Рейн 2 андреас гурски: 16 самых дорогих фотографий в мире

Содержание

Андреас Гурски — мастер масштабной фотографии и один из самых высокооплачиваемых фотохудожников мира

Немецкого фотографа Андреаса Гурски (©Andreas Gursky) называют мастером панорамных снимков-картин. Масштабность его работ поражает воображение — это многометровые арт-полотна, за которые сражаются крупнейшие мировые музеи современного искусства. В 2011 году его известнейший снимок Rhine II с рекой Рейн продали с аукциона почти за 4,5 миллиона долларов США.

После рекордной сделки Гурски стал одним из самых высокооплачиваемых фотографов мира. Также дорого продаются и другие его работы. Например, снимок американского магазина сверхдешевых товаров 99 cent II Diptychon «ушел» за более, чем 3,3 миллиона долларов — ее купил украинский миллиардер и ценитель современного искусства Виктор Пинчук. Работы фотографа стабильно растут в цене, а внимание к его творчеству повышается.

Гурски активно использует достижения компьютерной графики для обработки фото, печатает работы размером два-четыре метра по методике C-print, создает с помощью цифровых инструментов пространство большее, чем в состоянии охватить камера.

Это скорее абстрактный фотохудожник, чем классический фотограф, который снимает жизнь, как она есть. Он использует спутниковые изображения для съемки океана, «склеивает» разные кадры в единое выразительное полотно, печатая картины невероятного размера. На его снимках домов-муравейников можно разглядеть настольные лампы и цветы на подоконниках. Фото Андреаса Гурски — настоящая современная живопись, он концептуалист и серьезный художник.

Стиль Андреаса Гурски: поэтизированная масштабность, размышления о глобализации и демонстрация жизни как целостного контекста

Один из главных представителей Дюссельдорфской фотошколы, ученик Хиллы и Берндта Бехер переосмысливает средства и суть современной художественной фотографии и вплотную приближает ее к абстрактному концептуальному искусству. Ключевое место в творчестве Гурски отдается масштабности с невероятной степенью детализации. Снимая сверху (сам автор называет излюбленный ракурс «взглядом Бога») и выбирая самое высокое разрешение из возможных, фотограф добивается удивительного эффекта.

Его снимки показывают городские ландшафты, интерьеры, природу и общество в виде строго организованных структур с четким визуальным ритмом, который «затягивает» взгляд зрителя, как воронка.

Работы Гурски стоит рассматривать в натуральную величину — иначе трудно оценить, насколько они внушительны. Масштаб — ключевой творческий инструмент автора. С его помощью он подчеркивает подчиненность многочисленных деталей общей теме снимка, напоминает зрителям, о том, в каком скученном, плотно «набитом» людьми, машинами и зданиями мире мы живем. Гурски стремится отразить влияние глобализации на планету и цивилизацию, дать представление о громадности заводов, городских агломераций, строек и человеческих потоков, каждый день перемещающихся по мегаполисам.

Компьютерные технологи, изощренный фотомонтаж, съемка с вертолетов и спутников помогают создавать картины, на которые зрители смотрят чуть ли не из космоса. При этом объекты Гурски, как правило, выбирает «приземленные»: многоэтажки, огромные торговые площадки, биржи, стадионы во время рок-концертов и площади, на которых разворачиваются военные парады. В его снимках ключевое место отдается не красоте, но эмоции, переживанию эффекта, на который «работает» каждая деталь фото. Подчас кадры бессюжетны и ничего не отвлекает зрителей от ощущения монументальности, отстраненности, статичности при непрерывном движении.

Окончивший Дюссельдорфскую фотошколу автор продолжает и расширяет ее традиции.  Он «дробит» масштабное пространство на огромное количество элементов, создает полотна с лаконичными, «стерильными» пейзажами и городскими ландшафтами, будто бы замершими в состоянии бесконечного покоя. Сам автор называет истоками творчества визуальный опыт, который он переосмысляет и раскрывает с помощью компьютера. Жизнь показывается в работах автора как единое целое, состоящее из мельчайших фрагментов, сумма которых создает контекст полотна и рождает его смысл. Хаос и разнообразие переходят в торжествующий порядок, подчиненный единому ритму.

Многолетние эксперименты и продолжающийся творческий поиск

Андреас родился в Лейпциге в 1955 году. Он сын профессионального фотографа-рекламщика. Именно отец научил мальчика тонкостям ремесла. Обучение продолжилось в Дюссельдорфе, куда семья бежала из ГДР, а затем в Эссене, у мастера психологического портрета Отто Штайнерта, в знаменитом центре подготовки фотографов — Школе Фолькванг. После окончания престижного заведения Андреас не смог сразу найти работу и стал водителем такси. Ему помог фотограф Томас Штрут, и юношу приняли в дюссельдорфскую академию искусств. Там преподавали фотоконцептуалисты и самые видные представители немецкого авангардизма.

В начале карьеры Андреас концентрировался на съемке людских потоков и скоплений в движении, сделал серию снимков офисных сотрудников (проект Desk Attendants). После организации первой персональной выставки в Берлине и появлении работ в музее Крефельда коммерческий «вес» и популярность Гурски стали расти. С этого момента он начал экспериментировать с масштабом снимком, все время его увеличивая.

После периода увлечения природой фотограф сконцентрировался на жизни мегаполисов, которые он посещал во время многочисленных путешествий по Европе, Японии, США, азиатским и ближневосточным странам. Каждая поездка была максимально точно спланирована — вплоть до ракурса съемки конкретных зданий. В работах, напечатанных на фотобумаге самого большого размера, показан мир 90-х годов ХХ века — хай-тек, глобализация, размывание границ личного пространства.

С середины 90-х годов фотограф использует компьютерную обработку снимков, а с начала 2000-х совмещает бумажные листы, чтобы делать невероятно большие фотокартины. С помощью цифровой ретуши Гурски устраняет лишние детали, тщательно выстраивает цветность фотографий, добавляет элементы для лучшей передачи «послания» снимка. Основные объекты его внимания — архитектура, дикие пейзажи и людские скопления (как он говорит, «человеческий вид»).

Сегодня фотограф, чьи работы покупают частные коллекционеры и выставляют знаменитые музеи, живет с семьей в Дюссельдорфе. Его «штаб-квартира» находится в здании бывшей подстанции, которую перестроило швейцарское бюро, работавшее в лондонской галерее Тейт. С 2010 года Гурски, как профессор дюссельдорфской академии, преподает уже собственным ученикам. Параллельно он продолжает создавать работы с грандиозным масштабом, идеальной структурой и значимостью настоящих произведений искусства.

Самые дорогие фотографии — афера или маркетинг?

Продажа фотографии австралийца Питера Лика в «Фантом» за 6,5 млн. долларов США, а через неделю — работы американца Джефа Фроста за 6,5 млн. 10 центров всколыхнули бурю обсуждений в фотопрессе. А критик Джонатан Джонс вообще очень резко высказался о фотографии в Guardian, говоря, что «фотография — не искусство».  А затем добавил: «Эта нашумевшая  и теперь ставшая знаменитой фотография символизирует собой все, что может случиться, когда фотограф думает, что он художник. Образ неоригинален, сентиментален в своем деланном романтизме и потому безвкусен. Он выглядит, как роскошный постер в дорогом обрамлении, размещенный в номере претенциозного отеля».

Работа Питера Лика «Фантом» продана неделю назад за $6,500,000
 

Работа Джефа Фроста продана за 6,500,000 долларов  и 10 центов


Продажа фотографий Лика и Фроста вызвала столько страстей, поскольку критерии оценки «хорошая фотография – плохая» определенно и точно сформулировать сложно. По мнению многих критиков, например, фотография «Фантом» — довольно-таки обычное черно-белое изображение Каньона Антилопы в Аризоне среди  десятков других фотографий, что добавило масла в огонь дискуссии.

Тем не менее, искусство – всегда дискуссия, которая всегда возникает вокруг рекордных сумм при продаже фотографий и сейчас и в прошлом — в том числе после продажи работы Андреаса Гурского «Рейн II» в 2011 году  за $4 338 500, Синди Шермана «Без названия #96», в том же году за $3 890 500.

Работа Андреас Гурски «Рейн II» была продана в 1999 году за $4,338,500
и 15 лет была самой дорогой проданной фотографией в мире

Фотография Синди Шерман «Untitled #96» (1981) продана за $3,890,500


Можно предположить, что появление целого нового класса богатых людей и сделало возможным такие знаковые суммы сделок на рынке фотографии. Стало много богатых и сверхбогатых людей с большим количеством свободных наличных денег, желающих их потратить. Они как бедные фермеры, выигравшие в лотерею и захотевшие войти в «высшее общество» громкими покупками.

Фотография Джефа Волса «Разговор мертвых солдат» (снято после засады, в которую попал патруль
Советской Армии в Афганистане зимой 1986 года). Продана  в 1992 г. за $3,666,500


Они не очень образованы и эрудированы в неведомой им области культуры, что делает их идеальными объектами для манипуляций воротилами художественного мира. Художественные галереи, произносят слова «хорошие инвестиции» и новые нувори облизывают свои губы в желании обретения и стараются сделать эти «хорошие инвестиции в искусство», покупая вкус и статус, и цена для них не имеет значения.

По всему миру появляются заоблачно дорогие жилища бизнесменов, виллы российских олигархов и шато китайских предпринимателей, наполненные произведениями искусства сомнительного качества, которым всего несколько лет назад место было бы на самом дальнем складе в самой дальней коробке.

 

Теперь найден способ забрать избыток денежных средств и художественные галереи, не стесняясь, предлагают для этого свои услуги. Они могут вкладывать и свои средства для  манипулирования ценами, для создания ажиотажа, скандала, чтобы устроить ту или иную продажу. Они же иногда и на аукционах играют на повышение цен на свои произведения, действуя через своих же подставных лиц.

Питер Лик пытается работать по принципу известного покойного художника Томаса Кинкейда, который создал определенное клише, сентиментальный образ для своих картин и успешно эксплуатировал его, умудрившись стать самым продаваемым художником в США – в каждом двадцатом доме которых, есть его картина.

