Создание композиции: Основы композиции в дизайне | Журнал Ярмарки Мастеров

Основы композиции в дизайне | Журнал Ярмарки Мастеров

Довольно часто встречаю статьи о законах композиции, но постоянно там чего-то не хватает, то есть это либо основные принципы, либо рассказ о каком-то одном законе и так далее. Я постаралась собрать все доступные знания о композиционном построении и рассказать о них доступным языком, не углубляясь в психологию, цвето- и световосприятие.

В любом виде искусства ключевую роль играет правильное расположение элементов произведения, позволяющее наиболее точно передать идею этого произведения. То есть выделить ключевые сюжетные линии, передать необходимое настроение и соблюсти при этом гармонию. Композиция (от латинского compositio) и является соединением (сочетанием) этих элементов в единое целое.

Композиционный и геометрический центр.

Вне зависимости от того строите ли вы композицию на бумаге, через фотообъектив или на мониторе компьютера, две диагональные линии при проведении из угла в угол, дадут точку пересечения — геометрический центр композиции. Любой предмет вписанный в этот центр будет смотреться гармонично.

Композиционный центр служит для фокусировки внимания зрителя на деталях композиции. В фотографии, живописи и рисунке, как правило, выделяются сюжетно-композиционные центры. То есть, в композиционном центре находится основной сюжет произведения. Композиционный центр и геометрический центр композиции могут не совпадать. Композиционных центров в композиции может быть несколько, в то время, как геометрический центр один.

Иногда композиционный центр нарочно смещают, например, для придания композиции динамики.

Способы выделения композиционного центра.

Динамика и статика.

Слева статика, мы видим прочно стоящую композицию с надежным основанием. Справа динамика, композиция наклонена относительно линии горизонта, композиционный центр смещен.

Благодаря нашему удивительному ассоциативному мышлению, разные динамические композиции вызывают разные ассоциации. Например, мячик справа вот-вот скатится, а слева уже скатился по перекладине.

Симметрия и асимметрия в композиции. Равновесие.

С симметричной композицией, как правило, не возникает проблем, статична она или динамична, нам «удобно» на нее смотреть, она понятна. Различают несколько видов симметрии: зеркальная, осевая, вращательная (поворотная), центральная и скользящая симметрия.

В случае с асимметрией необходимо правильно уравновешивать композицию. Для большинства людей равновесие — это психологическая необходимость для правильного восприятия всего образа в целом. Равновесие может достигаться противопоставлением размеров, форм пятен цвета и тени.

Хорошая композиция не позволяет произвести какие-то добавления или, наоборот, что-нибудь убрать, так как это в свою очередь приведет к глубоким изменениям ее характера.

Метр и ритм.

В графическом дизайне существует понятие метрических и ритмических композиционных рядов, на практике этими законами композиции пользуются почти каждый мастер.

Ритм — важное средство организации элементов формы, которое реализуется как многократное закономерное чередование элементов ряда с целью их упорядочивания.
Чувство ритма — это врожденное чувство людей. Ритм легко воспринимается и воспроизводится. Первобытный человек ощущал цикличность природных явлений и жизненных процессов, их ритмы. Это оказало существенное влияние на формирование первых орнаментальных образов.

Принято выделять метрические, ритмические и метроритмические ряды в зависимости от характера и количества изменений.

Метрический ряд — закономерное повторение равных элементов через равные промежутки. Метрический ряд сообщает целому статический характер. Метрический ряд может быть простым и сложным. Простой метрический ряд основывается на повторении одного элемента через равные интервалы. Сложный метрический ряд возникает при сочетании нескольких простых метрических рядов, то есть когда развивается несколько метрических повторов.

Ритмический ряд — закономерное повторение, которое основано на изменении элементов ряда, интервалов между ними или тех и других одновременно. Поэтому выделяют также простой и сложный ритмический ряд. Ритмический ряд сообщает целому динамический характер за счет возможного характера изменений (нарастание или убывание интервалов между элементами, нарастание или убывание размеров элементов, изменение цвета и так далее). Для построения ритмического ряда необходимо 4-5 элементов, так как еще 3 элемента не создают впечатления закономерного повтора.

Метро-ретмический ряд характеризуется наличием нескольких простых рядов, которые складываются в композицию.

Перспективное сокращение.

Существует очень интересный способ составления композиции путем привязок к угловой или фронтальной перспективе. Мы рассмотрим на примерах несложных перспектив. В отличии от аксонометрии размеры предмета в перспективе не вычисляются, используют один реальный размер, который является отправной точкой.

Фронтальная перспектива рассчитана на фиксированную точку зрения и предполагающий единую точку схода на линии горизонта. Предметы уменьшаются пропорционально по мере удаления от переднего плана.

Угловая перспектива всегда имеет 2 точки схода, все плоскости стремятся к этим точкам.

Все остальное разнообразие перспектив изображения являются производными от двух основных угловой и фронтальной, к ним относятся: линейная обратная перспектива, сферическая перспектива, плафонная перспектива, билатеральная перспектива, аспектива и перцептивная перспектива. Особое место хочется уделить воздушной (тональной) перспективе. Она характеризуется исчезновением четкости и ясности очертаний предметов по мере их удаления от глаз наблюдателя. При этом дальний план характеризуется уменьшением насыщенности цвета. Цвет теряет свою яркость, контрасты светотени смягчаются, таким образом, глубина кажется более светлой, чем передний план.

___________________________________________________________________________________________

Я намеренно не упоминала такой способ построения композиции, как Золотое сечение, на мой взгляд, золотое сечение — отдельная большая тема, и познакомиться с ней вкратце просто не получится. На Ярмарке Мастеров и так множество прекрасных статей о золотом сечении, например «Золотое сечение. Божественная пропорция» (автор — Даша Самаркина).

__________________________________________________________________________________________

В заключении хочется добавить, что законы композиции не обязательно строго исполнять, они часто противоречат друг другу, но прежде чем их нарушать, стоит научиться ими пользоваться.

Спасибо за внимание!

От автора: все композиционые схемы и примеры (на сером фоне) отрисованы лично мной, пожалуйста при использовании этого материала не забывайте ссылаться на авторство. Спасибо.

Использованные материалы: Выразительность графических и семантических средств в орнаменте. Литвинович Е.И.;

Основы композиции в дизайне. Tanya Flower; Перспектива — Виды перспективы. Шедевры Омска.

Основы композиции. Изучаем композицию в рисунке в натюрморте

В любом деле есть свои принципы и законы, которым нужно следовать, чтобы достичь высоких результатов. Не исключение и изобразительное искусство. Без знания законов построения, перспективы и пр. вы не сможете сделать профессиональную качественную работу.

