темы и отношения из мучительных, сказочных работ художников, таких как Эдвард Мунк, а также атмосферного японизма Джеймса Эббота Макнил Уистлера.
Женщины занимали центральное место в символическом мировоззрении пикториалистов, олицетворяя как заботливое материнство, так и первобытную силу природы. Одной из причин неуважения к этому движению была его склонность к смехотворно искренним фотографиям душевных женщин, одетых в развевающиеся платья и несущих хрустальные шары.
Как движение, посвященное таким сентиментальным образам, могло считаться важной авангардной тенденцией? Отчасти ответ заключается в том, что пикториалисты воспринимают себя как художников и их преданность движению. В расцвете сил пикториализм был необычайно широким, со своими собственными галереями, группами художников, музейными выставками и публикациями. Выставка в Принстоне включает в себя журналы и каталоги, в которых представлен этот стиль, а также брошюры для школы, которую Уайт много лет работал в Нью-Йорке.
Пикториализм также извлек выгоду из замечательной энергии Штиглица, который не только был лидером Фото-Сецессиона, самой важной американской группы пикториалистов, но также руководил галереей 291 и издавал Camera Work, легендарный журнал движения. Но при всей своей важности Штиглиц ни в коем случае не был единственным живописцем, и одна из сильных сторон выставки состоит в том, что она смещает акцент с него на рассмотрение движения в целом.
Но наибольшее влияние пикториализм оказал на выразительные возможности фотографического процесса.Пикториалисты использовали самые разные устройства и методы в своих попытках имитировать работы в других средствах массовой информации, а также уменьшить зависимость фотографии от механически точных изображений, предоставляемых камерой. Для создания запоминающихся отпечатков использовались специальные линзы с мягким фокусом и обширное меню процессов печати, которые художники могли затем переделывать вручную.
Превосходный каталог к выставке в Принстоне предлагает яркий пример преобразований, которые могут быть достигнуты с помощью этих процессов.Фотография Касебьера, на которой изображен мальчик, стоящий у проселочной дороги, воспроизводится как в виде обычного черно-белого снимка с добавлением краски в некоторых местах, так и в виде прозрачной версии, напечатанной с использованием процесса бихроматной камеди. Пикториалисты также с энтузиазмом приветствовали ранние цветные изображения, известные как автохромы, и несколько фотографий, сделанных Уайтом с помощью этой техники, включены в Принстоне.
Первая мировая война положила конец пикториализму как новаторской силе в фотографии. Многие из ведущих художников движения были богатыми любителями, и довольное буржуазное мировоззрение, воплощенное в стиле, больше не выдерживало ужасов этого конфликта.В ответ на поразительные картины и скульптуры художников-модернистов, таких как Пикассо и Бранкузи, Штиглиц, Штайхен и другие ведущие пикториалисты начали делать акцент на детализированных изображениях предметов, отражающих новую эпоху. Пикториализм стал лишь одним из препятствий, которые модернизм преодолел на своем триумфальном марше к критическому превосходству.
Но теперь, когда сам модернизм признан просто еще одним движением, пикториализм снова стал приемлемым предметом серьезного критического внимания.Ретроспективная выставка, организованная Барбарой Л. Майклс в прошлом году в Музее современного искусства, посвящена творчеству Касебьера, а выставка, открытая в четверг в галерее 292, на Вустер-стрит, 120 в Сохо, представит работы фотографа Сецессионисты.