На Paris Photo, крупнейшей и признанной площадке по продаже художественная фотографии, работы таких мастеров как Bruce Davidson (Брюс Дэвидсон), Edward Weston (Эдвард Уэстон) и Diane Arbus (Дианы Арбус) оцениваются и продаются, но речь идет о десятках тысяч долларов, а не миллионах.


Фотография Андреаса Гурски Andreas Gursky’s «99 центов» продана в 2001 за $3,346,456


Неприятие и отторжение от продажи работы Лика является и то, что этот прецедент затмевает усилия многих талантливых фотографов, которые делают действительно интересные и сильные фотографии. 

Но в мире ширпотребовских, народных изображений – мире «Ликовских» — цель не оригинальность и не глубина. Скорее это упрощение, коммерциализация уже установленных стилей и жанров в фотографии. Такие фотографы, как Ansel Adams (Ансель Адамс) и  Timothy Sullivan (Тимоти Салливан), возможно, и создавали великие фотографии, но такие как Лик  являются просто переписчиками. Подражая мастерам, он просто делает и продает свои поделки стремящимся к искусству воротилам. Это идеальные продукты для украшения голых стен и заполнения пустого пространства в своей жизни.

Шедевры Мировой фотографии

1. «Фантом» (2014) — $6,5 млн. Фотограф — Питер Лик (Peter Lik)
Австралийский фотограф Питер Лик в декабре прошлого года побил все рекорды — его чёрно-белый снимок под названием «Фантом» купили за 6,5 млн долларов. Тот же частный коллекционер, который предпочёл остаться неназванным, в этот день приобрел ещё два снимка — «Вечные настроения» и «Иллюзия». Общая сумма покупки составила 10 млн долларов.

2. «Рейн II» (1999) — $4,3 млн. Фотограф — Андреас Гурски (Andreas Gursky)
Немецкий фотограф Андреас Гурски знаменит своими широкоформатными снимками архитектуры и пейзажей. В 1999 году он сделал серию из шести фотографий Рейна, самой большой и самой знаменитой из которых стала «Рейн II». «Для меня это аллегорическое изображение смысла жизни», — рассказывает автор. Чтобы добиться впечатления пустынного ландшафта, ему пришлось на компьютере удалить некоторые элементы со снимка: здание завода, пешеходов, велосипедистов.

Хромогенный отпечаток на акриловом стекле размером 1,9 × 3,6 м (в раме, которая увеличила размер артефакта до 2,1 × 3,8 м) был продан в 2011 году на аукционе «Кристис» за $4,3 млн, личность покупателя неизвестна.

3. «Без названия № 96» (1981) — $3,9 млн. Фотограф — Синди Шерман (Cindy Sherman)
Работы знаменитой своими провокационными автопортретами Синди Шерман очень популярны у коллекционеров. Названия своим снимкам она не даёт, предоставляя зрителям возможность самим додумать изображенную историю. «№ 96» — одно из 12 фото серии Centerfold, сделанных по заказу журнала ArtForum. Героиня на снимке (разумеется, сама Шерман) — девушка-подросток. Она держит вырезанные из газеты объявления о знакомствах, символизируя готовность оставить детство позади и стремление найти своего мужчину.
В свое время «№ 96», проданная на аукционе «Кристис» за 3,9 млн долларов, была самой дорогой фотографией в мире.

4. «Беседа мёртвых солдат» (1992) — $3,6 млн. Фотограф — Джефф Уолл (Jeff Wall)
Подзаголовок объясняет историю, изображенную на фотографии, — «Видение после засады, в которую попал патруль советской армии около Мокора, Афганистан, зима 1986 года». Однако это не снимок с натуры: канадский фотограф Джефф Уолл (которого Андреас Гурски назвал своим образцом для подражания) не был в Афганистане. Фото создавалось в студии, люди на нем — актёры. «„Беседа мёртвых солдат“ — это не комментарий к афганской войне, — говорит автор. — Мне просто захотелось создать образ, на котором погибшие солдаты разговаривают друг с другом, понятия не имею почему».
В 2012 году, опять-таки на аукционе «Кристис», фотография была продана за 3,6 млн долларов.

5. «99 центов. Диптих» (2001) — $3,3 млн. Фотограф — Андреас Гурски (Andreas Gursky)
Ещё одна, вернее, две работы Андреаса Гурски. Две фотографии, составляющие диптих, изображают интерьер одного из магазинов, где всё продаётся за 99 центов.
Длинные ряды, заставленные яркими коробками с товаром, отражаясь в стеклянном потолке, усиливают ощущение бесконечного потребительства в современном обществе.

Отпечаток размером 2,07 × 3,37 метра был продан за 3,3 млн долларов в 2007 году.

Не стоит хранить высокохудожественные фотографии в цифровом формате, их несомненно стоит напечатать, ведь напечатанные на качественной фотобумаге они смотрятся еще более ценнее, внушительнее и вдохновляюще. На нашем сайте вы найдете различные варианты оформления фотокниг и сможете выбрать для себя именно тот вариант, который подойдет именно для ваших работ

Самые дорогие фотографии в мире: описание, цена, фото

Фотография давно стала отдельной сферой искусства, а стоимость некоторых снимков приравнивается к работам великих художников эпохи Возрождения. Ниже представлено 17 самых дорогих фотографий, проданных на разных аукционах за баснословные деньги.

1 место — “Фантом”

Автором самой дорогой фотографии в мире является фотограф-пейзажист Питер Лик. Этот фотохудожник считает целью своих работ запечатлеть мощь природы. В 1999 году он совершил поездку в Каньон Антилопы. Это популярное у пейзажистов место находится в северной части штата Аризона, на юго-западе США. Одна из особенностей этого каньона — узкие яркие лучи света, которые, отображаясь на фото, напоминают полупрозрачное приведение.

Питер Лик запечатлел не просто луч, а облачко пыли, витающее в нём, что придаёт снимку ещё большее сходство с призраком. Цветная версия фото так и называлась — “Ghost”, то есть “Призрак”. Однако самым дорогим стал её чёрно-белый вариант.

Фотографию купил коллекционер в 2014 году за 6,5 миллионов долларов. Некоторые подвергают сделку сомнению, так как она произошла не на открытых торгах.

2 место — “Рейн 2”

Работа принадлежит авторству Андреаса Гурски, немецкому фотографу, который с середины 90-х находится в рейтинге самых дорогих. Все работы Андреаса поражают масштабом и количеством деталей, они насыщенны цветом и зачастую сняты сверху.

“Рейн 2” — самая крупная из шести фотографий этого автора, на которых запечатлена могучая река. Снимок разительно отличается от обычных работ автора:

  • Знаменитый огромным количеством деталей на своих фото, Гурски с этого снимка удалил все лишнее: электростанцию, пешеходов, велосипедистов.
  • Необычна для фотографа и выбранная тематика. Темой природы фотограф занимался в самом начале своего творчества, затем она в его работах встречалась редко и чаще всего терялась на фоне изображений огромных городов, заводов, отелей и складов.

Тем удивительнее этот снимок реки. На изображении сложно даже оценить масштаб — не понятно, сколько метров дорога тянется вдоль реки. Сам фотограф рассказывал, что этот вид на реку завораживал его, но отобразить очарование на фото не удавалось из-за деталей, которые он и решил в итоге удалить.

Фотография была отпечатана на стекле размером 1,9х3,6 м и продана на аукционе “Кристис”. Её приобрёл анонимный коллекционер за 4,3 миллиона долларов.

3 место — Spiritual America

Фотография фотографии под названием “Духовная Америка” — одна из работ Ричарда Принса, в которых отображена критика американской культуры. Сам снимок имеет скандальную историю.

В начале 20-х годов Принс сделал фото кастрированной запряжённой лошади и дал ей название “Духовная Америка”, показывая, что считает страну культурным и финансовым банкротом.

В 1975 году фотограф Гэри Гросс сделал серию фотографий для журнала. На них в разных местах и позах изображена десятилетняя девочка Брук Шилдс (в будущем ставшая актрисой и моделью) без одежды и с ярким макияжем. Фото было сделано с разрешения матери, которая продала их сомнительному изданию вместе с неограниченным правом на использование. Сама девочка, когда выросла, попыталась остановить распространение фото через суд, но дело было проиграно.

В 1983 году Ричард Принс переснял один из снимков с Брук Шилдс, получив новое изображение, на котором девочка как будто поднимается из тумана. Своей работе Принс дал то же название, что и фотографии, снятой 52 года назад. Этот подход придал снимку другой смысл: невинная девочка, ставшая жертвой алчной матери — анонимная жертва, как одна из статуэток на переднем и заднем плане фотографии. Своей работой Принс как будто спрашивает: “Может быть, наша культура до сих пор банкрот?”

Фото было продано 12 мая 2014 года на аукционе Christie’s за 3,973 миллиона долларов.

4 место — без названия, #96

Фото принадлежит авторству Синди Шерман, которая принципиально не даёт названий своим работам, чтобы зритель сам нашёл в них свой смысл, а не навязанную автором идею. В своих работах Шерман сама является и вдохновителем, и моделью, и фотографом, сама себя гримирует и подбирает образы. Для формирования идеи она использует стереотипы общества, поэтому часто складывается ощущение, что изображение что-то напоминает.

На снимке №96 Синди выступает в образе юной девушки. Девушка лежит на полу, на спине, а в руках у неё — обрывок газеты с объявлениями о знакомстве. Несмотря на большой масштаб (почти в натуральную величину), фото грубо кадрировано — это отсылка к клише, распространённому среди эротических изданий, публикующих изображения девушек в таких позах. Но здесь вместо модели — девочка-подросток с отстранённым взглядом: то ли мечтает о будущей любви, то ли вспоминает произошедшую неудачную любовную историю.

Наивность девушки подчёркнута яркой помадой, румянами, как будто нанесёнными неумелой рукой, и красными ногтями, да и сама постановка напоминает любительский снимок из альбома подростка. Сюжет происходящего автор намеренно оставляет неоднозначным.