Всему этому нужно учиться и не забывать про постоянную отработку навыков рисования. Правильно рисовать вас научат в школе-студии «Мастер рисунка». Но уже сейчас вы сможете узнать об одном из важных принципов изобразительного искусства – композиции.

Что такое композиция, и какая она бывает

Когда мы фотографируем, то выбираем наиболее удачный ракурс, чтобы получился хороший кадр. То есть, ищем ту точку, из которой лучше всего будут видны объекты, которые мы хотим увидеть на фотографии.

То же самое и в рисунке. Здесь не менее важно найти тот удачный ракурс, который наилучшим образом передаст идею изображения. Только в отличие от фотографии мы сами можем распределять объекты на листе и менять их размеры. А для этого нужно сперва овладеть базовыми принципами, по которым строится композиция.

Итак, сперва немного теории про саму композицию. Для начала нужно понять, что же такое композиция и почему она так важна.
Композиция – расположение изображаемых объектов на холсте. То есть, распределение фигур в пространстве и их соотношение. Если правильно расположить предметы, то визуально они будут гармонировать между собой.

Композицию можно поделить на 2 вида: статичный и динамичный. Первый вид передает ощущение равновесия и спокойствия, то есть статичности, а второй наоборот – движения и эмоциональности.

Как же добиться статичности изображения? Ощущение неподвижности создают прямые линии: вертикальная ось и горизонтальная линия. То есть на листе должны быть расположены предметы, которые будут перпендикулярны линии горизонта.

Чтобы добиться динамики, нам нужно сместить угол наклона вертикальной линии, это добавит движения в нашу композицию.

Для наглядности можно привести пример со стаканом. Если вы изобразите его стоящим на столе (стакан – вертикальная прямая, а стол – линия, параллельная горизонту), то такую композицию можно назвать статичной, т.к. стакан просто стоит на столе. А если вы изобразите наклоненный стакан (то есть угол вертикальной оси сместится), то создастся ощущение, что стакан падает (динамичная композиция).

Понятие композиционного центра

Композиционный центр – это то, на чем должен зритель сфокусировать свое внимание. По задумке художника именно этот объект должен в первую очередь привлечь к себе взгляд. Этот центр нужно уметь не только определять, но грамотно сделать на нем акцент, не нарушив общую композицию. Конечно, есть варианты, когда центр отсутствует, но это уже специфические работы и скорее исключение.

Как выделить центр

Тут есть свои приемы, которые помогут выделить нужный объект на фоне остальных.

1. Контрастный центр. Он создается при помощи разницы между светлыми и темными объектами. Композиционный центр противопоставлен по цвету остальному рисунку. Он должен быть либо светлее, либо темнее остальных элементов изображения. Такой контраст сразу привлечет внимание зрителя. Но помните, что затемненные предметы визуально кажутся меньше, чем светлые. Поэтому, используя этот метод важно не нарушить пропорции, иначе можно разрушить удачную композицию.
2. Оси. Можно использовать направляющие линии. Они будут вести к центру композиции. Предметы надо расположить так, будто они нанизаны на ось и стремятся к центру. Можно использовать и просто направленные линии, если того требует задумка художника.

3. Размерность. Самый простой способ показать центр – сделать это через размер изображения. Соответственно, если объект больше остальных, то на него в первую очередь и упадет взгляд зрителя. Можно сделать и наоборот: центр композиции может быть меньше по размеру, чем все остальные предметы на листе, что поможет достичь того же эффекта.

4. Многоплановость. Но на картинке может быть изображено множество различных предметов. Тогда нам поможет многоплановость. С ее помощью можно передать глубину пространства. Композиционный центр мы выводим на передний план, а все остальные предметы – на задний. Можно сделать и наоборот, переместив центр на задний план. Принцип тот же – только один предмет на заднем плане, остальные на переднем. Усилить разницу поможет размывка изображения. Это как в фотографии, когда в фокусе остается только нужный объект.

В работе можно использовать сразу несколько приемов. Главное, при построении не забудьте учесть пропорции и законы перспективы. Все объекты на листе подчинены центру композиции, и именно от него будет зависеть размер предметов на картине в целом.

Основные принципы композиции

Мы уже познакомились с некоторыми хитростями, которые можно использовать для создания статики или движения и привлечения внимания к определенному объекту. Теперь пришло время рассказать об основах создания непосредственно композиции, которые должен знать каждый художник, приступая к работе.

Целостность

Картина – это законченное целостное произведение. При взгляде на нее должно создаваться ощущение завершенности. Все предметы должны быть объединены одним общим смыслом и находиться в одной среде. Это и делает композицию гармоничной.

«Золотое сечение»

Его еще называют «золотой пропорцией». Это понятие, которое является эталоном структурной гармонии. В количественном виде это выглядит так. Если мы берем всю длину линии за 100% и делим ее на две части, то соотношение отрезков должно быть 61,8% к 38,2%.

1. Спиралевидное сечение. Оно еще называется спиралью Архимеда. Нужно представить себе спираль на бумаге и расположить на ней объекты.

2. Диагональное сечение. Оно применимо, когда изображаются предметы разные по смыслу. Для этого мы проводим диагональ, делящую лист на два треугольника. Из одной из углов листа проводим перпендикулярный отрезок к уже имеющейся диагонали. В итоге на листе у нас получилось три разных треугольника. Все значимые объекты мы располагаем внутри них. Для создания гармоничной композиции нужно масштаб предметов соотнести с пропорциями треугольников: большой объект — в большом треугольнике, маленький — в наименьшем и т.д.

Правило третей

Упрощенная версия сложного «золотого сечения» — правило третей. Для этого нужно поделить лист на 9 равных частей перпендикулярными линиями. Самый простой вариант, чтобы создать гармоничную композицию – расположить значимый объект в центральном прямоугольнике. Если вы изображаете несколько объектов, то лучше это сделать на пересечении линий нашей прямоугольной сетки. Если нужно выделить какие-либо объекты, их лучше располагать непосредственно на линиях. Если вы рисуете пейзаж с четкой линией горизонта, то соотношения неба и земли будет 2 к 1.

Закон соотношения краев рисунка к его плоскости

Чтобы создать ощущение пространства, мы можем использовать различные приемы. Например, если изобразить предмет ближе к нижнему краю листа, то он будет восприниматься как объект, расположенный к нам ближе.
Если предмет находится далеко от края, особенно это касается центрального расположения, то кажется, будто он находится вдалеке.