Фото было продано на аукционе Кристи в 2012 году, торги состоялись в Нью-Йорке. Стоимость работы составила 3,89 миллиона долларов.

5 место — без названия №93

Еще одна работа художницы Синди Шерман. На этом снимке она предстаёт в образе испуганной заплаканной женщины, натягивающей на себя одеяло. Её взгляд направлен в сторону источника света, но что именно он выражает, сказать трудно.

Снимок был сделан в 1981 году, а в 1993 году представлен общественности. В тот момент остро стоял вопрос о жертвах насилия среди женщин. В работе Синди критики увидели женщину, пострадавшую от плохого обращения, и по достоинству оценили фотографию.

Фотография №93 была продана 13 мая 2014 года за 3,861 миллиона долларов.

6 место — “Беседа мёртвых солдат”

Эту фотографию также называют “Видение после нападения из засады на солдат армии СССР в Афганистане”. Однако даже такое развёрнутое название не рассказывает всего о задумке фотографа.

Кадр демонстрирует вымышленное воскрешение солдат. Они пытаются подняться, видны тяжёлые увечья и травмы. Картина напоминает неоднозначное смешение батальной сцены с изображением восстания зомби. Солдаты встают на встречу друг другу, их новообретённое состояние вызывает у них самые разные эмоции: от растерянности до приступов смеха. Солдаты не думают об историческом подтексте своих действий, их больше беспокоят межличностные отношения. Чуть выше видно нападавших: они собирают трофеи и ничего не замечают.

Своей работой автор хочет прекратить романтизацию войны с её бесчисленными жертвами и демонстрирует разрушительное действие насилия.

Фотография в светящемся коробе была продана на аукционе Кристис за 3,666 миллиона долларов в 2012 году.

7 место — без названия (“Ковбой”)

Ещё одна фоторабота Ричарда Принса в этом списке. Всё началось в 1963 году, когда табачный бренд Мальборо в ходе рекламной кампании идентифицировал себя с символом “настоящего американского мужчины” — ковбоем. Ход оказался настолько удачным, что к 1972 сделал бренд самым продаваемым, а ковбой попал в список “101 влиятельный человек, которых никогда не существовало”. Кадры, которые прославили Мальборо, сделал Сэм Абель.

В 1998 году Ричард Принс взял кадры, сделанные Абелем, и обрезал весь текст, относящийся к рекламе. Ричард демонстрирует возможность камеры выдавать несуществующее за реальность. Так секс-символ Америки, до которого пытались “дотянуться”, оказался просто выдумкой. Второй посыл автора заключался в иронии на тему того, что положительный национальный герой способствует увеличению табачной зависимости во всём мире.

Снимок был продан за 3,525 миллиона долларов в 2016 году на аукционе Кристис.

8 место — 99 Cent 2

Фото сделал автор “Рейна” Андреас Гурски. Снимок состоит из двух частей, сделанных в разное время: в 1999 и 2001 годах.

На обеих фотографиях изображён супермаркет, созданный по формату “всё за 99 центов” — красочные товары, уложенные в аккуратные ряды с множеством проходов между ними. Благодаря зеркальному потолку, удачно выбранному ракурсу и цифровой обработке ряды товаров превращаются в повторяющийся шаблон. Покупатели — как будто случайный элемент хаоса в этом мире порядка. Избыточный выбор мешает покупателям найти то, что им действительно нужно.

Снимок был продан на аукционе Sotheby’s в 2007 году. Его приобрёл украинский бизнесмен Виктор Пинчук за 3,347 миллиона долларов.

9 место — Чикагская фондовая биржа 3

Еще одна работа Андреаса Гурски. Если взглянуть на этот снимок мельком, может показаться, что это абстракция, выполненная каким-то импрессионистом. Но нет: на снимке изображена работа на фондовой бирже в Чикаго.

Снимок сделан сверху, на чёрном фоне пола видны работники в яркой верхней одежде, которые стоят возле мониторов. По периметру за столами сидят их коллеги. Работа кипит: все жестикулируют, двигаются, что придаёт снимку некоторую размытость.

Гурски отличается тем, что использует цифровые технологии не для того, чтобы изменить реальность, а чтобы усилить в ней то, на что он хочет обратить внимание. В этой работе благодаря мультиэкспозиции в некоторых местах он усилил ощущение движения. Фотография получилась как “живая”.

Фотография была продана за 3,3 миллиона долларов в 2013 году на аукционе Sotheby’s.

10 место — без названия, №48

Это ещё одна работа Синди Шерман, одна из серии 69 чёрно-белых фотографий. Серия была создана в 1977-1980 годах, а конкретно этот снимок был сделан в 1979 году, во время отпуска в Аризоне, куда Синди отправилась вместе с родителями.

На фото изображена девушка, которая стоит возле шоссе, отвернувшись от камеры. Рядом с ней стоит чемодан. Время суток невозможно определить — возможно, вечер или утро. Сюжет фотографии загадочен, как и в остальных работах этой серии. Художница предлагает зрителю самому поразмышлять о том, кто эта девушка и почему она оказалась на обочине у шоссе.

Снимок был продан на открытых торгах Christie’s в 2015 году. Стоимость достигла отметки в 2,965 миллиона долларов.

11 место — Пруд в лунном свете

Работа Эдварда Стайхена, сделанная недалеко от Нью-Йорка. На фотографии отпечатаны озеро и лес, в котором через деревья пробивается лунный свет.

Однако снимок примечателен не сюжетом. Эта цветная фотография была сделана в 1904 году, а первый метод получения цветных изображений был запатентован только в декабре 1903 года. Цвет приходилось добавлять вручную, накладывая на бумагу светочувствительные частицы. Неудивительно, что такие фотографии являются огромной редкостью. Всего известно о 3 вручную раскрашенных копиях этого снимка.

Помимо исторической ценности, именно ранние работы Стайхена, которые сейчас кажутся слишком наивными, помогли фотографии стать искусством.

Самая дорогая версия фото была продана в 2006 году на аукционе Sotheby’s. Её стоимость составила 2,928 миллиона долларов.

12 место — без названия, №153

В этой работе Синди Шерман предстаёт в образе умершей женщины. Художница призывает не отводить взгляда от жутковатого зрелища, ведь фото постановочное. Однако бледное с синевой лицо женщины, кое-где запачканное грязью, и её остановившийся взгляд мало располагают к созерцанию. Этот снимок — попытка смириться со страхом перед настоящей смертью через изображение смерти постановочной.

Фото размером почти 2 метра было продано на аукционе в США за 2,7 миллиона долларов. Сделка состоялась в 2010 году.

13 место — Билли Кид

Этот снимок интересен не только тем, что был создан в конце 19 века, но изображённым на нем персонажем — легендарным бандитом и ковбоем Билли Кидом. Большую часть своих преступных действий он совершил в совсем юном возрасте — ему даже не исполнилось 21 года. Это в определённом смысле образ человека вне закона — преступник, немало пострадавший из-за неправомерных действий властей Дикого Запада.

Прославиться посмертно Киду помог убивший его шериф, написавший книгу о приключениях юноши. Его образ десятилетиями будоражил умы, на основе его истории было создано несколько фильмов. Именно поэтому подтверждённая фотография Билли стоила так дорого.

Снимок, сделанный приблизительно в 1980 году, был продан на торгах Briean Lebel’s Old West Show в 2011 году за 2,3 миллиона долларов.

14 место — Тобольский Кремль

На фотографии отпечатан вид на Тобольскую достопримечательность с высоты птичьего полёта. Снимок был сделан Дмитрием Медведевым в 2009 году, когда он, будучи президентом, летал на экскурсию в этот город.

В том же году фотография была продана на аукционе “Рождественская азбука”. Фото купил российский бизнесмен за 1,7 миллион долларов.

15 место — Нагота

Что именно за тело изображено на фото, художник предлагает угадать зрителям. Из снимка не понятно, живой это человек или скульптура, мужчина или женщина, а некоторые вообще видят на снимке пейзаж.

Работа принадлежит признанному гению фотографии 20 века Эдварду Уэстону. Для его творчества характерны неожиданные ракурсы, использование скульптур, полутона. “Нагота” была создана в 1925 году и является примером вдохновляющей классики.

На аукционе Сотбис в 2008 году за снимок отдали 1,6 миллион долларов.

В статье были представлены 15 самых дорогих фотографий. Иногда ценность снимка очевидна, иногда — не совсем. Но искусство фотографии имеет своих поклонников, а уж о фанатизме обеспеченных коллекционеров, отдающих на аукционах невероятные суммы лишь за одно фото, и говорить не приходится.

10 самых дорогих фотографий в мире

Эдвард Стейхен (Edward Steichen) родился 27 марта 1879, Бивинген, Люксембург, умер 25 марта 1973, Уэст Реддинг, Коннектикут. Один из наиболее влиятельных мастеров в истории фотографии.

В возрасте 15 лет Стейхен начал обучение литографии в Милуоки, параллельно обучаясь живописи. Каждый день по дороге на учёбу он проходил мимо магазина фотоаппаратов, его заинтересовал процесс фотографии и он приобрёл свою первую камеру Kodak. В 1895 году с друзьями-единомышленниками Стейхен арендует маленькую комнату, в которой они проводят первые фотоэксперименты.

Стейхен встретил Альфреда Штиглица в 1900 году, во время остановки в Нью-Йорке по пути в Париж из Милуоки. Во время это встречи Штиглиц высказал похвалу живописи Стейхена и купил у него три фотографических отпечатка.

В 1904 году Стейхен начал экспериментировать с цветной фотографией. Он был одним из первых людей в Соединённых Штатах, использовавших процесс автохром. В 1905 году Штиглиц и Стейхен основали сообщества фото-сецессион. На выставках, организованных сецессионом, были представлены работы Анри Матисса, Огюста Родена, Поля Сезанна, Пабло Пикассо и Константина Бранкузи.

Во время Первой мировой войны перешёл на позиции бескомпромиссного реализма. Во время Первой мировой войны, служа в сухопутных войсках США, преподавал рекрутам основы аэрофотосъёмки. В 1920-е и 1930-е гг. создал серию портретов голливудских знаменитостей (в частности, Греты Гарбо), которые вошли в историю как образцовые примеры раскрытия характера фотографируемого.

Во время Второй мировой войны Стайхен занимался кинодокументалистикой, был удостоен «Оскара». С 1947 по 1962 год занимал должность директора по фотографии Музея современного искусства (New York’s Museum of Modern Art), где во время нашумевшей экспозиции The Family of Man (1955) выставил более 500 фотографий, иллюстрирующих основные аспекты человеческой жизни. Они были отобраны из числа 2 млн снимков, присланных из 68 стран.

Глобализация в работах самого дорого фотографа мира Андреаса Гурски

Глобализация в работах самого дорого фотографа мира Андреаса Гурски

Как известно, фотографы смотрят на мир через объектив. И каждый из них видит абсолютно другой мир, который отличается от всех остальных. А вот показать увиденное другим людям — это и есть искусство фотографии.

Когда смотришь на что-то настолько прекрасное, что не поддается никаким словесным объяснениям, остается только наслаждаться моментом и быть признательным фотографу за приоткрытую завесу в неизведанное.

Андреас Гурски, фотограф из Дюссельдорфа, рассказывает свои истории посредством фотоснимков с 1980 года. Переняв любовь к запечатлению внешнего мира от отца, Андреас был погружен в мир искусства с самого детства, познавая все тонкости и нюансы работы. Увлечение переросло в желание заниматься фотографией профессионально, поэтому следующим шагом в жизни фотографа стало поступление в Академию искусств в Дюссельдорфе, которая известна во всем мире, как место зарождения авангарда. Работая с великими учителями, Андреас открыл для себя свое направление в фотографии, которое позже получило очертание так называемой глобализации. Внимание к мелким деталям на фоне массового хаоса принесло фотографу узнаваемость и востребованность. Еще одной отличительной чертой фотографа стал размер полотна, на котором он печатает свои работы. Андреас изначально использовал самые крупные форматы бумаги, которые мог найти, чтобы не упустить из вида ни одну деталь. На его выставках часто можно встретить работы, разделенные на несколько рядом стоящих полотен. Будь то пейзаж или индастриал, его фотографии настолько насыщенны действием, что иногда зритель начинает чувствовать легкую панику, как бы погружаясь куда-то далеко в мир, где была сделана фотография.


© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com

Я преследую только одну цель: энциклопедию жизни. Меня интересует человеческий род.

Андреас Гурски

На фотографиях художника видны масштаб и величие окружающего мира, по сравнению с которыми люди теряют свою ведущую роль и выглядят, как если бы мы смотрели сверху на муравейник.

После окончания учебы Андреас отправился путешествовать по миру, заранее продумав каждый ракурс места или здания, которое стремился запечатлеть. Путешествуя, он начал с пейзажей, но быстро переключился на заводы, офисы и массовые мероприятия разных уголков планеты. Олимпийские игры не стали исключением. Он исколесил практически всю планету, собирая материалы, которые и по сей день пользуются бешеной популярностью. Андреас акцентирует внимание на технологиях и массовости, используя при этом яркие краски. Несмотря на неумолимость прогресса, он все еще снимает на широкоформатные пленочные камеры, после чего сканирует изображения. Часто одного его работа может быть результатом нескольких обработанных фотографий одновременно.


© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky. com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com

Не удивительно, что Андреас со своим особым виденьем стал самым дорогим фотографом за всю историю. Его работа «Рейн II» размером 1,85х3,63 м, сделанная им в 1999 году, ушла на аукционе за 4,34 млн. долларов США. Казалось бы, что особенного в фотографии реки? На самом деле, Андреас изобразил берега в том виде, который они имели много лет. Во время проведения съемки, местность была плотно застроена зданиями. Так что он вложил в эту работу совсем нешуточную философию, которую оценили почти в 4,5 миллиона. Неплохо, да?


© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com
© Andreas Gursky / andreasgursky. com
© Andreas Gursky / andreasgursky.com

Разумеется, известность фотографа не ограничивается одной только фотографией. Сегодня даже самые ранние его работы разлетаются с молниеносной скоростью и за большие деньги сразу же, как появляются в качестве лота на аукционах. Если опустить эстетическую сторону, то это еще и удачное капиталовложение — картины Гурски стремительно растут в цене. Так что если вы хотите работу Андреаса к себе в личную коллекцию, то копить на нее нужно начинать уже сейчас.

Чтобы быть ближе к прекрасному, не забудьте заглянуть на официальный сайт Андреаса Гурски.

Автор: Екатерина Паланчук

2017

Список самых дорогих фотографий — Википедия

В список вошли все фотографии, которые были проданы, как правило, на аукционах за $1 млн и выше.

         № Фотография Год Автор Цена, в USD Дата продажи
1 Кадры из неназванных фильмов[1] 1977-80 Синди Шерман $6 773 000 12.11.2014[2]
2 Рейн II 1999 Андреас Гурски $4 338 500 08.11.2011[3]
3 Spiritual America 1983 Ричард Принс $3 973 000 12.05.2014[4]
4 Без названия #96 1981 Синди Шерман $3 890 500 11.05.2011[5]
5 Без названия #93 1981 Синди Шерман $3 861 000 13. 05.2014[6]
6 Для Её Величества, коллаж из фотографий[7] 1973 Гилберт и Джордж $3 765 276 30.06.2008[8]
7 Без названия (Ковбой) 1998 Ричард Принс $3 749 000 12.05.2014[9]
8 Говорят мёртвые воины… 1992 Джефф Уолл $3 666 500 08.05.2012[10]
9 Без названия (Ковбой) 2001

-02

Ричард Принс $3 401 000 14.11.2007[11]
10 99 центов II, диптих 2001 Андреас Гурски $3 346 456 07. 02.2007[12]
11 Чикагская товарная биржа III 1999 Андреас Гурски $3 301 771 26.06.2013[13]
12 Без названия (Ковбой) 2000 Ричард Принс $3 077 000 13.05.2014[14]
13 Без названия #48 1979 Синди Шерман $2 965 000 13.05.2015[15]
14 Лос-Анджелес 1998 Андреас Гурски $2 941 755 27.02.2008[16]
15 Озеро в лунном свете 1904 Эдвард Стайхен $2 928 000 14.02.2006[17]
16 Без названия #96 1981 Синди Шерман $2 882 500 08. 05.2012[18]
17 Без названия (Ковбой) 2001 Ричард Принс $2 840 000 16.05.2007[19]
18 Без названия #153 1985 Синди Шерман $2 770 500 08.11.2010[20]
19 99 центов II, диптих 2001 Андреас Гурски $2 480 000 16.11.2006[21]
20 Париж, Монпарнас 1993 Андреас Гурски $2 395 572 17.10.2013[22]
21 Чикагская товарная биржа 1997 Андреас Гурски $2 357 751 26.06.2013[23]
22 Билли Кид 1879

-80

неизвестный фотограф $2 300 000 25. 06.2011[24]
23 99 центов 1999 Андреас Гурски $2 256 000 10.05.2006[25]
24 Без названия #48 1979 Синди Шерман $2 225 000 11.11.2014[26]
25 Пхеньян IV 2007 Андреас Гурски $2 129 459 15.10.2010[27]
26 Без названия #92 1981 Синди Шерман $2 112 000 16.05.2007[28]
27 Франкфурт 2007 Андреас Гурски $2 098 050 09.11.2010[29]
28 Рейн I 1996 Андреас Гурски $2 098 050 10. 05.2011[30]
29 Без названия #92 1981 Синди Шерман $2 045 000 12.11.2013[31]
30 Кровавая жизнь № 13, фотоколлаж[32] 1975 Гилберт и Джордж $1 999 003 14.02.2012[33]
31 Без названия VI 1997 Андреас Гурски $1 986 500 09.05.2012[34]
32 Чёрное море, Жёлтое море, Красное море

(триптих)

1991

-92

Хироси Сугимото $1 888 000 16.05.2007[35]
33 Пхеньян V 2007 Андреас Гурски $1 851 400 30. 06.2014[36]
34 Пантеон, Рим 1990 Томас Штрут $1 810 000 12.05.2015[37]
35 Рейн I 1996 Андреас Гурски $1 805 000 12.11.2014[38]
36 Без названия (Ковбой) 1994 Ричард Принс $1 745 000 13.05.2014[39]
37 Тобольский кремль 2009 Дмитрий Медведев $1 725 526 16.01.2010[40]
38 Мадонна I 2001 Андреас Гурски $1 680 640 10.02.2010[41]
39 Bummed, коллаж из фотографий[42] 1977 Гилберт и Джордж $1 646 164 30. 06.2014[43]
40 Обнажённая 1925 Эдвард Уэстон $1 609 000 07.04.2008[44]
41 Без названия (Ковбой) 1999 Ричард Принс $1 565 362 14.10.2011[45]
42 Без названия #48 1979 Синди Шерман $1 565 000 12.11.2013[46]
43 Плохие мысли № 1, фотоколлаж[32] 1975 Гилберт и Джордж $1 538 500 11.05.2011[47]
44 Без названия V 1997 Андреас Гурски $1 514 596 16.02.2011[48]
45 Энгадин II 2006 Андреас Гурски $1 499 975 29. 06.2011[49]
46 Без названия (Ковбой) 1999 Ричард Принс $1 482 500 12.11.2008[50]
47 Lonely Metropolitan, фотоколлаж 1932 Герберт Байер $1 482 500 12.12.2012[51]
48 Фотограмма 1925 Ласло Мохой-Надь $1 482 500 12.12.2012[52]
49 Джорджия О’Киф (руки) 1919 Альфред Стиглиц $1 472 000 14.02.2006[53]
50 Без названия (Мода) 1982

-84

Ричард Принс $1 466 151 30. 06.2008[54]
51 Без названия #420, диптих 2004 Синди Шерман $1 426 500 08.11.2010[55]
52 Без названия #88 1981 Синди Шерман $1 426 500 10.11.2010[56]
53 Без названия #14 1980