Восприятие зрителем

Теперь поговорим о восприятии зрителя при взгляде на ту или иную картину. Ведь для художника самое важное – это передать свою идею при помощи живописи.

Обычно человеческий взгляд направлен слева на право. Поэтому композиционный центр лучше расположить с левой стороны. Если рисунок с динамичной композицией, то из левого края движение лучше направить вправо. Динамичные работы привлекают больше внимания, чем статичные.

При создании работы важно учитывать, какие эмоции вы хотите вызвать у зрителя. Нужные ощущения также можно создать при помощи линий. Так, горизонтальные линии создают чувство неподвижности. Вертикаль – устремление ввысь, к чему-то важному. Диагонали и наклонные линии – ощущение удаления, пути, уходящего вдаль. Обрывающиеся и пересекающиеся линии демонстрируют бурные эмоции, неприятные чувства или даже агрессию, это видно на картинках, где изображены баталии.

Плавные линии, изгибы символизируют покой, что явно ощущается в пейзажах.

Составляем композицию предметов на листе в натюрморте

Итак, мы разобрались с теорией. Теперь посмотрим классическую композицию, такую как натюрморт, и покажем какие из приемов мы можем использовать при создании работы.

Изначально важно продумать, что мы будем изображать и из чего будет состоять наша работа. Даже если это просто учебная постановка, предметы не должны быть расположены хаотично, а должны быть подчинены единой идее и тематике.
Составляя композицию предметов, учитываются три момента:

1. Формат (горизонтальный, вертикальный или квадратный)
2. Симметрия или асимметрия
3. Композиция (схема): треугольник, диагональ или круг.
А теперь посмотрим все по порядку. Начнем с формата.
Горизонтальный наиболее распространен. Он позволяет расставить большее количество предметов на столе. Для создания глубины нередко добавляют ниспадающую драпировку.

При вертикальном расположении предметов создается ощущение роста. В таком формате хорошо смотрятся цветы, высокие вытянутые вазы. Квадратный формат помогает сконцентрировать внимание зрителя на центре и создает ощущение стабильности.
Округлый формат не особо распространен, т.к. не очень удобно располагать предметы.

Теперь посмотрим схемы, по которым лучше расставлять предметы.
Треугольник. При такой схеме в центре будет находиться самый высокий предмет, а в основании треугольника – более мелкие.
Круг. Такое расположение хорошо, когда вы используете формат «квадрат». При такой схеме нет главного предмета, который бы выделялся на фоне остальных.
Диагональ. В натюрморте такие наклонные линии будут создавать ощущение дисбаланса. Так же при помощи такой схемы можно создать акцент на пустой части листа, например, расположив там окно.

Правильное и неправильное расположение предметов

Предметы могут быть расположены симметрично, что создаст ощущение стабильности. Также статичности натюрморта можно добиться, если скомпоновать предметы близко друг к другу. Асимметричная композиция покажет динамику. Но тут важно сохранить композицию в целом, точнее равновесие в ней. А свободное расположение создает ощущение света и свободы.
Создавая композицию, можно пользоваться правилами «золотого сечения» и третей.

Предметы тоже надо подбирать особым образом. Лучше использовать три размера: большой, средний и малый. Не выстраивайте объекты в одну линию и следите, чтобы оси и контуры разных предметов не сливались. Для создания глубины лучше перегораживать один предмет другим.

Как видите, законов много, и их нужно не только знать, но и применять. Чтобы научиться создавать целостные гармоничные работы, записывайтесь на курсы в нашу школу, и опытный преподаватель научит вас создавать законченные картины, которые смогут в полной мере передать заложенную вами в них идею.

Похожие записи

Составление декоративной композиции | Журнал Ярмарки Мастеров

Декоративная композиция

Декоративная композиция – композиция с высокой степенью выразительности и декоративности, включающая в себя элементы стилизации, абстракции, усиливающие ее эмоционально-чувственное восприятие. От латинского decoro – украшаю. То есть декоративная композиция ставит своей целью украшать предметы, интерьер, элементы одежды и прочее.

Однако, любая композиция, в том числе и декоративная, должна подчиняться определенным законам построения – организации предметов на плоскости, их взаимосвязь между собой. В любой композиции особое внимание уделяется гармонии цветовых отношений. Для декоративной композиции характерна стилизация природных форм, использование графических эффектов для выявления индивидуальных особенностей изображаемых предметов и усиления их выразительности.

Сочинение композиции:

1. Понятие композиционного центра

Композиционным центром является предмет, который играет в композиции ключевую роль, на нем сосредоточено внимание.

Для выявления центра композиции могут быть использованы приемы:

— форма объекта;

— величина объекта;

— цвет;

— расположение на плоскости;

— смысловая нагрузка.

Предмет отличный по форме, цвету, величине, несущий смысловую нагрузку привлекает наибольшее внимание зрителя и тем самым, как правило, является центром композиции.

Без центра композиция является фрагментарной и не может считаться завершенной. В декоративно-прикладном искусстве также может встречаться «ковровая композиция», когда какой-либо орнамент повторяется бесконечное количество раз (раппорт) и композиция не имеет центра (текстиль, обои и тому подобное). Но, как правило, орнамент является лишь частью композиции и входит в нее как элемент украшения. Например, в работе Альфонса Мухи «Мечтательность» композиционным центром является девушка, а растительный повторяющийся орнамент служит дополнением к образу.

В станковой композиции действуют те же принципы и законы. Например, работа А.А. Иванова «Явление Христа народу» — фигура Христа расположена обособлено, она небольшая по сравнению с монолитной группой людей на переднем плане. Взгляд зрителя направляется на фигуру Христа от левого нижнего края картины вправо вверх к композиционному центру.

При составлении композиции (станковой и декоративной) художник должен позаботиться о том, чтобы у зрителя не возникало вопроса: что является главным в работе. Приведем и плохой пример с отсутствием центра – работа разваливается, становится дробной, и не ясно, ради чего она создавалась.

2. Организация пространства композиции

Один из способов взаимосвязи предметов между собой является членение плоскости на части. Существует множество способов, о которых можно прочитать в соответствующей литературе (рекомендую книгу Н.М. Логвиненко «Декоративная композиция»), но поделюсь самым простым способом, которым активно пользуюсь непосредственно я при работе над композицией – наложение плоскостей друг на друга.

А) Очерчиваем пространство будущей композиции – ограничиваемся неким форматом, он может быть горизонтальный, вертикальный и так далее.