-84

Ричард Принс $1 426 500 10.05.2012[57]
54 Без названия (Ковбой) 2001 Ричард Принс $1 422 363 01.07.2008[58]
55 Без названия 1994 Ричард Принс $1 385 000 14.05.2008[59]
56 Пхеньян IV 2007 Андреас Гурски $1 375 000 14. 02.2008[60]
57 Джорджия О’Киф (обнажённая) 1919 Альфред Стиглиц $1 360 000 14.02.2006[61]
58 Без названия (Ковбой) 2001 Ричард Принс $1 321 883 30.06.2015[62]
59 Без названия #88 1981 Синди Шерман $1 314 500 07.11.2011[63]
60 Пхеньян II, диптих 2007 Андреас Гурски $1 295 643 14.02.2012[64]
61 Black Sea, Ozuluce 1991 Хироси Сугимото $1 287 578 30.06.2008[65]
62 Токийская фондовая биржа 1990 Андреас Гурски $1 268 152 27. 02.2008[66]
63 Плохие мысли № 2, фотоколлаж[32] 1975 Гилберт и Джордж $1 268 152 27.02.2008[67]
64 Сакура № 5, фотоколлаж[32] 1974 Гилберт и Джордж $1 265 000 13.05.2015[68]
65 Силуэты ковбоев 1998-99 Ричард Принс $1 260 000 13.05.2013[69]
66 Пантеон, Рим 1990 Томас Штрут $1 254 351 26.06.2013[70]
67 Без названия (Ковбой) 1989 Ричард Принс $1 248 000 08. 11.2005[71]
68 The Well 1989 Джефф Уолл $1 242 861 01.07.2008[72]
69 Шанхай 2000 Андреас Гурски $1 223 926 01.07.2015[73]
70 Чикагская товарная биржа 1997 Андреас Гурски $1 202 500 10.05.2011[74]
71 Довима и слоны 1955 Ричард Аведон $1 151 976 20.11.2010[75]
72 Без названия #88 1981 Синди Шерман $1 145 000 11.11.2014[76]
73 Сан-Заккариа, Венеция 1995 Томас Штрут $1 128 078 18. 10.2013[77]
74 Остров Джеймса Бонда I 2007 Андреас Гурски $1 120 521 15.02.2012[78]
75 Рейн 1996 Андреас Гурски $1 113 383 27.06.2012[79]
76 Наутилус 1927 Эдвард Уэстон $1 105 000 15.10.2007[80]
77 Наутилус 1927 Эдвард Уэстон $1 082 500 13.04.2010[81]
78 Пантеон, Рим 1990 Томас Штрут $1 049 000 13.11.2007[82]
79 Без названия (Ковбой) 2000 Ричард Принс $1 049 000 14. 11.2007[83]
80 Английский канал, Уэстон Клифф 1994 Хироси Сугимото $1 029 660 08.02.2007[84]
81 Кличко 1999 Андреас Гурски $1 029 069 06.02.2008[85]
82 Эгейское море, Пелион 1990 Хироси Сугимото $1 029 069 06.02.2008[86]
83 Без названия (Ковбой) 2001 Ричард Принс $1 025 000 14.05.2014[87]
84 Лос-Аламос[88] 1965-74 Уильям Эглстон $1 022 500 13.10.2008[89]
85 Кувейтская фондовая биржа II 2008 Андреас Гурски $1 015 281 26. 06.2013[90]
86 Без названия #209 1989 Синди Шерман $1 007 679 29.06.2008[91]
87 Распутывание 1994 Джефф Уолл $1 000 000 2006

Движение к абстракции: Рейн Андреаса Гурски

Рейн Андреаса Гурски — интересная работа, рассказывающая о превращении реальной картины в абстрактное произведение искусства. Переход к абстракции в живописи произошел давно, но в фотографии он пока не распространен.

Прежде чем мы перейдем к абстрактному видению, давайте сначала опишем то, что мы видим на картинке. Река Рейн протекает между полосами травы, берегом и узкой тропинкой. Пейзаж установлен под пасмурным небом.Гурски сделал снимок, когда бегал за пределами Дюссельдорфа, пытаясь отвлечься от работы. Но, видимо, он не мог отказаться от своей фотоработы; ум художника никогда не перестает работать.

Андреас Гурски, Рейн I, 1996, Proximus Art Collection, Брюссель, Бельгия.

Первое, что вы можете заметить, — это горизонтальный узор и монохромные цвета. Это потому, что художник удалил довольно много деталей из исходного изображения, используя цифровое редактирование. Он смыл собачьи прогулки и промышленные здания, чтобы добиться чистого имиджа.Хотя все детали он не убирал. Присмотревшись, вы не сможете пропустить бумагу или белый пластик, оставленный в траве. Интересно, почему он не удалил эти детали.

Из-за прямых полос и пустоты картина кажется абстрактной композицией. Он читается как горизонтальная версия абстрактных картин Барнетта Ньюмана. Ньюман предпочитал вертикальные композиции с прямыми линиями контрастного цвета, прерывающими монохромные поверхности его полотен.Тем не менее, образ Гурски сразу узнаваем как пейзаж.

Зачем Гурски захотелось сделать абстрактную картину?

Так зачем ему редактировать картинку? Его собственное объяснение состоит в том, что он хотел усилить образ реки, который был у него в голове. Другими словами, он хотел очистить ландшафт до самого необходимого. После редактирования он сделал очень большой цветной отпечаток фотографии, закрепил ее на акриловом стекле, а затем поместил в рамку. При увеличении масштаба изображения до большого формата становится очевидным суть изображения воды, текущей по прямой линии.Вы можете перевести изображение в движение или даже прогресс.

Несколько лет спустя Гурски сделал вариант этой картины и назвал ее Rhine II . Это тот же сеттинг, и художник применил тот же монтаж. Разница заключается в форматах печати и, конечно же, в атмосферных различиях того дня, когда была сделана фотография (облака в небе, травинки — их можно найти с помощью увеличительного стекла).

Андреас Гурски, Рейн II, 1999, MOMA, Нью-Йорк, © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York VG Bild-Kunst, Bonn.

Много денег

Гурски не был первым художником, перешедшим на абстракцию, но он является пионером фотографии. Пит Мондриан, известный своей серией разноцветных квадратов, сделал то же самое в живописи, постепенно создавая абстракции своего нарисованного дерева с 1908 по 1921 год. Таким образом, переход Гурски к абстракции считается важной вехой в фотографии. Этим объясняется высокая цена, заплаченная за Rhine II на аукционе Christie’s в Нью-Йорке: 4,3 миллиона долларов, что делает ее самой дорогой фотографией из когда-либо проданных до сих пор.Его купил анонимный коллекционер. Но не волнуйтесь, если вы хотите увидеть Rhine II собственными глазами, вы все равно можете увидеть одно из пяти других изданий фотографии в MOMA в Нью-Йорке и Tate Modern в Лондоне.

  • Пит Мондриан, Вечернее красное дерево, 1908-1910, Городской музей, Гаага, Нидерланды
  • Пит Мондриан, Цветущая яблоня, 1912 год, Городской музей, Гаага, Нидерланды
  • Пит Мондриан, Табло № 2, Композиция № V, 1914, MOMA, Нью-Йорк,
  • Пит Мондриан, Композиция в красном, желтом, черном, сером и синем, 1921, Городской музей, Гаага, Нидерланды

Гурски сделал несколько довольно абстрактных фотографий. Rhine I и Rhine II являются наиболее интересными, потому что они отражают эволюцию от фигуративной работы к абстрактной на одной фотографии. Другой пример — его работа Untitled II , на которой изображен закат.

Андреас Гурски, Без названия II, 1993, Proximus Art Collection, Брюссель, Бельгия.

Влияния Гурски

Андреас Гурски (родился в Лейпциге, Восточная Германия в 1955 году) находился под влиянием как своего отца, у которого была фотостудия, так и его знаменитых учителей Хилла и Бернд Бехер, которые очень ценятся за их коллекцию картинки промышленного оборудования и архитектуры.Их стиль работы очень систематический, даже механический, без каких-либо личных эмоций. Это то, что вы можете узнать в других немецких произведениях искусства. Гурски также демонстрирует подобный методический подход в своей крупномасштабной фотографии.

Не прошло и года, как его родители сбежали из Восточной Германии на Запад и оказались в Дюссельдорфе. Детство он провел в мастерской своего отца, где начал знакомиться с фотографией.

Он остается фотографом и в настоящее время является профессором Художественной академии в Дюссельдорфе.

Если вы находите радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖКА
DailyArt Magazine скромным пожертвованием. Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

Произведения искусства и известные фотографии Андреаса Гурски

1999

Чикаго, Торговая палата, II

Это произведение представляет собой большой цветной хромогенный принт, изображающий здание Чикагской торговой палаты. Фотография сделана с высоты птичьего полета, сделанной Гурски, и позволяет с высоты птичьего полета увидеть хаос и безумие обычного дня в торговом зале.В лабиринте перил, столов, телевизоров и компьютерных мониторов суетятся набитые до отказа фигуры, а пол усеян белыми клочками бумаги. Выбор художником перспективы, расстояния, двойной экспозиции и его наслоения некоторых областей визуально сглаживает сцену, заставляя фигуры сливаться вместе в кластеры желтого, оранжевого и синего цветов. В целом эта сцена напоминает безумные капли цвета на картине Джексона Поллока.

Chicago, Board of Trade, II является частью серии связанных изображений международных фондовых бирж, включая Сингапурскую Simex и Гонконгскую фондовую биржу.Чикагская торговая палата — одна из старейших бирж опционов и фьючерсов в мире. Тем не менее, зритель находится на расстоянии, которое скрывает детали его местоположения, активности и последующих участников. Вместо того, чтобы исследовать мельчайшие детали, связанные с этим конкретным делом, композиция ведет взгляд по всему полу в поисках узора, формы и цвета. Таким образом, изображение завораживает — толчок / тяга между осознанием всплеска активности, связанной с торговлей и валютой, и отстраненным эстетическим опытом, получаемым от визуального поглощения сцены.

Хотя реальное физическое пространство, несомненно, важно для Гурски, в этой статье он пытается представить его более абстрактно, пытаясь понять, «не только то, что мы живем в определенном здании или в определенном месте, но и чтобы осознают, что мы живем на планете, которая с огромной скоростью движется через вселенную . .. Я читаю больше о том, что происходит в нашем мире в целом ». Имея это в виду, эта фотография — не просто наблюдение за местом, а исследование двух основных тем oeuvre художника: это микрокосм современной торговли в эпицентре глобализма.

Хромогенная печать — Музей современного искусства Чикаго

Андреас Гурски — немецкий фотограф, известный своей камерой Linhof.

Андреас Гурски — Большое искусство, большие деньги

Андреас Гурски родился в 1955 году, немецкий фотограф и профессор Художественной академии Дюссельдорфа, Германия. Он известен своими широкоформатными архитектурными фотографиями и цветными пейзажными фотографиями, часто использующими высокую точку зрения. Гурски делит студию с Лоренц Бергес, Томас Руфф и Аксель Хютте на Ганзейской аллее в Дюссельдорфе.Здание бывшей электростанции было преобразовано в студию художников и жилые помещения в 2001 году архитекторами Herzog & de Meuron, известными из галереи Tate Modern. В 2010-11 годах архитекторы снова работали над зданием, спроектировав галерею в подвале.

Но то, насколько привлекательны его изображения, в большом или небольшом масштабе, впечатляет даже самого стойкого критика фотографии, который все еще сомневается в способности фотографии быть признанным «искусством» ».

© Андреас Гурски

Андреас Гурски — Художественная фотография на миллион долларов?

Гурски родился в 1955 году в Лейпциге, бывшая Восточная Германия.Его семья переехала в Западную Германию, переехав в Эссен, а затем в Дюссельдорф к концу 1957 года. С 1978 по 1981 год он учился в Folkwangschule в Эссене, где, как говорят, учился у Отто Штайнерта. Однако оспаривается, что на самом деле это не так, поскольку Штайнерт умер в 1978 году. В период с 1981 по 1987 год в Kunstakademie Düsseldorf, Гурски получил сильную подготовку и влияние от своих учителей Хиллы и Бернд Бехер, фотографической группы, известной благодаря их отличительный, бесстрастный метод систематической каталогизации промышленного оборудования и архитектуры. Гурски демонстрирует такой же методический подход в своей крупномасштабной фотографии. Другими заметными влияниями являются британский фотограф-пейзажист Джон Дэвис, чьи детализированные изображения с высокой точки обзора сильно повлияли на фотографии уличного уровня, которые Гурски делал тогда, и, в меньшей степени, американский фотограф Джоэл Стернфельд.

Выставка Андреаса Гурски

В то время как в 1990-е годы Гурски не обрабатывал свои изображения в цифровом виде. С тех пор Гурски откровенно заявлял о том, что полагается на компьютеры для редактирования и улучшения своих изображений, создавая искусство пространств, больших, чем сфотографированные объекты.В статье для журнала The New Yorker критик Питер Шельдаль назвал эти фотографии «огромными», «яркими», «развлекательными» и «буквально невероятными». В той же публикации критик Кальвин Томкинс охарактеризовал Гурски как одного из «двух мастеров» «дюссельдорфской» школы. В 2001 году Томкинс описал опыт столкновения с одной из больших работ Гурски,…

Большой, как большой может быть

«Когда я впервые увидел фотографии Андреаса Гурски… У меня появилось дезориентирующее ощущение, что со мной что-то происходит, я полагаю. , хотя это казалось более обобщенным, чем это.Огромные панорамные цветные гравюры Гурски… некоторые из них высотой до шести футов на десять футов в длину… обладали присутствием, формальной силой и, в некоторых случаях, величественной аурой пейзажных картин девятнадцатого века, не теряя при этом ни одной из них. их тщательно проработанная непосредственность, как на фотографиях. Их предметом был современный мир, увиденный беспристрастно и издалека ».

© Андреас Гурски

Перспектива на многих фотографиях Гурски нарисована с возвышенности.Это положение позволяет зрителю встречаться со сценами, охватывающими как центр, так и периферию, которые обычно недоступны. Эта широкая перспектива была связана с вовлечением в глобализацию. Визуально Гурски привлекают большие, анонимные, искусственные пространства — высотные фасады в ночное время, вестибюли офисов, фондовые биржи, интерьеры крупных розничных торговцев коробками (см. Его гравюру 99 Cent II Diptychon).

В ретроспективе 2001 года Нью-Йоркский музей современного искусства описал работы художника как «сложное искусство неприукрашенного наблюдения. Именно благодаря искусности художественных произведений Гурски мы признаем его мир своим собственным ». Стиль Гурски загадочен и невозмутим. Работы практически не имеют объяснений или манипуляций. Его фотография проста.

Фотография фестиваля Dance Valley Гурски, сделанная недалеко от Амстердама в 1995 году, изображает посетителей перед ди-джеем на большой арене под эффектами стробоскопического освещения. Падающий дым напоминает человеческую руку, удерживающую толпу в стазисе. Завершив печать, Гурски объяснил, что единственная музыка, которую он сейчас слушает, — это анонимный, насыщенный битами стиль, известный как Trance, поскольку его симметрия и простота перекликаются с его собственной работой, при этом играя в направлении более глубоких и интуитивных эмоций.

99 Cent

Фотография 99 Cent (1999) была сделана в магазине 99 Cents Only на бульваре Сансет в Лос-Анджелесе и изображает его интерьер в виде вытянутой горизонтальной композиции параллельных полок, пересекаемых вертикальными белыми колоннами, на которых обилие «аккуратно маркированных пакетов превращается в цветные поля, создаваемые бесконечными массивами идентичных продуктов, отражающихся от блестящего потолка» (Уайатт Мейсон). На картине «Рейн II» (1999 г.) изображен участок реки Рейн за пределами Дюссельдорфа, сразу читаемый как прямой участок воды, но также как абстрактная конфигурация горизонтальных полос разной ширины.В своей серии из шести частей Ocean I-VI (2009-2010) Гурски использовал спутниковые фотографии высокой четкости, которые он дополнял из различных источников изображений в Интернете.

Linhofs большого формата

Гурски снимает на широкоформатные камеры 5 x 7 и 4 x 5 дюймов, прежде чем сканировать свои негативы для цифровой обработки. Гурски использует пленку 100 ASA Fuji в двух широкоформатных камерах Linhof , которые расположены бок о бок, одна с небольшим широкоугольным объективом, а другая — со стандартным.Время выдержки: 1/8 секунды, диафрагма от 5,6 до 8. Ему это нужно для глубины резкости, а относительно низкочувствительная пленка — для разрешения. В то время как любое случайное размытое движение отбрасывается позже в процессе. Он набирает скорость за счет недоэкспонирования пленки на одну диафрагму и проявляет ее с помощью обработки толчков.

© Андреас Гурски — Рейн II

Но пейзаж, настолько плоский, яркий и минималистичный, что на первый взгляд кажется абстрактным, теперь является рекордсменом по стоимости самой дорогой фотографии.(4,3 миллиона долларов)
Хромогенная цветная печать, нанесенная на акриловое стекло, намного превысила оценку продаж в 2,5–3,5 миллиона долларов.
Rhine II, 1999, является одной из шести фотографий Гурски, четыре из которых находятся в крупных музеях, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке.

Рекордные цены

Таким образом, предыдущий рекорд был установлен в мае этого года американской художницей Синди Шерман Без названия № 96 (1981), также на Christie’s в Нью-Йорке. Гравюра, на которой изображен художник в костюме влюбленного подростка, снятая в 1981 году, стоила 3 ​​доллара.89м.

Но конец 1980-х, когда Гурски привлек внимание, был временем, когда фотография впервые вошла в пространство галерей, и фотографии заняли свое место рядом с историческими картинами. Однако масштаб и внимание к цвету и форме в изображениях Гурски можно рассматривать как преднамеренный вызов статусу живописи как «высшего» вида искусства.

© Андреас Гурски

Но Гурски обращает свой взор на обезличенные, созданные руками человека или повторяющиеся пространства — то, что он называет «антисептическими промышленными зонами».Он классно фотографировал финансовых торговцев с высоты и заводских рабочих у конвейерных лент.
Художник откровенен в том, что гиперреалистичные эффекты, наблюдаемые в Rhine II — серебристая вода, ухоженное совершенство геометрических линий и цветовые контрасты — являются результатом цифровой коррекции. Но он по-прежнему пользуется пленкой.

Он выставлялся на международных выставках. Linhof 5 × 7 и Linhof 4 × 5

Artnet

Веб-сайт

После Гурски от Atlas of Places (200RE) — Atlas of Places (200RE)

На фотографиях

Гурски с высокой степенью детализации запечатлены как природные, так и созданные руками человека окружающие среды, записанные непосредственно с помощью малоформатной камеры, как в Klausen Pass (1984), или составленные в цифровом виде из серии снимков, как в Rhine II (1999).Благодаря огромному масштабу и высокой точности художник сочетает бесстрастную точку зрения с чувством запредельного величия. Несмотря на разнообразный технический подход и разнообразную тематику, выставка выражает уникальную точку зрения Гурски. «Для меня, — сказал Гурски, — не имеет значения, занимаюсь ли я пейзажем, натюрмортами, интерьером или архитектурой. Для меня это просто мой взгляд на мир ».

«Андреас Гурски: Пейзажи» организован директором Пэрришского художественного музея Терри Султаном, которая использует необычный подход, исследуя работы Гурски через призму исторического пейзажа, находя эстетическую и философскую синхронизацию между этим современным художником и художниками XIX века.В своем эссе-каталоге Султан предполагает, что подход Гурски к созданию пейзажей такими, какими он их видит, а не такими, как они существуют, помещает его в исторический контекст с американскими художниками школы реки Гудзон, которые, как художники-исследователи, путешествовали, открывали и изображали экзотические места, часто созданные из композиций различных мест, а не непосредственно из одного вида.