Б) Предположим, что я создаю композицию на основе прямоугольников (можно сочетать прямоугольники и квадраты, треугольники и круги, это зависит от вашей задумки, главное, чтобы это были простые геометрические формы). На рисунке вы видите, что в пределах заданного формата я нарисовала пять прямоугольников.

В) Если эти прямоугольники воспринять как цветные листы бумаги наложенные друг на друга, то мы не увидим пересекающихся граней. Явление наложения объектов друг на друга с прорисовкой видимых и невидимых граней объекта называется оверлеппингом (при этом становится не ясно, какой из объектов находится на переднем плане, а какой на заднем).

Г) Когда грани объекта видны, мы может произвольно убирать какие-то из них и показывать, как накладывается один прямоугольников на другой, а также делать «врезки» прямоугольников друг в друга, либо оставить пересечение объектов.

Д) Когда плоскость организована, можно заполнять образовавшиеся прямоугольники цветом, орнаментом, фактурой, а также определить центр композиции.

Ж) Важно! При выборе орнаментов или фактур для вашей композиции необходимо чтобы один и тот же орнамент повторился хотя бы два раза. Все это направлено на достижение равновесия. Если один орнамент, например, кружки, находится слева, то такой же точно орнамент где-то должен повториться справа в композиции. Желательно использовать не более четырех разных фактур или орнаментов в одной композиции. Если вы опытный композитор, то можно брать и больше, но есть риск получить дробную негармоничную работу.

З) То же правило касается и цвета, если слева есть, например, желтый цвет, то он должен откликнуться и справа.

И) Центр композиции, как мы уже говорили выше, должен хорошо просматриваться и не вызывать вопроса – центр ли это? Центр также может быть врезан в композицию или линии плоскости могут пересекать его, либо он может быть просто наложен поверх линий плоскости.

К) При выборе орнаментов также не стоит увлекаться слишком большим разнообразием. Все орнаменты должны подходить друг к другу, например, по форме. Также орнамент должен соответствовать центру и находиться с ним в гармонии.

3. Стилизация природных форм

Стилизации посвящено много различной литературы. Здесь я хотела бы отметить лишь то, что при выполнении стилизации и включении стилизованных объектов в композицию, необходимо обратить внимание на выявлении аналогов между изображаемыми объектами. Плавные изогнутые линии сочетаются с круглыми, спиралевидными, овальными формами. Резкие угловатые, зигзагообразные линии соответствуют треугольным, квадратным формам. Это необходимо учитывать при построении композиции и выборе орнаментов. Опять же обратимся к работам чешского художника. Пластика линий тела девушки соотносится с пластикой растительных орнаментов, что усиливает ощущение плавности, тягучести, женственности изображаемых форм.

Про композицию можно говорить бесконечно долго, я постаралась в данной статье, максимально кратко сказать об основных моментах, без учета которых сложно скомпоновать и связать объекты между собой. Надеюсь, статья пригодится мастерам, ведь если не думать о композиции в произведении, то и произведения не получится. Успехов в творчестве!

10 правил композиции в фотографии

Эта статья – результат интерактивного обзора законов композиции, который мы ведем в телеграм-канале фотошколы @blenda_by (подписывайтесь!).

Каждую неделю мы разбираем какое-нибудь правило или прием композиции, постим 10 фотографий-примеров, а подписчики голосуют за самую лучшую, лишнюю или фотошкольную из них.

Мы уже разобрали 10 приемов композиции:

1. Симметрия
2. Золотое сечение и правило третей
3. Спираль Фибоначчи
4. Золотые треугольники
5. Паттерны и текстуры
6. Негативное пространство
7. Плотное кадрирование
8. Фрейминг
9. Диагонали
10. Правило треугольника

Симметрия

Симметрия – это мощный прием композиции, при помощи которого создаются и гармонизируются произведения искусства: архитектуры, дизайна, живописи, графики, фотографии.

Проще всего симметрию в фотографии описать так: если вы сложите идеально симметричную фотографию пополам вдоль линии симметрии, у вас получится две идентичные фотографии. Но симметричная композиция не предусматривает идеального совпадения элементов обеих половинок изображения. Взгляд зрителя может быстро устать от однообразия, поэтому несовершенность симметрии дает взгляду зацепиться и отдохнуть.

Существует всего три типа симметрии:

1. Вертикальная – вертикаль в виде здания, сооружения или дороги может разделять фотографию на правую и левую симметричные половинки.
2. Горизонтальная – отражения в воде создают симметричные изображения по отношению к линии горизонта.
3. Радиальная – линии, расходящиеся из центра изображения, создают радиальную симметрию.

Фрейминг

Фрейминг (в переводе с английского – рамка, обрамление) – это прием, суть которого заключается в том, чтобы основной объект снимка поместить в своеобразную рамку из других объектов на фото. Эта рамка дополняет и лучше раскрывает сюжет, помогает выделить на фото основной объект. При этом важно, чтобы основной объект и рамка не конкурировали за внимание зрителя и не противоречили друг другу в сюжетном плане. Такой рамкой может служить окно, арка, промежуток в ветвях деревьев, волна, луч света и другие объекты.

Фрейминг – это очень простой, но очень сильный прием композиции, который выполняет несколько задач.

• Во-первых, использование рамки позволяет сфокусировать внимание зрителя, направить его взгляд, расставить акценты. Желательно, чтобы главный объект находился в резкости, а вот рамку можно оставить и вне фокуса.  
• Во-вторых, обрамление добавляет в кадр ощущение глубины, объема. Как правило, фрейминг – это работа с многоплановой композицией, и рамка здесь выступает в роли переднего или заднего плана.
• В-третьих, рамка позволяет создать эффект подсматривания. Зритель будто смотрит на объект через экран, создаваемый окружающими предметами и направляющий взгляд зрителя вглубь кадра.

Этот прием чаще всего используется при съемке архитектуры, пейзажей, портретов и стрит-фото.

Диагонали

Метод диагоналей – одно из правил композиции в фотографии, живописи и графике. Во время изучения многочисленных фотографий, картин и гравюр фотограф Эдвин Вестхофф (Edwin Westhoff) случайно обнаружил, что детали изображений, на которые обращается больше внимания, лежат на диагонали под углом 45°. Однако в зависимости от пропорций кадра этот угол может меняться.

Фотография с диагональным элементом почти всегда более динамична и сильна, чем такое же фото без него. Если вертикали и горизонтали обычно делят пространство на области, то диагонали его соединяют и непрерывно проводят взгляд зрителя через весь кадр.

Диагонали в кадре может быть две:

• «быстрая» – с верхнего левого в нижний правый угол;
• «медленная» – с нижнего левого в верхний правый угол.

С диагоналями связано зрительное восприятие мозга: мы привыкли читать слева направо и сверху вниз, спускаясь по диагонали. Соответственно, объекты, расположенные по диагонали, легче и быстрее воспринимаются зрительным центром.

Психологи считают, что «медленная», восходящая диагональ вызывает умиротворение, в то время как «быстрая», нисходящая – беспокойство и тревогу. Помните об этом при построении композиции.

Паттерны

Паттерн – это повторения однородных текстур, форм, объектов, цветов. Повторяющийся мотив, узор или орнамент гармоничен и привлекателен для взгляда зрителя. Акцент на соотношении цветов, форм, линий способствует развитию видения фотографа.

И вот вам несколько советов по съемке паттернов:

• Ищите паттерны в больших и малых масштабах: в макросъемке и аэрофотосъемке.
• Замечайте паттерны в живой и неживой природе: в прожилках листьев и фасадах зданий.
• Экспериментируйте с углом и точкой съемки: снимайте сбоку, снизу и сверху.
• Заполняйте паттерном весь кадр целиком, чтобы максимизировать эффект.
• Нарушайте структуру узора акцентным элементом: это усиливает воздействие на зрителя.

Негативное пространство

Негативным (или отрицательным ) пространством в искусстве называют область, окружающую предмет изображения. При этом негативное пространство вовсе не обязано быть пустым: это может быть небо с облаками, стена с кирпичной кладкой, дощатый пол. Да что угодно! Это пространство может быть вовсе незаметным, как белый сугроб или туман, однако оно играет важнейшую роль в композиции.

Как использовать негативное пространство?

• Для изолирования субъекта кадра и привлечения к нему внимания зрителя. Негативное пространство оставляет место для воображения: О чем думает этот человек? Куда плывет эта лодка? Как здесь вырос этот цветок?
• Для создания определенных эмоций или настроения. Обычно негативное пространство создает ощущение спокойствия, порядка и тишины. Однако, используя яркие цвета фона, можно вызвать чувства энергии и жизнерадостности. Теплые оттенки, как правило, вызывают чувства теплоты, восхищения, опасности, романтичности, страсти и злобы. Холодные же заставляют нас испытывать прохладу, спокойствие и грусть.
• Для упрощения композиции и работы в стиле минимализм. Создание негативного пространства за счет выбора ракурса, диафрагмы, глубины резкости и использования освещения может помочь упростить композицию. Этот прием очень часто используется в рекламной и продуктовой фотографии для акцентирования внимания на продукте.
• Для продажи фотографий через фотобанки. Покупатели фотографий на фотостоках используют ваши шедевры как сырье для своих рекламных баннеров, обложек и сайтов. Поэтому одним из главных критериев выбора при покупке является наличие на фото пустого пространства для текста.

Только запомните, что негативного пространства тоже должно быть в меру: не слишком мало, но и не слишком много. Примерно вдвое больше, чем позитивного. Или около того:)

Заполнение кадра

Заполнение кадра – это плотное кадрирование с мощным акцентом на объекте съемки, когда у зрителя не остается другого выхода, кроме как рассматривать этот объект. Отвести взгляд просто некуда.

При этом заполнение кадра предоставляет новые возможности:

• Рассмотреть все детали;
• Привлечь внимание к текстуре;
• Сделать акцент на эмоции.

Применяется этот прием в бьюти и макросъемке, в съемке портретов и дикой природы. Иногда заполнение кадра используется и при съемке архитектуры, чтобы сделать акцент на узоре или архитектурном рисунке здания.

Золотое сечение и правило третей

Правило третей – это деление кадра по горизонтали и по вертикали на три части в соотношении 1/2. Как правило, линию горизонта лучше располагать по линии, которая делит кадр на трети. Большая часть кадра  отводится небу или земле в зависимости от задумки. Сам же объект, зрительный центр кадра располагается на пересечении линий, которые делят кадр на трети.

Золотое сечение – деление кадра на части так, что большая часть относится к меньшей, как весь кадр к большей. По этому правилу точки пересечения линий располагаются ближе к центру кадра, чем по правилу третей.

Несмотря на то, что сетка с точками у этих двух правил немного отличается, суть композиционного приема одна и та же:

• Линию горизонта лучше размещать не по центру кадра и не по диагонали, а по горизонтали, смещая ее вверх или вниз в соотношении 1/2 в зависимости от того, что в кадре важнее: небо или земля.
• Главные объекты кадра лучше размещать на пересечении линий сетки, так как именно они являются пунктами притяжения взгляда зрителя.

Кажется, будто эти правила композиции противоречит другим правилам, например, закону симметрии, однако это не совсем так. Даже в идеально симметричном изображении (по вертикали) часто встречается правило третей (по горизонтали). Но когда знаешь уже так много правил композиции, во время компоновки кадра приходится выбирать, какому из них следовать. Для некоторых сцен лучше подходит симметрия, а где-то – золотое сечение. И только фотограф решает, по каким законам он будет создавать свой шедевр.

Спираль Фибоначчи

Спираль Фибоначчи – еще один интересный закон композиции, основанный на золотом сечении.

В природе этот закон композиции можно встретить в строении человеческого уха, раковинах ракообразных, стеблях растений, морских волнах.

Располагая объекты в кадре по спирали, вы создаете поток и движение и тем самым помогаете направлять взгляд зрителя через изображение. Вы можете перевернуть или повернуть спираль, однако фокус должен оставаться в сердце спирали. Другие важные элементы должны быть расположены вдоль кривой.

Этот прием композиции часто используется в фуд-фотографии, макросъемке и других жанрах.

Золотые треугольники

Правило золотого треугольника работает по аналогии с правилом третей. Только вместо сетки прямоугольников мы делим кадр диагональной линией, идущей от одного угла к другому. Затем мы добавляем еще две линии из других углов, ведя их перпендикулярно к диагональной линии. Это делит кадр на ряд треугольников. Этот способ съемки помогает ввести элемент «динамического напряжения». Как и с правилом третей, мы используем линии (треугольники, в данном случае), чтобы помочь выделить положение различных элементов в сцене.

Фотография Барри О’Кэррола с Эйфелевой башней использует «правило треугольников» деликатным способом. Головы статуй создают «подразумеваемый треугольник». Эта линия ведет нас к Эйфелевой башне на заднем плане. Короткая линия справа проходит в точности между двумя статуями. Короткая линия слева соединяется с диагональю как раз на полпути к Эйфелевой башне.

Правило треугольников может показаться более сложным с точки зрения композиции, но результат его использования может быть действительно потрясающим. 

Правило треугольника

А еще в композиции есть правило обычного треугольника – простого, а не золотого! Им часто пользуются стилисты и декораторы, а также те, кто снимают предметную и фуд-фотографию.

Берем и мысленно рисуем треугольник. Располагаем основные предметы съемки в углах треугольника. Равнобедренный треугольник придает кадру статичность, так что для более живых картинок используйте перевернутый неравнобедренный треугольник. Кстати, необязательно три визуальных центра должны быть одинаково яркими и акцентными. Можете сфокусироваться на одном из углов, а два остальных можно даже в резкость не брать.

Три – вообще магическое число в композиции. Это всегда лучше, чем два или четыре. Располагайте объекты в линию или зацикливайте в треугольник – успех у зрителя вам гарантирован!

Читайте продолжение:

20 законов композиции, которые гарантированно улучшат ваши фотографии

Все фотографии в материале взяты из открытых источников и несут иллюстративный характер. 

Фото с обложки – призер The Architectural Photography Awards 2019 – принадлежит Laurian Ghinitoiu.

Поделиться в социальных сетях

Вконтакте

Facebook

Twitter

3376

8 простых шагов, которые помогут создать музыкальную композицию

На первый взгляд создание музыки может показаться невероятно сложным заданием. И первый вопрос, который возникает у желающего создать собственную мелодию это “С чего начать?”. Но вся прелесть музыкальной композиции состоит в том, что здесь нет никаких четких правил, нет ограничений, которые указывают вам, с чего начинать и чем заканчивать свою работу. Но, конечно же, существует несколько методов, которые помогут вам запустить творческий процесс.

Несмотря на то, что к композиции существует несколько подходов, вы должны помнить о трех вещах:

• Гармония
• Мелодия
• Ритм

Это три основополагающих музыки. Вы можете располагать их для себя в любом порядке, смешивать некоторые из них или вообще игнорировать что-то из этого. Многие композиторы экспериментируют, не учитывая гармонию и/или мелодию или время.

Можно добавить еще один элемент – свинг. И хоть обычно свинг относят к джазу и импровизированной музыке, вам не стоит отбрасывать его, если вы создаете музыку другого стиля.

Также стоит помнить о том, что вы должны обладать некоторыми навыками, чтобы создавать музыку:

1. Умение читать по нотам.

Это первый и самый главный пункт. Даже если вы пользуетесь какими-то программами, которые пишут ноты за вас, вы должны уметь читать с листа. И, конечно же, вы должны знать музыкальную грамоту. Это самое основное, что должен уметь музыкант. Вы должны знать, как выглядит знак паузы, какие знаки обозначают различные эффекты (стаккато, тремоло, пиано, форте и т.д.).

2. Вы должны знать различные музыкальные стили

Вы, возможно, считаете бессмысленным изучать другие стили в музыке, кроме того, который вам нравится, и это огромная ошибка. Не стоит думать, что суровому металлисту не к лицу слушать классику – многие рок-звезды не раз говорили о том, что любят классическую музыку и слушают ее; любителю джаза не стоит игнорировать более простые музыкальные стили, а утонченному слушателю классики не стоит воротить нос от рэпа и хип-хопа. И не из-за того, что вся музыка достойна внимания, хотя так и есть. Слушая различные стили, вы расширяете свой кругозор и узнаете новые приемы в музыке. Также старайтесь не просто слушать музыку ради наслаждения, а буквально “разбирать” ее в уме на отдельные инструменты. Анализируйте то, что слышите. Пытайтесь понять, как создать то или иное звучание.

3. Знайте, как звучат инструменты

Стремитесь узнать, как звучит каждый существующий инструмент (хотя бы самые распространенные). Вы должны знать, как звучат те или иные эффекты, “примочки” и так далее. Вы, конечно, можете сказать, что не собираетесь создавать сложные музыкальные произведения, но все же знание звучания инструментов поможет вам как минимум развить свой слух и расширить кругозор. Ну а может вы в будущем захотите добавить к одному своему инструменту еще и другие.

Подготовка

Послушайте все ваши любимые композиции и попробуйте понять, есть ли какой-то шаблон, что-то общее. Есть ли контрастирующие отрывки? Сколько их? Насколько они длинные? Повторяются ли какие-то приемы? Повторяется ли ритм мелодии? Какое настроение создают эти композиции? Как они это делают? Придерживаются ли они одной и той же тональности?

Проанализируйте и сделайте заметки, которые потом послужат вам источником идей.

Шаг 1: Стиль

Определитесь, в каком стиле вы ходите создавать музыку. Послушайте композиции в данном стиле и проанализируйте, какие приемы используются, как часто вся композиция придерживается одного и того же метра (4/4, например). Подумайте, будете ли вы делать что-то похожее или же будете экспериментировать .

Шаг 2: Форма

Определитесь с формой вашей композиции. Большинство музыкальных композиций состоят из равных секций (повторяющиеся секции) или из отличных друг от друга (контрастирующие секции). Определитесь с длиной композиции, с тем, сколько секций в ней будет. Помните о том, что у каждого стиля есть свой собственный набор общих форм, таких как 32-тактовая ААВА форма в джазе или блюзовый период, состоящих из трех фраз, каждая из которых содержит 4 такта. Вы можете использовать одну из существующих или придумать свою собственную. Старайтесь только не делать ее слишком сложной.

Шаг 3: Создайте свою идею

Используйте какое-либо устройство, чтобы записать свои идеи. Наиграйте несколько мелодий, которые придут вам в голову. Или спойте их. Эти мелодии не должны быть совершенны, никто их не слышит, кроме вас.

Шаг 4: Первый музыкальный мотив

Теперь прослушайте то, что записали. Есть ли что-то, что вам нравится, то, что вы смогли бы развить в полноценную мелодию? Если вы не можете выбрать что-нибудь, что вам бы очень понравилось, вы всегда можете обратиться к уже существующим ритмам и нотам. Помните, что этот набросок, который вы создаете на данном этапе, не должен быть сложным. Ваша задача – создать основу, которую вы будете развивать.

Шаг 5: Преобразуйте свой мотив

Теперь, когда у вас есть мотив, вы можете поступить следующим образом: вы можете расширить его, сократить, сыграть наоборот, повторить. Вы можете немного изменить его, а можете изменить его до неузнаваемости. Делая это, вы создаете музыкальную фразу – более полную мысль или идею.

Шаг 6: Контрастирующая секция

Почти во всех стилях музыки есть контрастирующая секция, которая добавляет изюминку в произведение. Такую функцию выполняет бридж в поп или рок-песне, раздел В в джазе, разработка в классических сонатах. Чтобы написать контрастирующую секцию, повторите шаги 4 и 5, пытаясь не играть свой основной мотив. Вы можете сделать ее в другом ритме, придать ей другое настроение и так далее.

Шаг 7: Объединяем все вместе

На данный момент у вас есть пара контрастирующих секций, теперь их нужно объединить. Подумайте о форме, в которой вы хотели создать свою мелодию, будет ли то, что получилось, подходить к ней? Не бойтесь менять что-либо. Посмотрите, выглядит ли ваша мелодия целостной, или нужно что-то еще дописать. Считаете ли вы нужным добавить еще что-то?

Шаг 8: Аранжировка

Превратите мелодию в полноценную музыкальную композицию, добавив украшения и подкрепив ее мелодией левой руки, например (если вы играете на фортепиано). Подумайте, нужно ли добавить другие инструменты или вокал. В целом, сделайте все для того, чтобы ваша композиция зазвучала так, как нужно. Можете обратиться за помощью к знакомым музыкантам, чтобы они добавили что-то интересное в вашу композицию.

Читайте также: Уроки по основам музыки

Читайте также: Как достичь популярности. Бесценные советы музыкантам от Кристофера Кнаба

Как создать хорошую композицию? Советы новичкам.

Удачную композицию вы не замечаете, но чувствуете, что картина буквально приковывает внимание. И наоборот, если композиция плохая – например, когда изображаемый объект располагается четко по центру или, напротив, зажат в углу – сразу бросается к в глаза, что с картиной что-то не так.

Читайте также:

 

Хорошая композиция – для многих размытое понятие, но существует набор приемов, помогающих разобраться с этим вопросом. Изначально эти методы придется упорно отрабатывать, но, проявив упорство, со временем вы будете правильно компоновать «не глядя».

Композиционный центр

Центр композиции должен приковывать взгляд зрителя, это – основной сюжет произведения. Композиционный центр не обязательно должен совпадать с геометрическим центром, кроме того, композиционных центров, в отличие от геометрических, может быть более одного. Другие элементы картины должны направлять взгляд к композиционному центру – впрочем, это не должно выглядеть нарочито, и «направляющих» элементов не должно быть чересчур много.

Количественное соотношение тонов

Сделайте набросок своей композиции на листочке и поделите ее на три тона: белый (светлый), серый (средний) и черный (темный). Теперь сравните их количество: для хорошей композиции соотношение должно быть НЕравномерным. Для начала попробуйте такое соотношение: две трети одного тона, одна треть второго и чуть-чуть третьего.

Число элементов

Лучше использовать нечетное количество элементов – три, пять, семь – чем четное. Это помогает «обмануть» наш глаз, не позволяя мозгу подсознательно объединить четное количество элементов по парам, а значит, сделать композицию более динамичной. Это правило работает вне зависимости от того, что именно вы изображаете.

Расстояние между элементами

В природе редко встречаются объекты, аккуратно расставленные на равных расстояниях друг от друга. Варьируя расстояния между элементами, также углы их расположения, вы получите более интересную композицию.

Как создать композицию ? | Журнал Ярмарки Мастеров

Все мы рано или поздно задаёмся целью научиться создавать композиции из цветов сделанных в технике керамической флористики. Мастерство лепки отточено и цветы действительно уже трудно отличить от живых, и вот тут встречается то самое НО..

Чтобы собрать всё воедино нужны знания, именно те знания, которыми владеют профессиональные флористы. Флористика в целм — своего рода цветочная живопись и здесь очень важно уметь создавать композиции, подчиняя их законам флористического дизайна. Автор, художник, творец должен уметь грамотно компоновать материал, чтобы выразить красоту и гармонию цветочной композиции.

В своих работах можно использовать не только цветы. Дополнительные элементы внесут в композицию оригинальность и шарм. Это могут быть плоды, семена, сухоцветы, декоративные сорта овощей или фруктов, корни растений и так далее. Но при всём при этом важно знать и уметь пользоваться законами и правилами профессиональной флористики. Составлять букеты и композиции нужно грамотно. Это целая наука, которую стоит изучать и постигать, если вы хотите создавать шедевры используя материал керамической флористики.

Давайте не будем вдаваться в подробности создания букетов, это целый пласт флористического искусства, а поговорим непосредственно о композициях.

Какие же основные законы композиции следует взять себе на вооружение?

Первое — это форма композиции. Говоря иными словами, ваша композиция может иметь либо форму круга, треугольную или прямоугольную форму.

Второе — это цвет! Хотите создавать композиции с безупречным вкусом? Обязательно изучайте основы цветоведения. На подсознание человека цвет действует независимо от знаний, хранящихся в его мозге! Это тоже очень ёмкая тема. Огромная и разнообразная палитра окружающих нас цветов может воздействовать на человека определённым образом.

Если правильно и грамотно использовать эти знания, у вас никогда не возникнет сложностей с созданием композиции из цветов выполененных в технике керамической флористики.

С чего стоит начать? Просто запомнить некоторые правила. Прежде чем лепить цветы, нужно продумать и нарисовать эскизы будущей композиции. С этого начинает любой художник. У вас в голове и на листе бумаги должна сложиться картинка того, что вы хотите получить в результате. Иногда получается, что материала много, а что с ним делать — не занаем. Захотели лепить розы — сделали. А дальше что? Но роза самодостаточный цветок, может существовать в гордом одиночестве. Если же накопили много не крупных цветов, то собрать их воедино сложнее.

Бывает и так, что всё вроде бы продуманно и придумано, но начинаешь собирать композицию, а в ней что то не так. Совет второй — запастись ёмкостями. Часто приходится перебирать все свои вазочки, чтобы остановиться на нужном варианте.

Совет третий — не закрепляйте композицию сразу, сначала просто составьте её, посмотрите, попробуйте другие варианты, а уж потом можно наглухо в гипс или на клей.

Ну и ещё одним важным моментом является наличие заранее приготовленных декоративных материалов. Тут нужно не переусердствовать, только чувство меры, чтобы бабочки, жучки или божьи коровки не спрятали и не заглушили саму композицию.

% PDF-1.5 % 5 0 obj> поток 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г BT / F16 10.9091 Tf 46.771 518.175 Td [(The) -250 (Project) -250 (Gutenberg) -250 (EBook) -250 (of) -250 (Composition) -250 (by) -250 (Arthur) -250 (Dow )] TJ 0 -29.913 Td [(This) -380 (eBook) -380 (is) -381 (for) -380 (the) -380 (use) -380 (of) -380 (any) -381 (any) ) -380 (при) -380 (нет) -380 (стоимость) -380 (и)] TJ 0 -13,549 Td [(с) -327 (почти) -327 (нет) -327 (ограничения) -327 (вообще .) — 481 (Вы) -326 (май) -327 (копия) -327 (оно,) — 346 (отдать)] TJ 0 -13,549 Td [(оно) -400 (в гостях) -399 (или) -400 (повторное использование) -400 (он) -399 (под) -400 (в) -400 (условия) -399 (из) -400 (в) -400 (проект) -399 (Гутенберг)] TJ 0-13 ,549 Td [(Лицензия) -240 (в комплекте) -240 (с) -240 (эта) -240 (электронная книга) -240 (или) -240 (онлайн) -240 (в) -240 (http: // www. guten -)] TJ 0 -13.55 Td [(berg.org/license) providedTJ 0 -29.912 Td [(Название:) — 500 (Composition)] TJ 0 -27.099 Td [(Автор:) — 500 (Артур) — 500 (Dow)] TJ 0 -27,098 Td [(Выпуск) -500 (Дата:) — 500 (апрель) -500 (15,) — 500 (2014) -500 ([Электронная книга) -500 (45410])] TJ 0 -27.098 Td [(Language:) — 500 (English)] TJ 0 -40.648 Td [(*** START) -500 (OF) -500 (THE) -500 (PROJECT) -500 (GUTENBERG) -500 ( EBOOK)] TJ 0 -13,549 Td [(СОСТАВ ***)] TJ 0 г 0 г 0 г 0 г ET endstream endobj 14 0 obj> поток 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г 0 г endstream endobj 18 0 obj> поток 0 г 0 г 0 г 0 г BT / F16 15.7808 Tf 146,309 518,175 Td [(Состав)] TJ / F16 13,1507 Tf -90,054 -27,098 Td [(A) -251 (серия) -252 (из) -251 (упражнения) -252 (in) -251 (art) — 252 (структура) -251 (для) -251 (the) -252 (use) -251 (of)] TJ 71,932 -13,549 TD [(студенты) -262 (и) -263 (teac) 1 (hers)] TJ / F16 10,9091 Tf 6,722 -67,746 Td [(By) -263 (Arthur) -264 (Wesley) -263 (Dow)] TJ -65,519 -13,55 Td [(профессор) -253 (of) -254 (Fine) -253 (Искусство) -254 (в) -253 (Учителя) -253 (Колледж,) -255 (Колумбия)] TJ 59,469 -13,549 Td [(Университет) -262 (Новый) -263 (Йорк) -262 (Город)] ТД-43.351 -13,549 Td [(ранее) -256 (инструктор) -256 (in) -255 (Art) -256 (at) -256 (the) -256 (Pratt) -256 (Institute)] TJ -38,737 -13,549 Td [(Автор) -245 (из) -246 (теории) -245 (а) -245 (практика) -246 (из) -245 (Обучение) -245 (ст) -246 (а) -245 (The) — 245 (Ипсвич)] TJ 127,584 -13,549 Td [(Отпечатки)] TJ -115,8 -54,197 Td [(Девятый) -254 (ИЗДАНИЕ)] TJ / F19 10,9091 Tf 80,918 0 Td [(\ 024)] TJ / F16 10,9091 Tf 10,909 0 Td [(ПЕРЕСМОТРЕННОЕ) -254 (И) -253 (УВЕЛИЧЕННОЕ) -254 (СО)] TJ -75,486 -13,549 Td [(НОВОЕ) -258 (ИЛЛЮСТРАЦИИ) -259 (И) -258 (ЦВЕТ) -259 (ПЛАСТИНЫ)] TJ 0 г 0 г ET 1 0 0 1 143.471177,716 см Q .2903 0 0 .2903 0 0 см Q 290 0 0 291 0 0 см / Im1 Do Q Q 0 г 0 г 1 0 0 1 -143,471 -177,716 см BT / F16 10.9091 Tf 134.207 152.353 Td [(Garden) -276 (City,) — ​​283 (New) -277 (York)] TJ -32.536 -13.549 Td [(DOUBLEDAY,) — 266 (PAGE) -267 (&) — 267 (КОМПАНИЯ)] TJ 74,506 -27,098 Td [(1914)] TJ 0 г 0 г 0 г 0 г ET endstream endobj 15 0 obj> поток

.

Создание динамического движения в композиции

Перед тем, как начать рисовать, важно решить, какой тип движения вы хотите запечатлеть. Постарайтесь, чтобы это было просто и динамично, а не создавайте композицию с множеством разных углов и направлений, которая может утомлять глаз.

После того, как вы определились с основным движением для вашей композиции, вы можете начать выяснять, как нарисовать это движение. Затем вы можете конкретизировать иллюстрацию и добавить более мелкие и локальные области движения, если они дополняют и поддерживают основное движение.Я предпочитаю сводить углы и направление движения к минимуму, что означает, что я могу затем преувеличить их, чтобы сделать изображение как можно более динамичным.

Также важно думать не только о движении персонажа или объекта, но и о том, как это движение может повлиять на окружение. Это поможет вашему изображению стать более «реальным».

01. Идеи для набросков

Ваш первоначальный набросок должен выглядеть естественно, но в то же время динамично.

Набросайте различные идеи для углов и движений, чтобы увидеть, какой из них даст вам наиболее захватывающую композицию.Вы хотите найти баланс между естественной позой, но также и преувеличенной позой, чтобы сделать ее максимально динамичной.

02. Сделайте предмет более детальным.

Подумайте, как движение может повлиять на вещи, такие как одежда.

После того, как вы определитесь с позой и углом движения, конкретизируйте своего персонажа или объект. Подумайте, как движение повлияет на окружение. Здесь одежда персонажа должна отражать выбранный угол движения.

03.Создание линий движения

Расширить цвета и детали, чтобы дать ощущение скорости

Чтобы действительно преувеличить движение, мне нравится расширять некоторые цвета и детали, чтобы создать линии движения. Это дает реальное ощущение скорости и направления движения, что добавляет к движению, которое мы пытаемся уловить.

Эта статья была первоначально опубликована в выпуске 155 из ImagineFX , самого продаваемого в мире журнала для цифровых художников. Купить выпуск 155 или подписаться .

Статьи по теме:

,