«Учитывая глубокую связь Пэрриша с историей изображения пейзажа через живопись и фотографию, взгляд на работы Гурски через этот объектив уместен», — сказал Султан. «Я думал о том, как замечательные художники Школы реки Гудзон, такие как Фредерик Черч и Альберт Бирштадт, а также фотограф Карлтон Уоткинс, были эстетическими и философскими предками Гурски, и как его изображения могут быть контекстуализированы по-новому, как это отражено в искусстве Пэрриш. Постоянная коллекция замечательных пейзажных изображений в музее ».

Ранние пейзажи, такие как Энгадин I (1995) и Тур де Франс (2007), отражают огромное величие естественной местности, где люди представлены в миниатюрном масштабе.Напротив, Салерно (1990), изображающий плотный промышленный порт на побережье Амальфи, и Бахрейн I (2005), с его полосами черных гоночных дорог, прорезающих суровую пустыню, представляют искусственные формы в крайней степени, показывая, как люди заявить права на окружающую среду, резко изменив топографию.

Пейзажи Гурского выражают плотность и экспансивность — противоположности, которые могут населять одно и то же пространство в его работах. Об этих массах свидетельствует как разоренная, хаотическая топография огромной мусорной свалки в «Без названия XIII» (2002 г. ), так и тысячи людей, позирующих в упорядоченном цветочном саду в Пхеньяне I (2007 г.).И наоборот, необъятные пейзажи, изображенные в Rhine II (1999) или Ocean VI (2010), выражают безграничную пустоту, без каких-либо следов человечности за пределами собственного участия фотографа.

В то время как образы Гурски могут казаться отстраненными, бесстрастными или безличными, его точка зрения не обязательно означает, что он не тронут тем, что он видит и переживает. В начале своей карьеры художник выработал свой подход к созданию изображений, ища изображения, которые он мог запечатлеть и раскрыть. Некоторые, как, например, Салерно, по его словам, «настолько идеально составлены, что вы даже представить себе не можете, что это прямые фотографии, но они есть».Гурски уточняет: «Но чтобы найти такие идеальные композиции, мне пришлось проехать тысячи километров».

Совсем недавно он принял другой подход, и многие его изображения, такие как Рейн II, не полностью существуют в материальном мире. Скорее, это изобретения — композиции, созданные из цифровых агрегатов, чтобы передать ощущение места в абстрактном. «Теперь у меня есть свои образы более или менее в памяти, и я смотрю на реальность по-другому, потому что я знаю, что я не зависим от ситуации, которая показывает все в сбалансированной композиции», — говорит Гурски.«Поскольку у меня есть цифровые возможности, я могу работать более независимо. Я не художник, но теперь у меня такая же свобода ».

Другие связали возвышенные пейзажи Гурски с картинами немецкого романтика Каспара Давида Фридриха, и хотя Гурский сознательно не намеревался пересмотреть восторженный романтизм, воплощенный в образе Фридриха, он понимает, что зрители могут сразу же прийти к этой ассоциации. Например, сверкающий интерьер огромного бензобака в Катаре (2012) во многом композиционно имитирует огромные пейзажи и одиноких людей, изображенных Фридрихом.В загадочном Катаре человечество представлено крошечным техником, которого не может не заметить индустриальный ландшафт. «Я не имею в виду Фридриха и не строю композицию так, чтобы напоминать эти картины. Как художник, я признаю, что в нашей коллективной памяти есть иконы », — отмечает Гурски. «И я держу эту историю в памяти на заднем плане».

И Гурски, и Фридрих готовы оценить раскол между идеалом земли как божественного творения и реальностью воздействия человеческой деятельности.Кроме того, то, что Гурски разделяет с американскими художниками Фридрихом, Черчем или Уоткинсом — его предшественниками в девятнадцатом веке, — это растущее признание того факта, что строительство, коммерциализация и глобализация, меняющие ландшафт, восстанавливают и меняют внешний вид и использование места.

Андреас Гурски в Sprüth Magers, Берлин, Германия, 12 сентября — 14 ноября 2020 г.

Sprüth Magers рад представить обширную выставку новых фотографий Андреаса Гурски, его первую новую коллекцию работ почти за три года.Группа недавних работ, впервые выставленная в берлинской галерее, присоединится ко многим из его самых знаковых работ для ретроспективы художника в MdbK Leipzig в декабре 2020 года. В новой работе Гурски поднимает ряд тем, которые он исследовал. в течение многих десятилетий. Несмотря на преемственность в теме и предмете — наша искусственно созданная среда, влияние человечества на мир природы — новые фотографии включают его анализ в текущие события, предлагая обновленные настройки и ситуации для исследования.

Rhine III (2018) пересматривает его важную работу Rhine II (1999) — размеры, установка и состав обоих почти идентичны.И все же всего двадцать лет спустя настроение резко изменилось. Из-за засухи летом 2018 года река опустилась до рекордно низкого уровня, и новая картина предлагает антиутопическое видение некогда цветущего речного пейзажа. Cruise (2020) также напоминает о более ранней работе, Paris, Montparnasse (1993). Та же сетчатая структура, но вместо большого жилого дома здесь сотни окон на борту огромного круизного лайнера. Как и в случае с изображением Парижа, Круз показывает человеческую среду, разбитую на модернистскую сетку.

Politik II (2020) непосредственно следует за работой Гурски Rückblick (2015), также включенной в выставку, для создания новой серии, посвященной политическим структурам. В течение нескольких месяцев Гурски внимательно следил за деятельностью депутатов немецкого Бундестага. Politik II показывает тринадцать политиков в оживленных беседах, фигуры заполняют всю картину. Тот факт, что только один человек стоит в стороне и смотрит в газету, подчеркивает отголоски между изображением Гурски и типичным изображением Тайной вечери.В то время как в Rückblick юмор едва заметен — что выражается, например, в шлейфе дыма над Гельмутом Шмидтом как отличительная черта бывшего канцлера, в Politik II юмор более смелый. Кто берет на себя роль спасителя в этом подразумеваемом изображении Тайной вечери — Ангела Меркель, которая немного сместилась из центра картины, или Антон Хофрейтер, чьи волосы до плеч, кажется, подходят ему?

Еще в 1994 году Гурски сфотографировал высотное здание штаб-квартиры HSBC в Гонконге. Здание, спроектированное британским архитектором лордом Норманом Фостером, по-прежнему является доминантой

особенность горизонта Гонконга. В то время как в Hong Kong Shanghai Bank (1994) все еще можно ясно видеть сотрудников на разных этажах, в Hong Kong Shanghai Bank I (2020) красно-оранжевые диодные занавески закрывают окна, экран от посторонних глаз . В Hong Kong Shanghai Bank II (2020) фасад, кажется, отражает текущие события перед банком: море разноцветных зонтиков с узорами, лицами и лозунгами Движения зонтиков 2014 года.На другой фотографии, Hong Kong Shanghai Bank III (2020), слова в горизонтальных полосах тянутся по фасаду здания. Выделяя все, от деятелей культуры до политических горячих точек, эти слова предлагают читателю задуматься о мощных структурах, которые фильтруют нашу интерпретацию исторических событий.

В октябре 2019 года в Национальной портретной галерее в Лондоне был представлен портрет Гурски Джонатана Айва, на котором дизайнер Apple был изображен в новой штаб-квартире компании, спроектированной Foster + Partners в тесном сотрудничестве с Айвом. Гурски сделал вторую фотографию, Apple (2020), на том же самом месте, которое будет показано на берлинской выставке. Apple предлагает iPhone и компьютеры различных поколений в том же положении, что и дизайнер, но размещенные на пьедесталах и выстроенные вдоль изогнутого окна, как в музее.

Наряду с другими новыми работами, такими как Bauhaus, Pigs I и Untitled XXIII (все 2020), также представлены более старые работы, такие как Antarctic (2010), Utah и Tokyo (оба 2017). , а выставка в целом дает возможность увидеть ряд преемственности и новых достижений в творчестве художника.

Андреас Гурски (* 1955, Лейпциг) живет и работает в Дюссельдорфе. Персональные выставки включают его предстоящую ретроспективу в MdbK Leipzig (декабрь 2020 г.), галерее Hayward, Лондон (2018 г.), Национальном художественном музее, Осака (2014 г.), Национальном художественном центре, Токио (2013 г.), Stiftung Museum Kunstpalast, Дюссельдорф (2013 г. ) и Музей современного искусства Луизианы, Копенгаген (2012). Персональная выставка, организованная Музеем современного искусства в Нью-Йорке (2001), посетила Centro de Arte Reina Sofia, Мадрид, Центр Жоржа Помпиду, Париж, MCA, Чикаго и SFMOMA, Сан-Франциско.Его первая ретроспектива, Retrospektive 1984–2007 , была показана в Haus der Kunst в Мюнхене и совершила поездку в Стамбульский музей современного искусства и Шарджа (2007), затем в Фонд Екатерины в Москве и Национальную галерею Виктории, Мельбурн (2008). Андреас Гурски: Верке 1980–2008 открылся в Museum Haus Esters Haus Lange, Крефельд (2008) и посетил Moderna Museet, Стокгольм и Художественную галерею Ванкувера (2009).

Пресс-релиз любезно предоставлен Sprüth Magers.

Андреас Гурски: немецкий фотограф, запечатлевший промышленные масштабы нашего времени

ЕЖЕДНЕВНЫЕ ГЕРОИ: Основная культура, курируется ежедневно
WEDNESDAY ART IDOL: Карьера художников с непревзойденным видением

Андреас Гурски — немецкий фотограф, чьи крупномасштабные цветные изображения не только бьют рекорды на аукционах, но и меняют представление о фотографии. Как один из самых желанных фотографов, работающих сегодня, Гурски визуализирует невообразимые масштабы современности с помощью фотографий, которые заставляют вас стоять перед собой.

Ранняя жизнь

Андреас Гурски родился в восточной Германии в семье фотографов. Он вырос и учился в Эссене и Дюссельдорфе, чьи сцены фотографии оказали глубокое влияние на его творчество. В Эссене Гурски впервые развил свои технические навыки, изучая визуальную коммуникацию у ведущих немецких фотографов-документалистов 20 века Отто Штайнхарта и Михаэля Шмидта с 1978 по 1981 год.

Оттуда он перешел в Дюссельдорфскую художественную академию, всемирно известную Мекку современной фотографии, возглавляемую легендарными немецкими художниками-концептуалистами Берндом и Хиллой Бехер. В период с 1976 по 1998 год их фото-отдел выпустил поколения самых известных художников Германии — только Гурски считал Акселя Хютте, Томаса Штрута, Томаса Руффа и Герхарда Рихтера своими сверстниками.

Андреас Гурски, Рейн II, 1999, любезно предоставлено художником, © Андреас Гурски

Влияние Бехера

Бернд и Хилла Бехер были не только дальновидными учителями, но и выдающимися художниками, которые до открытия Академии были первыми фотографами, получившими звание «художники» с их серией типологий исчезающей промышленной архитектуры в Руре. .Гурски принял эту эстетику и под руководством Бехера сам продвинул ее, чтобы расширить границы фотографии.

Как и многие ученики Бехера, Гурски размывает представление о фотографиях как о правдивых изображениях. Хотя он начал цифровую обработку изображений только в начале 90-х (после того, как Рафф уже сделал это), это определяющая черта его работы, которая подрывает традиционную роль фотографа. Таким образом, изображения Гурски соединяют и фотографию, и искусство, ссылаясь на визуальный язык живописи — ее техники и композиции — при этом экспериментируя в цифровых рамках.

Андреас Гурски, перевал Клаузен, 1984, любезно предоставлено художником, © Андреас Гурски

Поздняя работа и звезда

Гурски изначально повторял стиль Бернда и Хиллера Бехеров маленькими черно-белыми гравюрами, но к середине 80-х он начал бороться с эпическим масштабом, который с тех пор стал определять его работу.Первоначально это проявлялось в изображениях людей, которые ходят пешком, плавают и катаются на лыжах, будучи затмеваемыми своим окружением ( Klausen Pass , 1984), опираясь на чувство возвышенности, которое стало для него центральным мотивом.

Все действительно изменилось в 1990 году с выходом Salerno I , когда Гурски начал цифровую обработку своих фотографий. Этот едва вообразимый образ неаполитанского портового города и окружающих его гор действует в своего рода эпическом масштабе, который лучше всего ассоциируется с пейзажами 19-го века. Сочетая размер с деталями: многоцветный груз, ожидающий транзита, шумный порт и миниатюрные дома, каждая часть фотографии предлагает свою собственную глубину, требующую многочасового индивидуального осмотра. Это константа для Гурски, чьи фотографии колеблются между микро и макро как с точки зрения перспективы: огромное изображение с микроскопическими деталями, так и тематика: местное место, которое демонстрирует универсальный дух современности.

Андреас Гурски, Салерно I, 1990, любезно предоставлено художником, © Андреас Гурски

С этого момента Гурски начал создавать крупномасштабные изображения с высоким разрешением, которые исследовали масштабы созданных руками человека творений, но в значительной степени опускали людей.Аэропорты, супермаркеты, многоквартирные дома, массовые собрания в Северной Корее, реки, океаны, фондовые биржи и свалки — все это привлекало внимание Гурски не только своими размерами (Гурски всегда фотографирует на расстоянии, иногда с вертолета), но и тем, о чем они рассказывают. глобализация, капитализм и человеческое потребление.

Несмотря на то, что его фотографии не содержат явного политического послания, они связаны этим увлечением перспективой и масштабом не только с точки зрения физического размера (его фотографии часто превышают 2 метра), но и тех промышленных сил, которые они изображают, и того, что они говорят. современная цивилизация.

Андреас Гурски Пхеньян II, Диптихон, 2007, любезно предоставлено художником, © Андреас Гурски

99 центов (1999)

Есть что-то ироничное в фотографиях Гурски дешевых товаров массового производства, побивших рекорд самой дорогой фотографии, проданной на аукционе (за 3,34 миллиона долларов в 2007 году).Сделанная в магазине за 99 центов в Лос-Анджелесе, фотография представляет собой взрыв цвета и мельчайших деталей, которые, как и многие работы Гурски, поначалу трудно различить. Только как только глаз привыкает, цвет раскрывается как упаковка, и становятся видны знакомые бренды, сложенные в бесконечных проходах.

Андреас Гурски, 99 Cent, 1999, любезно предоставлено художниками, © Андреас Гурски

Гиперреальные детали и информационная перегрузка — общие элементы для Гурски, наряду с необычной перспективой изображения, которое, по словам датского куратора Фредерика Стьернфлета, создает впечатление человека, «видимого из ниоткуда».Это гипнотическое качество дает «странное ощущение избытка записанных деталей, выходящих далеко за пределы того места, где внимание зрителя сосредоточено в любой момент».

По своей линейной композиции и огромному размеру (размером более 6 × 11 футов) фотография больше напоминает произведение абстрактного экспрессионизма, но сцена банальна и, вероятно, может быть где угодно в мире. В этом-то и дело. Со своим почти клаустрофобным чувством излишеств и сахаристости, цвета «выбери меня», 99 Cent выражает эпоху глобализированного потребительства в одном образе.Некоторые считают это резким заявлением о капитализме и материальной жадности, в то время как другие думают, что это просто способность Гурски находить искусство в повседневной жизни.

Верхнее изображение: Андреас Гурски, Салерно I, 1990, любезно предоставлено художником, © Андреас Гурски

Подробнее Выставки — Как Андреас Гурски превратил склад Amazon в искусство | Журнал 1843

Немецкий фотограф очарован инфраструктурой глобализации


Саймон Уиллис

Однажды летом 1984 года Андреас Гурски отдыхал в Швейцарских Альпах, когда он сфотографировал перевал Клаузен, показывающий пастбище под серой зубчатой ​​вершиной. Лишь позже, когда он увеличил изображение, он заметил, что еще там было: ряд крошечных пешеходов простирался под горой. Фигуры были либо поодиночке, либо парами и широко расставлены по ландшафту. Это были посторонние люди, делавшие то же самое, но в одиночку.

Эта картина открывает новую ретроспективу работ Гурски в галерее Hayward в Лондоне и иллюстрирует ее самую сильную тему: единообразие. Вначале рассматриваемое единообразие мягкое, даже пастырское.Швейцарский снимок является частью серии о пейзаже и отдыхе, его так называемых «воскресных снимках», снятых в 1980-х годах и изображающих людей, которые едут на велосипеде, гуляют, ловят рыбу и плавают. Используя широкий угол и высокие перспективы, Гурски запечатлел группы людей, занятых одним и тем же занятием, будь то отдых у бассейна в немецком городе Ратинген или рыбалка на берегу Рура.

Если цена подходящая 99 Cent II (1999/2009)

Но позже, когда Гурски начал путешествовать, он обратил свое внимание на инфраструктуру глобализации. Он снимал толпы торговцев на площадках фондовых бирж в Токио и Чикаго, аккуратные ряды автомобилей и грузовых контейнеров, ожидающих погрузки на корабли в порту Салерно, интерьер магазина, где есть все, от масляных стаканчиков Риза до пластиковой мебели. по цене 99 центов ( выше ), а также строгая сетка из черных солнечных панелей, покрывающих ландшафт французской солнечной фермы. «Меня интересует не конкретное место, а то, что он говорит о сегодняшнем мире», — сказал Гурски.Образ мира, который представляют его картины, стандартизирован, систематизирован и коммодифицирован.

Гурски родился в 1955 году в Лейпциге, где его отец руководил студией коммерческой фотографии, специализирующейся на рекламе. В начале 1980-х он поступил в Дюссельдорфскую художественную академию, где изучал фотографию с Берндом и Хиллой Бехер, мужем и женой, которые делали строгие снимки промышленной архитектуры — водонапорные башни, газовые баллоны, шахты, часто расположенные в виде сеток. Хотя их изображения были черно-белыми, Гурски с самого начала работал с яркими цветами; и в то время как Бехеры ограничивали свой выбор предмета, Гурски имел широкий диапазон. Тем не менее, он унаследовал их интерес к систематизации и повторению индустриального общества. Это сделало его работы одними из самых ценных в современном искусстве.

«Рейн II» (1999, обновленный 2015)

На этом снимке река, ограниченная плоскими травянистыми берегами в жесткой композиции горизонтальных зеленых и серых полос, парит на грани абстракции. В 2011 году «Рейн II» был продан на аукционе за 4,3 миллиона долларов, что сделало его самой дорогой фотографией из когда-либо проданных.

«Бахрейн 1» (2005)

В начале 2000-х Гурски сделал серию снимков Формулы-1.В сериале их двое. На первом изображены машины на пит-стопе, по которым ползают толпы механиков, а зрители смотрят сверху. Это изображение было обработано в цифровом виде, чтобы добавить больше механики, чем было бы в реальной жизни, что усилило ощущение фетишизма высоких технологий. Это изображение гоночной трассы, снятое с вертолета, также было впоследствии перекомпоновано на компьютере, чтобы усилить его абстракцию и инопланетность плотного черного клубка асфальта на фоне песка.

«Les Mées» (2016)

На самых ранних фотографиях досуга Гурски иногда вторгались в ландшафт признаки современной инфраструктуры.«Крефельд» (1989) показывает деревья на летнем склоне холма с тонким кабелем, идущим горизонтально через сцену. На сказочно большой фотографии «Рурская долина» (1989) одинокий мужчина в зеленом анораке и резиновых сапогах стоит в сельской местности под темным бетонным переходом. В «Les Mées», снятом на солнечной ферме во Франции, он доводит эффект до новой крайности, мягкие волнистости сельского пейзажа, почти полностью покрытые черными панелями.

«Amazon» (2016)

Это показывает внутреннюю часть склада Amazon, где товары, ожидающие доставки, образуют плотную смесь цветов.Их расположение, не имеющее интуитивно понятного визуального смысла, было разработано алгоритмами и ищется с помощью цифровых сканеров. Если Гурски начал с человеческого единообразия, его более поздние работы кажутся постчеловеческими.

Leave a Reply

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *