Создание композиции: Создание композиции в стиле прогрессив/арт-рок

Содержание

Создание композиции в After Effects, плюс анимация

В этой инструкции мы познакомимся с созданием и настройкой новой композиции, добавим логотип и сделаем несколько дополнительных эффектов.

Чтобы создать свой первый проект в After Effects вам нужно сделать свою композицию. Композиция-это контейнер, в котором можно разместить несколько файлов вместе слоями, чтобы создать тот самый составной файл. Слои могут состоять из разнообразных файлов (музыка, видео, графика и др.)

Чтобы стало более понятно, давайте пройдем поэтапно путь создания нашей первой композиции.

Существует два основных способа создания композиций в After Effects. Первый способ — это перейти в меню Composition (композиция) в строке меню, в верхнем левом углу и выбрать New Composition (новая композиция).

В разделе Basic settings (базовые настройки) в самом верху вы можете придумать и прописать название вашей композиции, например Comp 1 как на картинке. Затем выберете выпадающий список раздела Present (предустановка).

Здесь вы можете выбрать любое разрешение и частоту кадров, с которой вы хотели бы работать. Вы также можете задать свою персональную частоту кадров в разделе Frame Rate, по умолчанию тут 30 fps. Другими словами, задать сколько кадров будет воспроизводиться каждую секунду. Вы можете установить продолжительность проекта в разделе Duration. По умолчанию стоит 0 часов, 00 минут, 10 секунд, на основе частоты 30 fps. Вы также можете установить цвет фона в разделе Background Color. Если вы не хотите использовать данные настройки композиции, просто нажмите кнопку Cancel и закройте окно. Чтобы создать композицию, которая будет точно соответствовать вашим видеоматериалам, нажмете один раз на видеозапись в панели проекта.

Обратите внимание, мы видим, что видео имеет разрешение 1920 x 1080, длинной 0 часов; 00 минут; 10 секунд; с частотой кадров 29.97 fps. Чтобы создать композицию из этого видеоматериала, нажмите на видеоматериал и перетащите его вниз к кнопке Composition (композиция) и все ваша композиция была создана и видеофайл был добавлен на Timeline (шкалу времени).

Как добавить логотип в After Effects.

Давайте также добавим наш логотип на Timeline. На панели проекта выберете логотип одним нажатием и перенесите его вниз на Timeline. Обратите внимание, когда вы переносите его через слои то, появляется синяя подсветка показывающая, где именно разместить этот элемент. Давайте поместим его выше первого уровня на Timeline.

Итак, в нашей композиции появился логотип, давайте теперь изменим время, когда он будет появляться. Убедитесь, что выбран первый слой, а затем перейдите в правую часть Timeline. Тут вы можете изменять положение слоев во времени с помощью индикатора текущего времени, в виде синей вертикальной полоски. Ее можно перемещать, если нажать и удерживать в верхней части. Давайте переместим индикатор до второй секунды на Timeline. Вы можете определить время в верхнем левом углу с указателем времени.

Теперь, чтобы сдвинуть этот слой на временной шкале, вы можете нажать и удерживая кнопку в любом месте этого слоя, перетащить его ко второй секунде. Обратите внимание, что длительность этого слоя не меняется, только место начала и конца. Теперь давайте отменим это действие, нажмите Ctrl + Z на windows или Comand + Z на Mac, чтобы отменить этот последний слайд.

Например, вместо того чтобы скользить по слою, вы захотите обрезать слой в точке. Давайте наведем курсор на точку In, которая находится в левой части слоя пока мышь не превратится в значок с двойной стрелкой, затем нажмите и перетащите, но при этом удерживаете нажатой клавишу Shift. В таком случае вы обрежете начало слоя до второй секунды, и он будет заканчиваться вместе со вторым слоем, и не будет длиннее его. Эта функция называется Trimming (обрезкой).

Иногда, когда вы работаете над композициями, вам нужно изменить настройки композиции, например, увеличив длину композиции и сделать ее длиною в пять секунд.

Выберете композицию на панели проекта, нажав на нее один раз, затем перейдите в Composition (меню композиции) и выберете Composition Settings (настройки композиции).

В новом окне в разделе Duration (продолжительность) удалите все цифры и измените их на 500. Когда вы нажмете кнопку ОК, обратите внимание, что временная шкала теперь намного короче, она составляет всего 5 секунд.

Меняем цвет логотипа.

Когда я смотрю на этот логотип, его довольно трудно прочитать на заднем плане. Итак, я хотел бы добавить цветную добавку поверх этого видео-слоя. Для этого я создам новый solid layer (сплошной слой).

Давайте перейдем к строке меню, выберем Layer (слой) и заметьте все пункты меню не активны, вы не можете ничего выбрать, если у вас выбрана не та активная панель. В нашем примере активна project panel (панель проекта).

Нужно выбрать активной Timeline, кликнув по ней один раз. Теперь если перейти в меню Leyer (слои), то можно выбрать New (новый) и затем выбрать Solid (пустой слой).

В окне Solid Settings (настройки пустого слоя) выберете Make Comp Size (размер композиции) а затем нажмите на пипетку, чтобы выбрать цвет из композиции. Давайте выберем зеленый и назовем его Green в окне с названием. После этого нажмите кнопку OK. Новый слой с зеленым фоном полностью перекрыл логотип и видео.

Давайте переместим это по вертикали на Timeline (временной шкале), нажав на слой и перетащив его под наш логотип.

Теперь давайте снизим непрозрачность слоя с зеленым фоном. Вместо того, чтобы это было 100% непрозрачно, мы немного снизим непрозрачность.

Итак, выбираем второй слой, который у нас Green, нажав на треугольник, откроются параметры слоя, затем можно открыть Transform options (параметры преобразования).

Здесь внизу у меня есть варианты для непрозрачности. Давайте изменим этот параметр с 100% до 80% и нажмите клавишу Enter на клавиатуре.

Композиции поддерживают множество различных видов слоев. В этой композиции мы имеем видео-слой в самом низу, который был импортирован в проект, зеленый слой, которой мы создавали в After Effects, и файл логотипа, который мы импортировали в наш проект.

Курсы After Effects в школе ArtWork — это очные занятия с лучшими преподователями. Обучение с нуля до самостоятельного проекта.

Создание нового проекта и композиции в Adobe After Effects

Adobe After Effects – это мощная программа для создания зрелищных видео-спецэффектов, её достоинства и возможности можно перечислять бесконечно.

В данном небольшом базовом «мануале», мы рассмотрим процесс создания нового проекта и композиции в Adobe After Effects.

Итак, приступим:

1. Когда мы начинаем работу с Adobe After Effects, то первое что нам нужно сделать – это создать новый проект (рис.1): File => New => New Project (Ctrl+Alt+N)

Рис.1

2. После создания нового проекта, создаём новую композицию (рис.

2): Composition => New Composition (Ctlr+N)

 

Рис.2

3. Появится окно следующего содержания (рис.3):

Рис.3

Давайте рассмотрим каждый из параметров на «скрине» (Рис.3):

1. Composition Name — здесь я думаю всё понятно, в этой строке вводим имя композиции (в данном случае это «we-it.ne»t)

2. В строке Preset нужно указать размер «шаблона» разрешения видео. Можно оставить значение Сustom, a можно выбрать подходящий Вам размер и частоту кадров в секунду. В пунктах Width и Height, Вы сможете ввести сопоставимую с вашими потребностями высоту и ширину видео (в данном случае это 1280х720).

Но при сохранении готового видео, Вы сможете с легкостью редактировать данный параметр.  

3. В строке Pixel Aspect Ratio оставляем значение Square Pixels (по умолчанию).

4. В строке Frame Rate нужно указать частоту смены кадров в секунду, рекомендую оптимальное значение 24-29.

5. В строке Resolution следует указать размер «предпросмотра» видео в окне композиции, выбираем Half или Third.

6. В строке Duration необходимо задать длительность композиции (в данном случае это 10 секунд)

После того как мы настроили все вышеуказанные пункты нажимаем ОК и композиция создана.

4. Вы можете изменить настройки композиции в любую секунду,  для этого необходимо перейти (рис. 4): Composition => Composition Settings (Ctrl + K)

 

Рис.4

Вот мы и разобрались с наиболее простыми и базовыми этапами работы в Adobe After Effects. Теперь Вы можете начинать создавать свои проекты, которые, при наличии у Вас некоторого усердия и творчества — будут прекрасны 🙂


создание композиции основы — Blog — Ghenadie Sontu Fine Art

Приступать к рисованию непосредственно на листе можно лишь тогда, когда определена тема, т. е. цель и задачи данного рисунка, упражнения. Прежде всего необходимо решить задачу композиции, сначала мысленно, а затем на листе бумаги. Как говорят рисовальщики, нужно «взять хорошую композицию», или «скомпоновать рисунок». Что это означает? Какое значение имеет в учебном рисовании? И, наконец, существуют ли какие-либо правила или приемы, помогающие решению композиции рисунка на листе?
Слова «композиция» и «компоновка», безусловно, связаны одним смысловым значением, но употребляются в разных моментах творчества. Слово «композиция

» происходит от латинского «составление», «сочинение». Этот термин меет в искусстве и широкий, и узкопрактический, в некотором смысле ремесленный оттенок.
В широком смысле слова этот термин употребляется в музыке, литературе, театре, кино, архитектуре и в изобразительном искусстве. В творческом отношении — это общий замысел, структура произведения искусства, наиболее полно выражающая его идею. В техническом отношении — расположение частей и связь их между собой в единое целое.
При создании композиции по представлению происходит сложный творческий процесс поиска. В этом случае немыслимо сразу разместить всю композицию без предварительной подготовки, которая сама по себе может распадаться на решение целого ряда отдельных задач и работ, порой требующих много времени.
Задача данного раздела состоит в том, чтобы направить внимание учащегося на рациональное размещение и последовательность ведения учебного рисунка с натуры, по памяти, по воображению.
При учебном рисовании с натуры одного или двух-трех предметов задачи композиции сводятся к целесообразному размещению рисунка на листе бумаги. В этом случае прежде чем приступить к выполнению простой учебной задачи, всю подготовительную работу необходимо проделать в уме: нужно уметь представить работу уже нарисованной. При решении композиции учащийся должен учитывать все стороны учебного рисунка — конструкцию, движение, пропорции, перспективу, светотень, цвет и фактуру изображаемых на листе предметов.
Поэтому термин «композиция» принято употреблять в учебном рисунке и при выполнении самых элементарных первоначальных упражнений. Вообще резкое деление работы на техническую и художественную весьма условно: одна переходит незаметно в другую и на деле слиты в процессе рисования.
Более того, на простых учебных упражнениях при правильном методическом подходе закладываются и воспитываются основы понимания композиции, необходимые для будущей творческой деятельности, для решения сложных композиционных задач. Композиция является в конце концов самым главным составляющим произведения искусства, венцом мастерства и творчества, ею нельзя пренебрегать с первых шагов обучения.
В узком смысле слова композиция в учебном рисунке — это правильный выбор размера и расположения предмета на взятом формате листа бумаги. Плохое расположение (плохая композиция) заметно снижает достоинство технически хорошо выполненного рисунка предмета, тем самым снижается впечатление от работы в целом.
Что значит «хорошая правильная композиция»? В практическом понимании это означает экономное, удобное, наиболее целесообразное, грамотное и последовательное решение определенной задачи. Необходимо добавить, что выполнение той или иной работы в любой отрасли практической деятельности человека всегда строго обусловлено данными реальными условиями: временем, местом, материалом, а в проектной работе архитектора, кроме того, масштабом, размером и даже форматом представляемых чертежей. Чем рациональнее и методичнее организована работа, тем меньше времени она потребует и будет плодотворнее. Необходимы особые знания и расчет, чтобы не делать лишней работы. Эти качества необходимо воспитывать. При правильной методической постановке весь процесс рисунка должен служить школой воспитания композиционного качества, о котором говорит в своих педагогических заметках скульптор А. С. Голубкина: «… чтобы перейти к этому настоящему искусству, надо хорошо изучить его ремесленную часть, которая очень проста, целиком поддается знанию и вычислению и преодолевается вниманием, усвоением порядка работы, сдержанностью и дисциплиной». Итак, после того, когда ясно осознана задача данного упражнения и решено, что должно входить в композицию, первым шагом является выбор размера изображения и его размещение на листе. Это очень ответственный момент. Случайное, необдуманное размещение изображения требует зачастую переделки, перетираний, ведет к потере времени и притупляет свежесть восприятия. Иногда это вызывает неудовлетворенность и нежелание уже в начальной стадии продолжать рисунок, теряется интерес к работе. Если же подойти к композиции обдуманно и с расчетом, то грубым ошибкам не может быть места. Первая задача рисующего — уместить изображение на выбранном размере и формате листа — должна оставаться постоянным жестким требованием, одной из основ учебного рисунка.
Размещение изображения на листе определяется следующими условиями: предметом изображения, поставленной задачей данного упражнения (темой), форматом и размером листа. Если в творчестве многообразие задач определяет и разнообразие композиционных решений, то ограниченные той или иной целью (конструкция, движение, светотень, перспектива) задачи учебного рисунка с натуры, по памяти, по воображению предъявляют более строгие требования к размещению рисунка на листе бумаги.
На рис. 1 дано несколько примеров размещения изображения головы человека на листе бумаги заданного размера. Поскольку целью начальной стадии обучения является изучение формы головы, ее конструкции и пропорций, то размер изображения следует брать ближе к натуральному размеру живой головы (чуть меньше), размер листа 30х40 см будет использован при этом достаточно рационально. Размещать изображение головы нужно посередине, несколько приподнимая его вверх. Из всех приведенных примеров композиционного решения правильным будет размещение изображения в последнем случае (рис. 1,г; 2).

Особенности создания композиции в акваскейпе

Aquascape Promotion >

Каждый аквапейзаж, какой бы цельный и неделимый он ни казался, состоит из неких составляющих – элементов композиции. Каждый штрих в дизайне аквариума можно описать законами, основанными на знаниях о восприятии человека. Для более четкого понимания этих законов мы разберем на конкретных примерах такие элементы композиции как линии, формы, перспектива, контраст, текстура и такие свойства как баланс, природность, повторяемость.

Многие законы композиции, которые используются в аквадизайне, уже давно открыты и успешно применяются в архитектуре, изобразительном искусстве, фотографии. Вспомнить хотя бы закон золотого сечения, которым пользуются уже не одно тысячелетие. Тут легко найти много аналогий. Например, линии – наиболее сильный элемент, который может присутствовать как в композиции фотографии так и в аквариуме. Линии управляют взглядом зрителя, ведут его. Параллельные, повторяющиеся линии усиливают друг друга, а если они еще и в перспективе, то концентрируют внимание на объекте очень сильно.

К примеру, на первой фотографии крайне тяжело остановить взгляд в центре. Взгляд просто проваливается в даль к направлению к силуэту, концентрируя внимание на нем и интригуя – «А что же это за силуэт?».

Ровно также на второй фотографии линии созданные группами растений уводят взгляд «в даль» за камень, оставляя зрителю шанс придумать самому что же находится за камнем. В обоих случаях зритель не равнодушен, что и нужно было достигнуть.

Имитация перспективы в аквариуме с помощью линий

Такой эффект был достигнут посредством имитации перспективы. Наличие кажущейся перспективы можно назвать необходимым минимумом для создания впечатляющего дизайна в акваскейпе. В большом пространстве перспектива хорошо заметна, как на первой фотографии. Но мы имеем аквариум, заключающий очень небольшое пространство. Как же расширить это пространство? Для этого нужно «нарисовать» в аквариуме «фальшивые» линии перспективы тем самым, имитируя перспективу объемного пространства. Помимо этих линий нужно размещать более крупные объекты (камни, коряги, растения) ближе к фронту, а более мелкие – ближе к фону.

Так же стоит вспомнить про тональную перспективу, которую тоже можно имитировать в аквариуме при его дизайне. Суть ее в том что в природе чёткость и ясность очертаний предметов теряется по мере их удаления от глаза наблюдателя. Одновременно уменьшается и насыщенность цветов, контрасты светотени в глубине смягчаются. В дали предметы кажутся более светлыми, чем у переднего плана. Поэтому часто, при фотографировании акваскейпов, используют яркую подсветку фона вплоть до практически светящегося белого фона.

Тональная перспектива в аквариуме

Возвращаясь к линиям нужно сказать что они могут быть и слабо заметны, но, тем не менее, оказывая должный эффект. Линии в композиции «Альпийская долина» очень четкие — это характерно для западного стиля акваскейпинга, что, по-видимому, является наследством традиции оформления голландского аквариума. Такие линии создаются благодаря контрасту соседствующих групп растений и их строгой разделимости друг от друга.

В композиции «Альпийская долина» был использован еще один, дополнительный, трюк – создание легкой тени между группами растений, за счет особой стрижки (см. Рисунок с тенями в приближении). Стрижка заключалась в том, что на границе двух групп растений выстригалось 1-2 см у сзади стоящей группы, как изображено на схеме:

Дизайнеры японского стиля оформления наоборот избегают строгого разделения групп растений, используя принцип перекрывания форм для создания более природного вида композиции в дизайне аквариума. На следующей фотографии, линии образованы контурами камней акцентируя внимание зрителя на большом камне. Дополнительно, две группы элеохариса создают еле заметные линии с тем же направлением и с перспективой.

Тем не менее, даже с такими скрытыми линиями получается довольно сильный дизайн. Более того, взгляд зрителя больше привлечен объектом в аквариуме, к которому ведут линии, нежели к самим линиям. На предыдущих фото, линии настолько явно выраженные что привлекают внимание зрителя не только к объекту, к которому они ведут, но и к самим себе. Хорошо ли это или плохо зависит от задумки автора, но он должен осознавать то, что линии — это чрезвычайно важный элемент композиции в дизайне аквариума, который нельзя оставлять без контроля. И избегайте прямых линий, в аквариуме они не выглядят природно.

Очень много ненужных линий можно найти в абсолютно композиционно неконтролированных аквариумах, оформленных в так называем стиле «огород». В таких аквариумах растения создают линии разной направленности, диктованные направлением роста их стеблей. Как правило, это линии с направлением «вверх», так как наиболее распространенными являются длинностебельные растения.

Аквариум в стиле «огород»

В итоге мы имеем дизайн, который просто рябит повторяющимися параллельными линиями «вверх», как частокол. Такие ритмично повторяющиеся линии, усиливая друг друга, создают своего рода шум, не дающий взгляду зрителя спокойно выбрать привлекающий объект. Это одна из причин, почему акваскейперы часто стригут растения так, чтобы образовывались округлые «шапки», скрывая нижнюю часть стебля растений, которые создают линии «вверх». Тут очень важно дать растениям достаточно света, чтобы они не тянулись вверх. В противном случае, как бы Вы ни стригли, действительно красивую «шапку» получить не удастся.

Линии образуют формы. Поэтому следующий элемент в дизайне аквариума, который мы рассмотрим — это формы. Это, пожалуй, самый известный композиционный элемент. Многие знают такие названия как выпуклая (остров), вогнутая форма или треугольная. Сейчас это самые популярные формы композиций, по-видимому, из-за их простоты. Это часто вызывает нарекания в однообразии аквариумов оформленных в стиле акваскейп. И отчасти они справедливы. Не могут аквариумы не казаться однообразными, если они оформлены по трем типам форм композиции. Лучшим способом избежать однообразия является комбинирование разных форм. Как, например, в композиции «Пролетая над утесом» была комбинирована выпуклая форма, созданная линиями контуров камней и мха – на переднем плане, и вогнутая форма созданная линиями контура элеохариса – на заднем плане. Сочетание выпуклой и вогнутой форм

Никто не отменял классическую форму — стена, которую акваскейперы используют как фоновую. На фотографии ниже можно проследить комбинацию выпуклой формы, создаваемой линиями коряг со стеной за ней. И таких комбинаций можно придумать много. Уже упомянутые мною четыре формы могут дать 9 комбинаций, а если комбинировать 3 формы в одной композиции – более сложный вариант, то мы получаем еще большее разнообразие для дизайна аквариума.

Стена + выпуклая форма (фото http://www.adaeuro.com) Стена + треугольная форма (фото Adrian Ng)

Давайте теперь вернемся к нашему любимому огороду и посмотрим, какие в нем можно найти формы. Из-за того, что в таком аквариуме линии имеют хаотичное направление, получается, что каждый кустик, камень, коряга образует форму, независимую от всей композиции. Такие аквариумы на фотографиях будут смотреться лучше, если их фотографировать фрагментарно: стайка гуппи на фоне амбулии, анциструс с корягой пусть даже частично обросшей мхом, цихлиды среди группы камней. Но как только вы сделаете фото общего вида аквариума, травника или цихлидника, все эти привлекающие элементы потеряются среди таких же, потому как они не связаны друг с другом композицией. Поэтому, рассматривая такие аквариумы, обычно хочется подойти ближе для лучшего рассмотрения деталей. А композиционно грамотно оформленные аквариумы приятно рассматривать издалека как картины и с близи можно увидеть много интересного как в любом аквариуме.

Так же как и в случаях с линиями, повторяемость форм увеличивает вес этих форм. Поэтому тут тоже нужно быть осторожным. Можно создать отвлекающий шум, как в случае огорода на фото выше, а можно использовать этот эффект как инструмент привлечения внимания зрителя к группе декораций аквариума, в которой присутствует повторяемость форм и линий. Яркими примерами удачного использования повторяемости форм и линий являются акваскейпы Клифа Хьюи и Павла Баутина. Сам по себе, одиноко стоящий, банально прямоугольный камень, или вертикально поставленная прямая коряга выглядели бы нелепо. Но когда они в группе таких же – это становится изюминкой дизайна этого аквариума.

Повторяющиеся линии (акваскейп Павла Баутина) Повторяющиеся формы (акваскейп Клифа Хьюи)

В упомянутых только что двух акваскейпах важной так же является «природность» композиции. То есть получившиеся у авторов пейзажи имитируют природный наземный пейзаж, хорошо знакомый и посему приятный для зрителя. Этот эффект привлекает тем, что зритель, заглядывая в «окно» размером 45х90см видит многокилометровый и богатый деталями пейзаж. Прямо как телевизор! Только живой.

Еще одним элементом композиции в дизайне аквариума является текстура. Наверное наиболее сильно чувствуется влияние текстуры на всю композицию в аквариумах оформленных в стиле ивагуми, где основной акцент делается на камнях и их аранжировки. Как правило, акваскейперы выбирают камни с наиболее богатой текстурой, что помогает имитировать масштабность – камень кажется горой (пример дизайна аквариума с камнями по принципу ивагуми, пошагово). Но если поставлена задача создания сильной, впечатляющей картины, то недостаточно бездумно скопировать и перенести природный ландшафт в объем аквариума. Давайте проведем небольшое наблюдение. Посмотрите на аквариумы Такаши Амано на его сайте — во всех аквариумах оформленных в стиле ивагуми используются камни (ну еще бы) на ряду с различными видами элеохариса. Как, впрочем, это можно заметить и на фотографиях ивагуми, использованных в данной статье. Почему? Дело в том, что твердая текстура камня хорошо контрастирует с мягкой текстурой элеохариса. Это один из наиболее сильных контрастов текстур, который используется в акваскейпинге и дизайне аквариумов. Он придает композиции силу и запоминаемость.

Сама по себе однотипная текстура, да и не только текстура – цвет, тон не впечатляют. Впечатляет их контраст. Контраст — это важная составляющая удачной композиции. И камни с элеохарисом это всего лишь один пример из возможных способов создания контраста. Используя всё разнообразие аквариумных растений, а также камни и коряги, можно сложить множество контрастирующих пар, варьируя цветом, тоном, формой листьев, размером. Нельзя не вспомнить всеми любимый контраст красных растений с зелеными. Часто наличие красных растений рассматривается как обязательное условие при оформлении аквариума. Это не всегда верно. Если взглянуть, хотя бы, на фотографию (см. фотографию выше с комбинацией выпуклой формы + стена) – в ней красная людвигия среди зеленых растений не настолько привлекает взгляд, как контраст крупных, своеобразных листьев больбитиса на фоне более темного и мелкого мха.

Использование роталы и элеохариса для создания тонального контраста

Одна из моих любимых контрастирующих пар это элеохарис и ротала сп. грин. Вообще эта ротала дает очень хороший тональный контраст со многими зелеными растениям из-за ее светло-зеленого цвета. Но в паре с элеохарисом присутствует также контраст текстур – мягкая волокнистая текстура элеохариса против более резкой текстуры роталы. Тут есть большой простор для экспериментов при дизайне аквариума: темно-зеленый – светло-зеленый, зеленый – красный, темно-красный – светло-красный, крупный – мелкий, мягкий – твердый, свет – тень. Пересекающиеся линии, допустим коряг, тоже своего рода контраст – контраст направлений линий.

С помощью контраста можно создавать линии ведущие взгляд к фокальным точкам композиции и создавать сами фокальные точки. Главное чтобы контрастность первых не превышала оную в последних. В противном случае сами линии будут привлекать к себе большее внимание, чем к желаемым фокальным точкам. Создавая фокальные точки, особенно самые интенсивные в дизайне акваскейпа, важно понимать в какую часть композиции их располагать.

Золотое сечение в акваскейпе

Обычно их располагают по принципу золотого сечения. Принято считать, что объекты, содержащие в себе золотое сечение, воспринимаются людьми как наиболее гармоничные. Однако если мы расположим фокальную точку не по принципу золотого сечения, это не приведет к тому что наша композиция нарушится.

Если мы поставим цель – вызвать у зрителя ощущение незыблемости и покоя нам достаточно сместить фокальную точку от золотого сечения ближе к центру.

Смещение фокальной точки ближе к центру

Если же наоборот – задача внести немного тревоги, напряжения, то можно сдвинуть фокальную точку от золотого сечения к краю.

Смещение фокальной точки ближе к краю

Золотое сечение это удобный инструмент нахождения баланса в дизайне, правой и левой ее части. Однако, даже если мы расположим, наиболее весомый фрагмент, фокальную точку в соответствии с правилом золотого сечения, все равно композиция может производить разное впечатление в зависимости от того находится объект в правой или в левой части композиции.

Весомый фрагмент в левой части. Композиция сбалансирована. Инвертированная композиция выглядит разбалансированой

Дело в том, что вес объекта в левой части кажется меньшим, чем такой же в правой. От этого итак тяжелый элемент – большой камень, становиться еще тяжелее в правой части, разбалансируя композицию. Это не значит, что нужно всегда располагать большие объекты слева. Можно расположить и справа, но только если он не намного массивнее чем балансирующие его объекты в левой части.

Итак, мы разобрали роль линий в композиции и формирующиеся с помощью них формы, узнали о необходимости создания кажущейся перспективы. Помимо контраста цветов мы узнали о контрасте текстур. Выяснили, как работает принцип золотого сечения и как он связан с балансом композиции. Разобрали такие свойства как повторяемость и природность.

Теперь можно приступить и к практике уже понимая основные принципы дизайна аквариума. Но не следует воспринимать их как догмы, которых нужно строго придерживаться. Понимание их только лишь может помочь не делать грубых ошибок, но не гарантирует Вам создания шедевров, какие бы мудрые законы Вы ни знали. Не стесняйтесь проявлять свою индивидуальность. Ищите в себе творческое начало.

Задайте свой вопрос по этой статье в теме форума

Основы композиции в интерьере

Создание красивого интерьера по сути своей мало чем отличается от построения гениального кадра в фотографии или написания картины. Помимо умения и знания мастерства, нужно еще иметь представления о создании композиции, ведь только правильно организованное пространство будет стильным, эргономичным и комфортным. 

20.09.2018

Если говорить исключительно об интерьере, то под термином «композиция» подразумевается особая организация всех предметов мебели и декора, техники и аксессуаров таким образом, что в итоге мы получаем единую, стройную систему. Типичной ошибкой при создании композиции является игнорирование текстур и материалов, которые, на самом деле, очень важны и серьезно влияют на восприятие всей картины.


Перове, о чем нужно помнить – в интерьере должен присутствовать композиционный центр. Это такая точка, которая в самую первую очередь притягивает взгляды, своеобразное ядро системы. Композиционный центр как раз и нужен для того, чтобы строить декор вокруг него, именно при такой системе возникает ощущение гармонии и завершенности. В роли такой точки может выступить крупный предмет мебели или мебельная группа, например, диван и пара кресел, расположенных рядом. Также композиционным центром может стать роскошный ковер на полу, акцентная стена, обеденный стол или необычной формы окно.


Следующий важный этап – дополнение композиции. Если центральная точка останется единственным объектом в комнате, суть ее и вовсе потеряется. Очень важно равномерно расположить в помещении предметы мебели, а также расставить цветовые акценты. Не должно возникать нагромождений или пустот.


И вот здесь встает последний масштабный вопрос: симметрия или асимметрия? Что же лучше для жилого пространства? Это дело вкуса, симметрия создает комфорт, гармонию, упорядоченность, зато асимметрия привносит в интерьер творческое, легкое настроение, да и выглядит такой декор более современно. Лишь после того, как основные задачи по планированию пространства будут решены, можно подумать о размещении декоративных элементов, которые завершат и усилят эффект.

Разработка и создание новой фотополимеризуемой композиции для лазерной стереолитографии крупногабаритных изделий

Шифр лота

2015-14-579-0145

Тема лота

Разработка и создание новой фотополимеризуемой композиции для лазерной стереолитографии крупногабаритных изделий

Мероприятие

1.3 Проведение прикладных научных исследований и разработок, направленных на создание продукции и технологий

Очередь

15

Номер лота в очереди

2

Планируемое кол-во соглашений по лоту

1

Начальная цена лота

Начальная цена соглашения

Плановая дата начала работ

27 сентября 2015

Плановая дата окончания работ

31 декабря 2016

Композиция в фотографии.

Правила создания выразительного снимка.

 

Композиция в фотографии. Правила создания выразительного снимка.

 

Правила композиции в фотографии

Советы для начинающих

Правила композиции

Как сделать фотографию интересной, выразительной, притягивающей взгляды зрителей?
Для создания фотографии недостаточно только снять изображение. Необходимо гармонично разместить объекты на снимке, наполнив его смыслом. Существуют разные способы и правила для создания гармоничной композиции. Иногда достаточно разместить объекты съемки в определенных местах. В других случаях для этого достаточно правильно выбрать точку съемки. Небольшое смещение положения фотоаппарата может внести существенные изменения в композицию.

Для придания выразительности вашим фотографиям, применяйте правила построения композиции.

Правило третей

Делим кадр на три равные части по горизонтали и по вертикали. Получилась сетка, которую вы видите на изображении. Правило основано на том, что объекты, расположенные в местах пересечения линий, соответствуют наилучшему зрительному восприятию. Таким образом, значимо важный объект съемки следует располагать или вдоль линий или в точках пересечений этих линий:

 

При съемке природных пейзажей наиболее интересными получаются те фотографии, на которых горизонт расположен по правилу третей. На какой из линий расположить горизонт? Это зависит от того, на чем вы хотите сконцентрировать внимание зрителя. В первом случае это красивый пейзаж на земле. Во втором случае делаем акцент на интересном, выразительном небе:

     

 

Правило золотого сечения

На протяжении многих веков, для построения гармоничных композиций художники пользуются понятием «Золотого сечения». Обнаружено, что определенные точки в картинной композиции автоматически привлекают внимание зрителя. Таких точек всего четыре, и расположены они на расстоянии 3/8 и 5/8 от соответствующих краев плоскости. Нарисовав сетку, мы получили данные точки в местах пересечения линий. Человек всегда акцентирует свое внимание на этих точках, независимо от формата кадра или картины.

 

 

Правило диагоналей

Согласно правилу диагонали, важные элементы изображения должны быть установлены вдоль диагональных линий, показанных на примерах. Диагональная композиция с направлением от левого нижнего угла к правому верхнему спокойнее, чем построенная на противоположной, более динамичной диагонали.

     

 

Линейные элементы, например, дороги, водные пути, и ограждения, установленные по диагонали, обычно делают пейзаж более динамичным, чем те, которые расположены горизонтально:

     

 

Правило диагонального золотого сечения

Еще одно применение правила «золотого сечения». Наложим диагональную сетку на изображение таким образом, как показано на фотографии ниже. Главные объекты изображения должны быть расположены в полученных секциях.

     

 

Советы для начинающих:

       Держите камеру на уровне объекта съемки. Не фотографируйте прямо снизу вверх или с высоты вашего роста вниз, кроме случаев, когда вы хотите добиться особого эффекта. Например, если Вы снимаете детей, опуститесь до уровня их глаз, иначе у вас получатся искаженные пропорции.

       Следите, чтобы главный объект снимка не сливался с фоном. Если вы снимаете какой-то один объект, то старайтесь выбирать простой фон, детали которого не будут отвлекать зрителя. В некоторых случаях имеет смысл сделать так, чтобы объект занимал подавляющее большинство площади самого кадра.

       Используйте ветки, деревья и т.п. для создания эффекта рамки. Таким образом вы подчеркнете главный объект. Рамка также может помочь в создании более объемного кадра (не надо делать рамку главным смысловым элементом).

       Если вы снимаете движущийся объект, то оставляйте на фотографии пространство перед объектом, то есть по ходу его движения. Другими словами, располагайте объект, как будто он только зашёл на фотографию, а не покидает её.

       Старайтесь добиться того, чтобы источник света был сзади вас. А также избегайте ярких огней или пестрых цветных пятен в стороне от главного сюжета. Это отвлекает зрителя.

       Попробуйте сделать сбалансированную композицию, так чтобы верхняя часть фотографии не выглядела «тяжелее», чем нижняя. Данное правило относится и к сторонам изображения.

       Включайте в кадр нечетное число одинаковых предметов. Один или три цветка выглядят лучше, чем два или четыре.

       Если вы снимаете здание, то выберите ракурс, при котором видны и его фасад и боковая сторона. Это будет смотреться намного объемнее , чем просто фасад.

       Композиция не должна играть самостоятельной роли. Подобно тому, как речь имеет значение передатчика мысли, композиция служит лишь средством для выражения авторской мысли.

 

 

Все программы обработки изображений.

 



 

Наверх

Вот 9 простых шагов для создания лучших композиций

Автор: Dan in Art Tutorials> Советы по рисованию

Великие композиции не появляются случайно. Они требуют планирования, терпения и знания всех визуальных элементов, имеющихся в вашем распоряжении. Самое замечательное в том, что независимо от того, насколько у вас есть талант, вы всегда сможете улучшить свое искусство, набросав хорошую композицию перед тем, как начать.

Быстрое объявление — EmptyEasel создал более быстрый и простой способ для художников иметь свой собственный сайт об искусстве. Щелкните здесь, чтобы узнать больше и получить собственный простой художественный сайт!

Имея это в виду, вот 9 шагов для улучшения композиции:

1.

Выберите хорошую тему

Это может быть и понятно, но у вас не может быть отличной композиции без чего-то хорошего! Очевидно, ваша композиция во многом зависит от того, что вы на самом деле рисуете или рисуете, поэтому выберите что-нибудь интересное (хотя бы визуально) и всегда убедитесь, что с одного направления есть хороший источник света, чтобы придать объекту сильный свет и тень.Мне нравится рисовать вещи с большим количеством цветов, текстур, острых углов и т. Д., Так как это увеличивает интерес зрителя.

2. Выберите нужный размер

Какого размера вы хотите изобразить объект? Масштаб искусства может полностью изменить его ощущение, поэтому важно иметь цель сделать объект больше или меньше, чем жизнь.

Например, картина большого диаметра 6 футов, увеличивающая объект, как пенни, будет иметь гораздо большее значение и значение, чем картина обычного размера в пенни.Увеличивая объекты, вы увеличиваете важность; уменьшение размера обычно снижает важность. Если вы не знаете, какого размера сделать, просто сделайте это как можно ближе к натуральному размеру.

3. Создайте свой урожай

Часто самые сильные линии в произведении искусства — это четыре, которые большинство художников даже не думают контролировать. Края вашего холста или бумаги несут ответственность за содержание и форму вашего окончательного произведения искусства. Зачем довольствоваться рисованием внутри чужих линий? Сделать свой собственный! Если вы планируете нарисовать небоскреб, обрежьте бумагу по высоте и ширине, необходимой для вашего объекта.Рисовать пейзаж? Почему бы не сделать холст шире, чтобы получить панорамный вид? Это можно использовать для улучшения практически любого произведения искусства, поэтому обязательно подумайте об этом, прежде чем использовать стандартный холст или бумагу.

4. Подумайте о размещении

То, как вы размещаете формы на двумерной поверхности, придает детали значимость, значение и баланс. Центрирование вашего объекта по вертикали, горизонтали или по обоим направлениям всегда будет обеспечивать большую стабильность вашей работы, но в итоге может показаться немного скучным или типичным.

Обрезка части объекта по бокам, сверху или снизу обычно добавляет больше визуального интереса, так как один объект заполняет все пространство. Следите за объектами, которые едва касаются краев, или за объектами, которые едва касаются границ вашего произведения искусства. Этот тип размещения неудобен, и его следует избегать.

5. Управляйте своими линиями

Любой выбранный вами объект будет иметь как минимум контур, а также другие линии, чтобы придать ему глубину, текстуру и детализацию.Наши глаза естественным образом следуют линиям, поэтому используйте это в своих интересах, чтобы уловить взгляд зрителя. Пусть ваши линии переходят к центру вашей работы или к тем местам, на которые вы хотите, чтобы зритель смотрел. Угловые или изогнутые линии обычно добавляют больше визуального интереса и движения, но слишком много может быть хаотичным. Горизонтальность и вертикаль придают силу, солидность и эффектность, но могут быть скучными.

Не позволяйте линиям разделять ваше искусство ровно пополам; как с линией горизонта, проходящей через середину, или вертикально с деревом.Это вытянет зрителя из созданного вами пространства и отвлечет от изображения.

6. Уравновесить положительное и отрицательное пространство

Позитивное пространство — это любой объект или форма, которые выделяются на фоне и воспринимаются глазом как «что-то». Негативное пространство — это фон или пространство вокруг предметов. Обычно рекомендуется оставлять примерно равное количество положительного и отрицательного пространства, чтобы работа казалась более сбалансированной. Если у вас недостаточно отрицательного пространства, ваше искусство может казаться загруженным и переполненным, но слишком много отрицательного пространства может сделать работу пустой и подавленной.

С другой стороны, вашей целью может быть загруженная, переполненная картина, и использование большого количества негативного пространства часто помогает сосредоточить внимание на позитивном пространстве, которое там есть. Вы сами выбираете, каким должно быть ваше искусство, поэтому выберите баланс, соответствующий вашему предмету и стилю.

7. Добавить контраст

Изобразительное искусство должно иметь полный диапазон значений от темного до светлого. Без ярких светов и темных теней изображение часто будет серым или размытым и будет менее интересным.Более темные области в преимущественно светлом разделе будут выделяться и привлекать внимание, и то же самое верно для обратного. Используйте это, чтобы сосредоточить внимание, но остерегайтесь непреднамеренных действий. Убедитесь, что вы не акцентируете внимание на углу или краю картины, если ваш фокус должен быть в центре.

8. Упростите отвлекающие элементы

Слишком много форм, линий или цветов может отвлекать или сбивать с толку зрителей. Если вы хотите, чтобы зритель постоянно обращал внимание на одну часть картины или возвращался к ней, упростите остальную часть.Решите, на чем должен быть фокус, и, если ВАШ глаз отвлекается, измените его! Еще один способ упростить ваше искусство — приблизиться к одному объекту. Отсутствие периферийных устройств и увеличение изображения до тех пор, пока весь кадр не заполнится только чем-то одним, всегда привлекает внимание туда, куда вы хотите. Конечно, это резко изменит ваш положительный / отрицательный баланс.

9. Выбирайте цвета осознанно

Смелый цвет привлечет внимание, поэтому используйте их целенаправленно там, где хотите, чтобы люди смотрели.Также будет выделяться любой цвет, который совсем один в окружении другого цвета. Как и в случае с контрастом, это может произойти непреднамеренно, поэтому проверьте его в своей композиции.

Также имейте в виду, что теплые цвета (желтый, оранжевый и красный) заставят объекты казаться ближе к зрителю, поэтому используйте их для создания глубины и пространства. Холодные цвета (синий, фиолетовый и немного зеленого) заставят объекты удаляться вдаль. Когда объект на «обратной стороне» вашей картины слишком теплый, он отвлекает от общей композиции и привлекает внимание туда, где вам это не нужно.

Наконец, я убежденный поклонник набросков в начале каждого творческого процесса, поэтому я всегда рекомендую рисовать разные композиции, пока вы не почувствуете, что исчерпали все возможности. Если наброски не для вас, вы, , можете сделать несколько фотографий, а затем изменить их в цифровом виде, чтобы найти лучшую композицию для вашего объекта.

Что бы вы ни делали, не спешите делать то, на что вы очень надеетесь, не выполнив каждый из вышеперечисленных шагов. Я гарантирую, что если вы будете следовать приведенным выше рекомендациям, вы будете поражены разницей между вашей окончательной композицией и тем, чем на самом деле была ваша первоначальная идея.

ПОЛУЧИТЬ ЛИСТНИК В СВОЕМ ЯЩИКЕ

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

Создавайте мощные художественные композиции: 21 профессиональный совет

Сильные художественные композиции жизненно важны для успеха произведения искусства.Композиция произведения — это то, что привлекает внимание зрителя и удерживает его внимание, когда они приглядываются.

Художественная композиция способна полностью изменить настроение произведения искусства, превратив его от яркой энергии к торжественному созерцанию. Но как это происходит? Почему одни, казалось бы, красиво оформленные изображения не выдерживают никакой критики, тогда как другие очаровывают зрителей?

Многие правила определяют, что делает композицию хорошей, например, Золотое сечение, Золотая спираль и Правило третей.Однако очень важно, чтобы мы не подходили к этим теориям как к нерушимым правилам, а как к предложениям или необязательным шаблонам.

В этой статье мы обсудим некоторые из этих методов, объясним, почему они успешны и как вы можете использовать эти знания для улучшения изображения.

Для начала все, что вам действительно нужно знать, это следующее: хорошая композиция — это не что иное, как приятное сочетание форм, цветов и тонов. На самом деле это достаточно просто. Скорее всего, большинство из вас сможет составить хорошую композицию с закрытыми глазами.

Щелкните значок в правом верхнем углу изображения, чтобы увеличить его.

01. Расскажите историю

Спросите себя: что это за история? [Изображение: Стив Эллис]

Будь то профессиональная записка или заметки для личного выступления, первым делом нужно подумать об истории. Какие элементы имеют решающее значение для рассказа истории, какие второстепенные, а какие добавляют третичной поддержки? Вот как вы выясняете иерархию элементов в своем произведении. Здесь противостояние между воином и драконом должно иметь первостепенное значение, но второстепенные элементы, такие как разрушенная деревянная платформа, должны поддерживать центральное повествование пьесы.

02. Создание взаимосвязей

Создание взаимосвязей заставляет зрителя сравнивать две формы, тем самым создавая движение [Изображение: Дэн дос Сантос]

Каким бы простым ни было это изображение, оно уже имеет ощущение движения и глубины. Как?

Через отношения. Причина несоответствия между формами дала зрителю средство, с помощью которого они могут сравнивать эти формы. «Этот больше, тот легче». Серый квадрат кажется движущимся и удаляющимся только по сравнению с черным квадратом.

Процесс сравнения этих форм требует, чтобы зритель неоднократно перемещал глаза по холсту, и в этом заключается истинная цель великолепной композиции: управление этим движением глаз.

03. Думайте в миниатюрах

Начало с миниатюр может решить многие проблемы дизайна раньше времени [Изображение: Стив Эллис]

Начните с миниатюр, которые имеют тот же формат и ориентацию, что и ваше окончательное изображение. Если миниатюры имеют неправильные размеры, вы в конечном итоге потеряете все свои остатки, и вам придется переделывать свой дизайн.На этом раннем этапе важно решить многие проблемы дизайна, прежде чем даже думать о конечном изображении. Тонкая балансировка элементов может привести к получению яркого изображения, в то время как небольшое смещение может изменить или изменить эффект создаваемого изображения.

04. Знайте, что форма имеет значение

Форма и размер холста имеют решающее значение для композиции вашего произведения [Изображение: Стив Эллис]

Спланируйте внешнюю форму изображения. Это личная вещь, поэтому размер можно было установить.Работы по заказу не допускают такой роскоши, и художнику приходится реагировать на предоставленные размеры. Все на вашем изображении должно соответствовать размерам границы. Вот почему размер холста имеет решающее значение. Он создает обрамляющее устройство для изображения — форму, через которую будет смотреть зритель. Как только внешние размеры установлены, к дизайну можно подходить с нескольких разных сторон.

05. Развитие динамической симметрии

В отличных композициях используется геометрия. Вот пример того, как динамическая симметрия помогает поднять этот предмет на более глубокий композиционный уровень…

a) Штриховая графика

Нарисуйте линии, чтобы найти главную достопримечательность [Изображение: Стив Эллис]

Используя начальный набросок, нарисуйте линия от верхнего правого угла до нижнего левого угла.Затем из верхнего левого угла проведите линию под прямым углом к ​​первой линии. Это основная достопримечательность, где вы нарисуете глаз дракона.

b) Определите края

Установите важные элементы платформы [Изображение: Стив Эллис]

Проведите прямую линию в начальной точке, чтобы обозначить линию глаз дракона. Затем разместите линию из правого нижнего угла под прямым углом к ​​исходной линии. Они помогают выделить важные элементы, такие как край платформы, бок орка и крыло дракона.

c) Проверьте размещение элементов

Посмотрите, где находятся символы в форме ромба [Изображение: Стив Эллис]

Затем повторите эти шаги, начиная с верхнего левого угла. Используя эти направляющие, найдите край платформы, левое крыло и руки воина. Это позволяет вам увидеть, что воин находится прямо в центре ромбовидной формы. Голова дракона, смещенная вправо, теперь находится в верхнем ромбе

06. Применение золотого сечения

Золотое сечение выражается в виде спирали [Изображение: mathsbyagirl.wordpress.com]

Иногда динамическая симметрия не подходит для произведения, и именно здесь золотое сечение наиболее полезно. Это греческое математическое уравнение выражается спиралью. Многие из самых известных произведений искусства используют это соотношение для определения размещения элементов и как естественный способ провести взгляд по изображению. Оно настолько укоренилось в нашей природе и человечестве, что мы часто используем это соотношение, даже не осознавая этого.

Они считали, что все вещи, как материальные, так и нематериальные, имеют совершенное состояние, которое их определяет.Они также считали, что нужно всегда стремиться к достижению этого идеального состояния, будь то в математике, телосложении, политике или эстетике.

Спираль создала гармонию между элементами [Изображение: Стив Эллис]

Греческие математики, неоднократно наблюдая схожие пропорции в природе и геометрии, разработали математическую формулу для того, что они считали идеальным прямоугольником: прямоугольник, стороны которого равны 1 : Соотношение 1,62.

Они чувствовали, что все предметы, пропорции которых отражали это, были более приятными, будь то здание, лицо или произведение искусства.По сей день книги и даже кредитные карты все еще соответствуют этому идеалу.

На изображении выше спираль использовалась для создания гармонии для интересующих элементов, таких как глаза волка, Морриган, дерево и вороны.

07. Канал Правило третей

Дюлак соблюдает Правило третей [Изображение: wikiart.org]

Это гласит, что если вы разделите любую композицию на трети по вертикали и горизонтали, тогда разместите ключевые элементы вашего изображения либо вдоль этих линий, либо на их стыках.У вас получится более приятная аранжировка. Но так ли это работает?

Давайте посмотрим на картину Эдмунда Дюлака «Русалочка: Принц спросил, кто она такая» (вверху). Дюлак умел использовать пустое пространство в своих интересах, отчасти потому, что он был склонен соблюдать Правило третей.

Линия третей использована идеально [Изображение: Дан дос Сантос]

Здесь Дюлак расположил колонну и линию горизонта точно по линии третей. Но что, если он этого не сделал?

Результат менее успешен, если столбец и горизонт в центральном положении [Изображение: Dan dos Santos]

Если столбец и линия горизонта находятся в центре изображения, результат менее успешен.Столбец доминирует над изображением, отвлекая внимание от фигур.

Взгляд зрителя теперь прикован к этой сильной форме, которая делит холст пополам, вместо того, чтобы блуждать по изображению, как это было изначально.

08. Узнайте, как работают правила.

Правило третей работает, потому что требует, чтобы художник сделал один элемент более доминирующим, чем другой. Это доминирование создает дисбаланс, и любой дисбаланс всегда будет привлекать внимание зрителя.

Идеальное разделение изображения пополам создает наименьший интерес, потому что все равно сбалансировано.

Если сделать одну часть вашей композиции более доминирующей, это создаст напряжение и, следовательно, добавит интереса. Это также заставляет ваши глаза больше перемещаться по холсту, чтобы сравнить все эти отношения.

Тот факт, что композиция разделена на точные трети, действительно имеет минимальное значение. Вы можете разделить композицию на четверти, пятые или даже десятые. Пока есть какой-то дисбаланс, композиция будет показывать напряжение. Как вы скоро увидите, эта концепция дисбаланса применима ко многим аспектам композиции, включая стоимость и цвет.

09. Используйте подразумеваемые линии

Подразумеваемые линии направляют взгляд читателя [Изображение: Стив Эллис]

Это, вероятно, самый важный аспект композиции, потому что вы замечаете их в первую очередь. Когда рисуешь реалистично, вокруг предмета нет никаких линий.

Иллюзия контура — результат контрастирования различных значений и цветов. Но даже впечатление от линии сильное, и наши глаза будут смотреть на нее и следить за ее длиной, пока она не кончится или пока она не пересечется с другой линией, за которой мы будем следовать снова.Великолепная композиция сильно использует это естественное влечение к линиям.

Размах или движения по фигуре привлекают взгляд с одной стороны композиции на другую. Использование четких линий прямого действия, встроенных в элементы изображения, может переместить взгляд в нужную вам точку. В неактивных предметах или в более спокойных областях боевых сцен используйте такие элементы, как струящаяся ткань, вьющийся дым или даже направленные мазки кисти в небо — все тонкие следы, по которым глаз может проследить к фокусной точке изображения.Здесь волны, щупальца и форма паруса направляют взор.

10. Усильте эти точки фокусировки

Подразумеваемые линии могут также создавать точки фокусировки [Изображение: Дан дос Сантос]

Помимо использования подразумеваемых линий, чтобы нарисовать взгляд вокруг композиции, вы можете использовать тот же метод, чтобы кого-то немедленно посмотрите на выбранную вами точку фокусировки.

Фактически, вы можете делать это многократно, с разных сторон. Это особенно полезно, когда ваше изображение представляет собой портрет или пин-ап, а лицо персонажа является наиболее важным элементом.

Окружающие объекты должны указывать на вашего персонажа, чтобы привлечь внимание в [Изображение: Дан дос Сантос]

Чтобы привлечь больше внимания к определенному персонажу, попробуйте сделать так, чтобы окружающие объекты, такие как оружие, мечи и здания, указывали на ваш объект. . Вы также можете использовать подразумеваемые линии для кадрирования лица объекта, фиксируя взгляд зрителя на месте.

Сегодняшние максимальные цены на лучшие карандаши для набросков

11. Создавайте драму через точку зрения

Зритель должен быть во главе воина, чтобы создать драму [Изображение: Стив Эллис]

Для эмоционально эффективной работы Таким образом, зритель должен поместить себя в голову воина.Наш герой — а значит, и зритель — должен чувствовать себя подавленным и подавленным, но при этом готов сражаться. Для этого злодей был помещен над серединой изображения. Угол обзора был немного изменен, чтобы зритель смутился. Таким образом, злодей буквально нависает над нами, как и мальчик.

12. Повсюду видны тройки.

Думайте в общих чертах: передний, средний и задний план. исключение.Создавая композиции, думайте в общих чертах о расположении переднего, среднего и заднего планов.

Чтобы усилить взаимосвязь между этими тремя глубинами, попытайтесь ограничить каждую из них диапазоном значений, отдавая предпочтение черному, белому или серому. Например, вы можете позволить фону преимущественно быть белыми тонами, среднему плану — преимущественно серым, а переднему плану — преимущественно черным тонам.

Конечно, подойдет любое расположение этих трех значений. Ограничивая свои значения в этих областях, вы усиливаете ощущение глубины своего изображения и делаете силуэты очень легко читаемыми, а это важно.

Обратитесь к старым мастерам, чтобы увидеть схемы ценностей Triptich [Изображение: wikiart.org]

Неприятные ценности вредят способности зрителя различать формы, особенно в мелком масштабе. Вот почему вы увидите, что эта техника так часто используется в карточном искусстве. Когда ваше изображение составляет всего несколько дюймов в высоту, высококонтрастные композиции работают особенно хорошо.

Подобные схемы ценностей триптиха хорошо видны в произведениях старых мастеров, особенно в гравюрах Гюстава Доре.

Все его картины показывают различные комбинации черного, белого и серого, чтобы подчеркнуть разницу между передним, средним и фоном.

13. Используйте силу треугольников

Ромбы привлекают внимание к лицам персонажей [Изображение: Стив Эллис]

Композиции часто основаны на сильных, простых формах. Здесь героям в этой пьесе нужно иметь индивидуальный момент для себя, но также и объединяться в команду. Поскольку треугольник — это сильная форма, команда была составлена ​​таким образом, чтобы его различные элементы приводили взгляд к голове орка-паладина (зеленый треугольник).А поскольку фон также представляет собой направленный вниз треугольник (синий треугольник), он создает ромбовидную форму, на которой приблизительно расположены головы основных фигур. Все это призвано привлечь внимание читателя к выражениям лиц персонажей.

14. Будьте умны с цветом

Контрастируйте темные и яркие цвета [Изображение: Steve Ellis]

Цвет — удивительный инструмент для композиции. В пьесе, где я хочу сильно ударить по чему-то, я использую много контрастного значения цвета, а также дополнительный цвет.Яркий теплый цвет посреди прохладного поля действительно может выделяться из сцены и привлекать внимание зрителя. Здесь слово «Циклон» темно-красного цвета, что контрастирует с синим цветом воды, в то время как глаза змеи ярко-желтые на фоне темно-бирюзового неба. Мальчик был выделен желтым цветом и более светлым оттенком кожи, чтобы приблизить его к знаку и воде.

Осторожно используйте черное и белое, чтобы сфокусировать взгляд [Изображение: Дан дос Сантос]

Черное и белое по своей сути являются мощными тонами.Если вы используете их экономно и рядом друг с другом, вы с легкостью сможете привлечь внимание зрителя к определенному месту.

При рисовании старайтесь использовать чистейшие белые и черные цвета для вашей фокусировки. Например, если у вашего главного героя очень бледная кожа, попробуйте поместить на него что-нибудь очень темное, например, черные волосы или черную одежду.

Это один из самых простых и наиболее успешных способов сделать ваш объект популярным. На изображении выше, Blood Divided, героиня сидит отдельно от фона.

15. Учитывайте свой ракурс

Наклоните камеру под углом, чтобы добавить волнения [Изображение: Дэн дос Сантос]

Дисбаланс может создать более захватывающий поток в вашей композиции, но он также может добавить драматизма. В следующий раз, когда ваша картина окажется недостаточно захватывающей, попробуйте повернуть камеру под углом.

Даже малейший наклон к линии горизонта может превратить обыденную сцену в классный боевик. Поэкспериментируйте с психологическими впечатлениями, которые создают разные ракурсы.

Прямо, этой картине не хватает настоящего волнения.Кирпичи, дождь и волосы — все это создает простые вертикальные линии и не сильно улучшает драматичность произведения. Наклон изображения придает ему совершенно новое ощущение.

Чувство веса меняет динамику между персонажами [Изображение: Дэн дос Сантос]

Внезапно кажется, что женщину толкают к стене. В их позах также больше ощущения веса.

16. Оцените силуэт.

Убедитесь, что силуэт интересный. [Изображение: Стив Эллис]

Планируя картину, подумайте о том, как изображение будет выглядеть как силуэт.Композиционно силуэт — это внешний край основных форм предметов или фигур переднего плана. Если он работает как композиция в черно-белом цвете, то есть большая вероятность, что композиция будет хорошо работать в цвете, если вы не слишком сильно возитесь с цветовыми значениями. Также убедитесь, что силуэт интересен, а фоновые элементы не конкурируют с ним.

17. Изменяйте симметрию или асимметрию

Смешивание элементов делает вещи захватывающими [Изображение: Стив Эллис]

Симметрия отлично подходит для телеграфирования порядка и спокойствия, но может быть довольно неинтересной.Иногда, как в случае с этим портретом, подумайте о двусторонней симметрии, но немного измените элементы, чтобы картина оставалась активной: например, выражение глаз и расположение, форма и размер различных щупалец. Также сбалансируйте элементы фона, не повторяя их, чтобы они сохраняли ощущение энергии.

18. Играйте по-крупному и смело.

Используйте простые формы для создания интересных объектов [Изображение: Стив Эллис]

Иногда стоит быть откровенным с элементами дизайна.Достаточно взглянуть на любую обложку Нормана Роквелла «Субботняя вечерняя почта». Я часто использую гигантский круг на одной из моих точек интереса в произведении, создавая ореол вокруг главного героя или действия. Это привлекает внимание зрителя ко всему, что выходит за пределы этого круга. Этот подход также работает с другими простыми формами, такими как ромб или треугольник.

19. Думайте заранее о конечном продукте

У разных видов искусства разные композиционные потребности [Изображение: Стив Эллис]

Важно подумать о последнем доме искусства.Это будет игровая карта или обложка книги, или она будет висеть на стене? У искусства галереи другие композиционные потребности, чем у изображения карты или обложки комиксов размером 6×9 дюймов. Хотя сильная композиция будет работать на многих уровнях, интенсивность деталей, необходимая для более крупного воспроизведения, может не потребоваться для крошечной карты. Композиции простой формы могут быть самыми сильными для небольших предметов, но могут показаться слишком простыми при увеличении.

20. Оставайтесь свободными

Делайте неструктурированные наброски, чтобы сохранять свежесть [Изображение: Стив Эллис]

Хотя такие советы могут помочь создать сильные изображения, если они когда-либо станут ограничивающими, отбросьте правила и сделайте некоторые неструктурированные наброски.Используйте более крупные, свободные и смелые штрихи и формы, а затем вернитесь к этим советам. В конце концов, вы никогда не захотите потерять спонтанность изображения, иначе оно потеряет свое удовольствие. Если художнику не нравится рисовать, то и зрителю это не доставит удовольствия.

21. Сложите все вместе

Хорошая композиция — это такая композиция, в которой художник управляет движением глаза зрителя, добиваясь благоприятного результата.

Укрепите фокусные точки с помощью Правила третей [Изображение: Дан дос Сантос]

Мы можем сделать это несколькими способами, такими как усиление координационной точки с помощью Правила третей, подразумеваемых линий, контраста значений и выборочного насыщенность цвета.

Дуэль Жана-Леона Жерома после бала-маскарада — прекрасный пример использования всех композиционных приемов. — прекрасный пример использования всех композиционных приемов в ваших интересах.

Этот контент изначально появился в ImagineFX ; подписаться здесь .

Подробнее:

9 советов по композиции для художников | Брэд Блэкман Fine Art

Недавно я писал об использовании фреймворков / шаблонов для ведения блогов.Теперь я думаю о композиционных методах, которые помогут вам воплотить в жизнь ваши художественные идеи.

Многие из них довольно распространены и хорошо известны, но я подумал, что было бы полезно собрать их в одном месте. Дайте мне знать, если что-то натолкнет вас на идею или две. Это не должно быть исчерпывающим. Это всего лишь начало.

Я начну с простого, а по мере продвижения буду усложнять.

1. Очевидный фокус

Прежде всего, ваша композиция должна иметь очевидный фокус.На что мы должны смотреть? Использование линии горизонта или перспективы — отличный способ добиться этого, потому что они устанавливают контекст даже в абстрактной части. Наши глаза естественно тяготеют к горизонту.

Пример: «Солнце и снег», холст, акрил. 10 х 10 дюймов.

2. Фигура / фон (доминанта / субдоминанта)

Это вроде очевидно, но вам нужно что-то на переднем плане и что-то на заднем плане. Это довольно просто, но вы хотите, чтобы люди знали, что спереди, а что сзади, даже если то, что вы делаете, плоское.Другой способ взглянуть на это: что является доминирующим или подчиненным? У вас может быть доминирующее поле с небольшим элементом, который сразу привлекает к себе внимание, если его разместить в нужном месте.

Пример: Битва при Хоте, холст, акрил. 14 х 11 дюймов.

3. Разделить пополам

Прежде чем вы откажетесь от этого как скучного или статичного, вы действительно можете довольно динамично расположить вещи таким образом, если сделаете это правильно. Я думаю о серии «Посвящение квадрату» Йозефа Альберса.Есть концентрические квадраты, расположенные на квадрате, взвешенные сверху или снизу, но центрированные на холсте из стороны в сторону. Вещи, расположенные аккуратными рядами, обладают определенной элегантностью. Создает ритм.

4. Думайте горизонтально / думайте вертикально

Принятие крайности само по себе создает интересную композицию. Что-то, что явно вертикально или горизонтально, вызывает большой интерес, просто находясь там. Подчеркните это или опровергните, чтобы сделать его еще более интересным.

Пример: Пилот бури, не оставляющий следов, холст, акрил

5. Правило третей

Это хорошо известно большинству дизайнеров, фотографов и художников. Что вы делаете, вы делите свое поле на равные трети по горизонтали и вертикали, так что вы получаете сетку из девяти равных прямоугольников или квадратов в той же пропорции, что и весь кадр / поле. Затем просто выровняйте элементы вдоль сетки, особенно вдоль пересечений линий сетки.Помните, что есть разница между асимметричным балансом и почти, но не совсем центрированным, так что это выглядит как ошибка.

Пример: Первый свет, холст, акрил. 8 х 8 дюймов. (ПРОДАНО)

6. Золотое сечение

Это более продвинуто и в чем-то похоже на правило третей, но становится более сложным, потому что вы можете расположить элементы вдоль линий разделения и кривых, иногда и того и другого, если хотите. Это очень распространено в искусстве и архитектуре эпохи Возрождения.Вы можете начать с золотого прямоугольника для всего кадра или применить пропорции к композиции, используя эту структуру.

Пример: Надежда, холст, акрил. 30 х 24 дюйма.

(Посмотрите, как я использовал Золотое сечение в этой картине.)

7. Нечетное количество элементов

Даже количество вещей в спешке приедается и кажется статичным, если только вы не создадите разнообразия в том, как они расположены. Нечетные числа вещей по своей сути более динамичны.Думайте «три» и «пять». Интересно, что здесь также начинается «сакральная» геометрия, особенно в том, что касается золотого сечения (два, три, пять, восемь…)

Пример: Три подводные лодки, холст, акрил. 12 х 12 дюймов. Рисовал вместе с сыном, когда ему было четыре года.

8. Избегайте касательных

Когда края едва касаются или целуются, это создает слабое место в вашей композиции. Зрители не понимают, что впереди, а что перекрывает.Я избегаю этого, сохраняя свои композиции относительно простыми. Я не использую столько перекрывающихся элементов. (По теме: не кладите острые предметы вокруг глаз людей в своем творчестве, если только вы не пытаетесь заставить их чувствовать себя неудобно.)

Пример: Развязка Мелроуз, холст, масло. 18 х 24.

9. Нарушайте все правила!

Как только вы поймете, как все это сделать правильно, вы сможете нарушить правила и уйти от ответственности. Конечно, часто, когда вы делаете это, вы получаете что-то вроде узора или текстуры, или что-то настолько несвязное, что неровности становятся регулярными.Подумайте о Джексоне Поллоке, Ките Харинге или Иерониме Босхе. У всех трех художников так много всего происходит в своем искусстве, что они как бы бросают вызов принципам композиции, но их искусство только работает .

Пример: Все соединено, холст, акрил. 8 х 8 дюймов.

Вдохновляет ли вас что-нибудь из этого на создание чего-то нового? Сообщите мне, если это произойдет! Я был бы счастлив увидеть это.

7 шагов к более сильному составу

Используйте сетку — правило третей

Наши телефоны сделали правило третей почти повседневным явлением в жизни многих людей.Вы когда-нибудь использовали камеру на своем телефоне или планшете? У них есть возможность отображать сетку на экране при съемке фотографий. Я сделал снимок экрана с камеры, чтобы показать вам. Как это выглядит, я выделил сетку. Эта сетка показывает точки пересечения, где вы можете выровнять фотографию, чтобы получить хороший снимок.

Это также известно как правило третей. Вы можете использовать тот же подход в любом произведении искусства, которое вы создаете. Представьте, что этот хэштег похож на отметку на поверхности вашей поверхности, или даже слегка нарисуйте ее.Где пересекаются линии? Это хорошие места для фокусов вашего искусства.

Касательные и отходы от краев холста или бумаги

Вы также можете поискать термин, называемый касательными. Касательная — это когда вы рисуете или рисуете что-то, и это точно совпадает с краем рамки. У меня есть изображение на экране для вас.

Касательные сильно отвлекают взгляд и мешают композиции. Гораздо лучше сделать так, чтобы объекты в вашей композиции полностью выходили за край вашей поверхности (и, как правило, делать это в нескольких местах — четное нечетное число — для создания баланса).

В этой статье говорится немного больше о касательных.

Правило нечетных чисел

Итак, давайте поговорим о нечетных числах, которые я только что упомянул. Если вы посмотрите на произведения искусства в истории, то увидите, что нечетные числа регулярно используются в аранжировках натюрмортов и рассказов с множеством людей, нарисованных как библейские и мифологические истории, изображенные во время Возрождения. У меня есть для вас пример работы голландской художницы Клары Петерс, где вы можете ясно увидеть 3 сильных вертикальных элемента на этой картине.

По какой-либо причине наличие композиции с нечетным количеством элементов может улучшить общую законченную работу. Признаюсь, у меня нет для вас веской причины, но я призываю вас копнуть глубже и сообщить мне, если вы найдете исследование, которое это оправдывает. Единственное оправдание для меня — история искусства и мой собственный опыт студенческой работы.

Треугольники вершины

Говоря о эпохе Возрождения, вы заметите, что в произведениях часто композицию выстраивают в виде треугольника.Это регулярно использовалось в качестве инструмента для создания композиций в их произведениях искусства.

Вы можете увидеть это в двух произведениях Артемизии Джентилески, которые я здесь делю: «Рождение святого Иоанна Крестителя» и «Юдифь, усекшая голову Олоферна».

Модель исторического произведения искусства

А Ренессанс — это период времени, который продолжает приносить плоды. Я нашел много-много художников во времени, которые нашли бы картину мастера, которым они восхищаются, и использовали бы точную композицию, но в своих произведениях.

«Завтрак на траве» Эдуарда Мане или Dejeuner Sur l’herbe — хороший тому пример. Вы можете увидеть работу вблизи через проект Google Art, и у меня есть изображение для вас. Обратите внимание на расположение сидений.

Теперь взгляните на гравюру, созданную мастерами эпохи Возрождения Рафаэлем и Маркантонио Раймонди. Обратите внимание на расположение фигур в правом нижнем углу отпечатка.

А теперь иди и найди себе композицию, которая смоделирует твою работу!

Как помогает маленькая рамка

Некоторые люди подсознательно думают, что использование инструментов — это своего рода обман.Но я здесь, чтобы сказать вам, что это глупо. Художники всех времен находили способы облегчить себе искусство. Известно, что Ван Гог использовал такой инструмент кадра, как этот видоискатель, чтобы помочь ему определиться с композициями.

Я тоже сделал один, чтобы показать вам.

Когда вы смотрите на объекты или пейзажи на улице ИЛИ если у вас есть ссылка на изображение, меньшая часть которой вы хотите использовать в своем творчестве, такая рамка активно блокирует области вашего зрения, поэтому вы можете сосредоточиться исключительно на композиции, которую вы выбрала.

Нарисуйте карту того, как ваш глаз путешествует по работе

Этот последний я обычно не рисую активно, но я нахожу некоторое время, глядя на свое искусство и наблюдаю, как мой опыт просмотра ведет меня через произведение искусства. Это может помочь вам увидеть, перемещаются ли ваши глаза к желаемой точке фокусировки, и поможет выделить вашу тему или сообщение в работе.

Я поделюсь примером того, как мои глаза путешествуют по картине Эдгара Дега «Любители абсента».


Теперь, как обычно, я хочу напомнить вам: помните, мои дорогие мятежные артисты, правила всегда создаются для того, чтобы их нарушать.Однако мой опыт показывает, что художники, которые нарушают эти правила и создают успешное искусство, сами научились правилам композиции. Они научились их использовать, прежде чем отклоняться от них.

Надеюсь, эти 7 шагов к сильной композиции вам помогут! Есть ли у вас еще один совет или инструмент, который вы используете для создания успешной композиции? А что насчет золотого сечения? Я бы хотел об этом услышать. Поделитесь с нами в комментариях ниже. Спасибо за просмотр, увидимся в следующий раз на Artist Strong.

10 Правд в рисовании: руководство по лучшему рисованию

Раскройте 10 вещей, которые большинство людей не знают о рисовании, которые могут улучшить ваши навыки и повысить вашу уверенность в себе как художника.

Воспользуйтесь этим бесплатным бонусом при подписке на еженедельную рассылку Artist Strong.


Мы уважаем вашу конфиденциальность — подробнее здесь.

Подтвердите, что вы хотите получать нашу рассылку новостей от Artist Strong, и в ближайшее время получите руководство по лучшему рисованию.

Хотите улучшить свои навыки рисования? Получите результаты с Better Drawing Bootcamp или получите полный возврат средств. Узнайте больше здесь: https://www.artiststrong.com/join-better-drawing-bootcamp/

Композиция в искусстве

Композиция, пожалуй, самый недооцененный аспект художественного творчества. Это также один из самых важных аспектов, когда нужно делать все правильно. Если ваша композиция слабая, значит, и ваша работа слабая. Даже если у вас есть полный спектр ценностей, ваши пропорции правильные, и вы использовали среду в качестве мастера — если ваша композиция плохо спланирована и выполнена, ваше искусство можно считать неудачным.

К счастью, композиция — одна из тех вещей, которые мы можем сделать правильно, немного спланировав и получив знания. Для этого не нужен «талант», и это определенно не о «догадках». Есть несколько «правил», которые мы можем учитывать при планировании нашей работы, чтобы каждый раз добиваться успеха.

Что такое композиция в искусстве?

Очевидно, что создание успешного произведения искусства — это нечто большее, чем создание отметок и среднее мастерство. Наша композиция играет важную роль в том, как наши работы воспринимаются и воспринимаются нашей аудиторией.

Но прежде чем мы определим композицию с точки зрения искусства, давайте рассмотрим связанный с ней предмет.

Если вы музыкант, то знаете, что музыкальные произведения также могут называться «сочинениями». У песни есть структура. Каждый музыкант играет «свою роль». Если музыкант играет не в то время или играет не те ноты, песня превращается в беспорядок. Каждая часть тщательно продумана, чтобы песня была лучшей из возможных. В некоторых песнях гитара может иметь больше партий и доминировать в песне.В других случаях это может быть пианино.

Мы можем сравнить эту музыкальную аналогию с искусством. Как и песня, каждое произведение искусства, которое мы создаем, имеет структуру (или должно иметь структуру). Как художники, мы планируем эту структуру и реализуем ее по мере создания искусства.

Если мы не будем тщательно планировать элементы, которые мы включаем, наше искусство может превратиться в настоящий беспорядок.

Итак, когда дело доходит до искусства, композиция — это расположение элементов в живописном пространстве (или трехмерном пространстве со скульптурой).Расположение и расположение элементов в произведении влияет на то, как зритель взаимодействует с тем, что мы создаем.

Как и в случае с песней, возможности безграничны. У нас есть полная творческая свобода в том, как мы располагаем элементы в наших работах. Но даже несмотря на то, что возможности безграничны, это не означает, что мы можем использовать бессистемный подход без планирования. Мы должны создавать свои композиции, как это сделал бы опытный композитор.

В некоторых произведениях может доминировать определенный элемент.В других случаях может доминировать другой элемент. Однако мы всегда должны следить за тем, чтобы не было слишком большого количества элементов, конкурирующих за внимание. Мы не ожидаем, что в песне будут одновременно звучать гитарное соло, фортепианное соло и барабанное соло. В произведении искусства мы также не ожидаем, что все элементы, которые мы включаем, будут конкурировать за внимание.

Вместо этого мы должны сосредоточить внимание зрителя на одном или двух элементах сцены. Эти элементы становятся центром (-ами).Все остальные элементы в работе затем становятся вспомогательными актерами.

Создание фокусных точек

Точка фокусировки — это область или области в сцене, которые привлекают визуальное внимание зрителя. В большинстве случаев координационные центры включают основной предмет. У каждого произведения искусства должен быть хотя бы один фокус.

Количество координационных центров должно быть ограничено. Во многих случаях требуется только один координатор. У вас может быть более одного координационного центра, но любое число, превышающее три, будет сложно определить.Если в вашей работе есть несколько фокусов, тогда должен быть один, который доминирует над остальными. Другими словами, должен быть один главный координационный центр и, возможно, вспомогательный или второстепенный координационный центр.

Фокусные точки могут быть созданы в работе с использованием различных техник. Эти методы включают…

  • Контрастность
  • Изоляция
  • Размещение
  • Конвергенция
  • Неудачный

Хотя здесь мы кратко рассмотрим каждую из этих техник, мы рассмотрим их более подробно в этих уроках …

Теперь давайте кратко рассмотрим каждый метод создания фокуса.

Контраст

Контраст имеет дело с различием. Это может быть разница в стоимости, цвете, текстуре, размере и т. Д. Когда мы включаем область с сильным контрастом, она притягивает взгляд зрителя к этому месту в работе и создает фокус.

Изоляция

Если у вас когда-либо были проблемы в детстве, и учитель загнал вас в угол, тогда вы знаете, что такое изоляция. Когда вас отправляют в угол, все дети в классе смотрят на вас.Какое ужасное наказание!

Когда мы выделяем предмет или элемент на рисунке или картине, этот элемент естественным образом привлекает внимание и становится центром внимания.

Размещение

Мы визуально подтягиваемся к центру фигур. Если мы думаем о картинной плоскости нашей работы как о форме, такой как прямоугольник, тогда мы можем ожидать, что наш зритель будет перемещен в центр. Если мы поместим объект близко или точно в центр нашей картинной плоскости, тогда этот объект станет фокусной точкой.

Ван Гог «Голова женщины» 1882

Хотя эта техника работает для создания сильной точки фокуса, обычно это не лучший метод для создания визуально стимулирующей композиции. Когда мы помещаем предметы в центр работы, результат обычно статичен и скучен. Лучше разместить объект немного не по центру, а еще лучше — на одной из третей. Подробнее об этом чуть позже.

Конвергенция

Конвергенция — это акт управления взглядом зрителя внутри произведения с помощью визуальных подсказок.Это могут быть линии, формы, контрастные цвета и т. Д. Каждый элемент, который мы включаем, может направлять взгляд зрителя к фокусу. Иногда нас привлекает область в работе просто потому, что художник манипулирует элементами, чтобы привлечь наше внимание к определенной области. Мы тоже можем это сделать!

Необычное

Все необычное привлекает наше внимание. Точно так же все, что мы включаем в нашу работу, что не ожидается или резко отличается от других элементов в сцене, станет фокусом.

Создание четкой точки фокуса важно для создания сильной композиции, но это еще не все. Также стоит учесть несколько принципов дизайна.

Принципы дизайна в художественной композиции

Принципы дизайна касаются расположения элементов искусства в работе. Элементы искусства — это основные компоненты или строительные блоки художественного творчества.

Подробнее об элементах искусства и принципах дизайна можно узнать здесь…

Восемь принципов дизайна:

  • Остаток
  • Пропорции
  • Механизм
  • Ритм
  • Гармония
  • Единство
  • Выделение
  • Сорт

(Некоторые искусствоведы также включают контраст как принцип.Но поскольку контраст может создать акцент, большинство людей не входит в список восьми.)

Не все принципы дизайна напрямую влияют на наши композиции, но большинство из них влияет. Вот более подробные сведения о тех, которые делают…

Весы

С точки зрения искусства, баланс относится к общему распределению визуального веса в композиции. Каждый объект, который мы включаем в произведение, имеет визуальный вес. Когда мы добавляем элемент к одной стороне нашей композиции, нам нужно добавить еще один или несколько элементов, чтобы сбалансировать визуальный вес на другой стороне.

Визуального баланса можно добиться, добавляя элементы или используя отрицательное пространство. (Подробнее о негативном и позитивном пространстве чуть позже.)

Мы можем сравнить баланс с качелями или качелями. Представьте, что у нас есть один большой объект (или человек) по одну сторону от качелей. Качели не будут сбалансированы.

Но, если мы добавим пару предметов (или людей) среднего размера на другую сторону качелей, мы достигнем равновесия. Теперь качели уравновешены.

Если работа не сбалансирована визуально, она может казаться «тяжелой».Например, если мы добавим слишком много визуального веса в нижнюю часть композиции, вес будет притягивать взгляд зрителя к низу. Композиция будет тревожной.

Но если мы противодействуем этому весу с помощью одного или двух элементов в верхней части композиции, то он становится более сбалансированным.

Мы также должны знать, как наша композиция обрезается, поскольку это также может повлиять на баланс.

Часто у нас будут элементы, выходящие за пределы плоскости изображения.Если края этих элементов расположены так, чтобы они были близко к краям плоскости изображения, это создаст дополнительный визуальный вес и, возможно, нежелательное внимание.

Взгляните на изображения ниже. На изображении слева обратите внимание, как птица расположена слишком близко к краю картинной плоскости. Край ветки вверху тоже слишком близко к левой стороне картинной плоскости.

На втором изображении имеется достаточно места с обеих сторон плоскости изображения, чтобы обеспечить некоторый баланс, приводящий к лучшей композиции.

Если мы расположим предметы в наших работах так, чтобы их края либо заканчивались немного дальше от краев плоскости изображения, либо выходили далеко за пределы плоскости изображения, тогда этот визуальный вес минимизируется.

Мы также должны рассмотреть каждый из краев картинной плоскости. Если у нас есть элементы, выходящие за пределы плоскости изображения с двух сторон, мы можем создать слишком большой визуальный вес на этих двух сторонах. Но если мы позволим объектам выйти за пределы картинной плоскости со всех четырех сторон, мы сможем создать более сбалансированную композицию.

Механизм

Движение может относиться к иллюзии реального движения на рисунке или картине; или это может относиться к движению глаз зрителя, когда он знакомится с вашим искусством. Что касается композиции, нас больше всего беспокоит последнее.

Когда зритель взаимодействует с вашим искусством, его взгляд перемещается от одного элемента к другому. Обычно самый властный элемент требует немедленного внимания. После этого зритель может перейти к другим вспомогательным элементам сцены.

Как художники, мы можем контролировать это «движение глаз» в зависимости от того, как мы планируем нашу композицию. Мы можем направлять зрителя к наиболее важным элементам и много раз контролировать, как большинство людей «проглотят» наше творение. В большинстве случаев мы хотим, чтобы взгляд зрителя просматривал работу в определенной последовательности.

В зависимости от тематики заказ может выглядеть примерно так…

  1. Зритель втягивается в работу.
  2. Зритель направляется к фокусу (точкам).
  3. Зритель направляется к опорным элементам.
  4. Зрителя выводят из работы или возвращают к фокусу.

Это визуальное движение обычно достигается за счет создания контраста, направляющих линий, диагоналей и перекрывающихся элементов.

Взгляните на работу ниже. Когда вы его исследуете, обратите внимание на то, как ваши глаза перемещаются по работе.

Уиллард Меткалф «Летящие тени» 1909-1910

Возможно, ваш взгляд пошел по тому же пути, что и мой. Я вошел в работу на дне долины, у ручья.По линии более темных деревьев я направился к центру изображения, а затем вернулся в лес. Затем я последовал за линией деревьев прямо перед далекими горами. Оттуда меня повели обратно в центр.

Расположение этих элементов позволило мне увидеть все важные части работы, в то же время оценив каждую часть картины отдельно.

Мы можем использовать те же методы, чтобы немного контролировать, как зритель взаимодействует с нашим искусством.Хотя мы не можем полностью контролировать то, как люди будут рассматривать наше искусство, мы можем влиять на их визуальный опыт.

Ритм

Мы понимаем ритм через повторение. Например, мы можем слышать ритм песни и ее ритм, потому что она повторяется — много раз предсказуемым образом. Без повторения нет ритма.

В искусстве то же самое. Чтобы иметь ритм, нам необходимо повторение. Визуально ритм создают повторяющиеся элементы. Это может быть регулярный или неправильный узор из повторяющихся форм или повторение определенного предмета.В любом случае повторяющиеся элементы создают ритм.

Взгляните на картину ниже. Обратите внимание на чувство ритма.

Ван Гог «Ирисы» 1889

Этот ритм создается повторением. Здесь мы видим, как повторяются формы, созданные для лепестков цветов…

А также формы для меньших цветов в верхнем левом углу…

Формы радужки ничем не отличаются. Еще повторяют…

Повторяющийся элемент в произведении часто называют «мотивом».Включение мотива в вашу работу часто может привести к чувству гармонии и единства.

Вернемся к музыкальной аналогии. В большинстве популярных песен присутствует постоянный ритм на протяжении всей песни. Динамика песни может измениться, но размер меняется редко. И даже несмотря на то, что ноты могут резко меняться, последовательный ритм объединяет песню от начала до конца.

Наши работы должны обладать этой последовательностью, которая подводит нас к следующим принципам — гармонии и единству.

Гармония и единство

Наши художественные композиции тоже должны быть гармоничными и едиными.Гармония и единство настолько тесно связаны, что легко предположить, что это одно и то же. Они очень похожи, но в наших композициях каждый стоит рассматривать отдельно.

Unity имеет дело с чувством «единства». В произведении искусства это обычно достигается за счет последовательного и полного использования среды. Мы также можем думать о единстве с точки зрения художественного стиля. Если стиль и использование средств массовой информации последовательно используются в произведении, и работа кажется завершенной и законченной, мы обычно можем сказать, что работа едина.

Unity также можно создать в работе путем упрощения. Этого можно добиться, упростив формы, предметы или цветовые схемы.

Работа, представленная ниже, едина и гармонична по ряду причин. Самый очевидный способ его объединения — использование цвета.

Роберт Харрис «Интерьер Северной Африки» 1877

Харрис упростил цветовую схему и использовал в основном дополнительные цвета — красный и зеленый. Зеленый цвет очень землистый, но все же присутствует.

Гармония помогает создать единство в работе. В то время как единство относится к произведению искусства в целом, гармония в большей степени относится к отдельным частям произведения. Если отдельные части произведения работают вместе, то искусство можно считать гармоничным.

Еще один способ думать об этом — подумать о семье. Семья состоит из разных членов. Давайте посмотрим на семью в традиционном смысле для этой аналогии. В семье могут быть отец, мать, сын и дочь.Каждый член семьи индивидуален и уникален, но семья по-прежнему остается единым целым. Некоторые семьи хорошо ладят друг с другом, а другие — нет.

Мы можем создать гармонию и единство в наших композициях с помощью…

  • Последовательное использование среды на протяжении всей работы.
  • Упрощение форм, предметов или цветовых схем.
  • Использование единого стиля в работе.
  • Убедиться, что работа завершена.
  • Обеспечение того, чтобы каждая отдельная часть изделия работала (и имела смысл) с другими частями.

Выделение

Мы часто используем акцент, чтобы определить фокус или точки в композиции. Мы уже обсудили несколько способов, которыми художник может создать фокус в своей работе. Каждый из этих методов делает упор на успех. Акцент обычно создается в работе через некую форму контраста.

Взгляните на работу ниже. Как вы думаете, что подчеркивается?

Эдгар Дега «Любитель абсента» 1876

Многих из нас привлекает женщина в этой сцене, а точнее — ее лицо.Дега привлек к ней наше внимание несколькими способами. Во-первых, она расположена в центре картинной плоскости. Также вокруг нее сильный ценностный контраст. Обратите внимание, как мужчина рядом с ней одет в черное, а она — в белое. На стене рядом с ее светлым лицом даже есть темная тень.

Затем есть линии схождения, образованные столами и задним краем скамейки.

Вы также заметите, что лицо женщины имеет больше деталей по сравнению с другими элементами сцены.Это также помогает привлечь внимание зрителя.

Все эти характеристики помогают повлиять на то, как мы взаимодействуем с объектом.

Сорт

Подобно выделению, разнообразие также имеет отношение к различию. Наши рисунки и картины должны быть разнообразными.

Задумайтесь на мгновение о своей любимой еде. А теперь подумайте, какой была бы жизнь, если бы вам приходилось есть любимую пищу при каждом приеме пищи до конца жизни. На завтрак, обед и ужин — у вас есть любимая еда и ничего больше.Это может быть здорово в первый день, но после этого вы очень устанете от любимой еды.

Точно так же мы можем думать и о наших произведениях искусства. Мы не хотим утомлять зрителей одной и той же визуальной информацией. Вместо этого мы должны включать некоторое разнообразие, чтобы удержать их интерес и сделать наши работы более интересными.

Хитрость здесь заключается в том, чтобы уравновесить гармонию и разнообразие. Если зайти слишком далеко в разнообразии, работа, скорее всего, не будет гармоничной. Если мы зайдем слишком далеко о гармонии, в работе может не хватать разнообразия.

Взгляните на изображение ниже. Обратите внимание на разнообразие…

Василий Кандинский «Композиция IV» 1911

Кандинский создал разнообразие, используя широкую цветовую гамму, но сохранил единство картины за счет упрощения.

Положительное и отрицательное пространство

Космос — один из семи элементов искусства. Когда мы думаем о пространстве, мы часто рассматриваем его с точки зрения глубины или иллюзии глубины рисунка или картины. Однако, когда дело доходит до композиции, мы можем думать о пространстве как о фактическом живописном пространстве на поверхности рисунка или картины.

Пространство, занятое важными предметами или элементами дизайна, считается положительным пространством. Области, окружающие эти места, считаются отрицательным пространством. Часто именно негативное пространство обеспечивает зрителю зону «отдыха».

Взгляните на изображения ниже. Сначала мы видим исходное изображение слева. На среднем изображении отрицательное пространство выделено красным. В третьем мы видим положительное пространство, выделенное красным.

Положительное и отрицательное пространство работают вместе, создавая композицию.Композиция может состоять в основном из позитивного пространства, равномерного баланса двух или в основном из негативного пространства.

На следующем изображении показана композиция, состоящая в основном из позитивного пространства…

Вот пример композиции, состоящей из равных частей положительного и отрицательного пространства…

А вот один, в основном состоящий из отрицательного пространства…

Каждая из этих композиций основана на одной и той же теме, и каждое из них можно считать «успешным».

Успешное использование положительного и отрицательного пространства в композиции зависит от баланса. Как достигается этот баланс, будет зависеть от объекта, использования носителя, уровня детализации, контраста и других визуальных факторов.

Лучший способ сбалансировать работу и убедиться, что положительное и отрицательное пространство работает на благо композиции, — это тщательное планирование.

Планирование композиции

Планирование — это, пожалуй, самый важный аспект успеха ваших композиций.К сожалению, это шаг, который большинство людей полностью пропускают.

Допустим, вы решили отправиться в путешествие по месту, в котором никогда раньше не бывали. Было бы бессмысленно просто паковать чемоданы, садиться в машину и уезжать, не зная, как добраться до места назначения. Скорее всего, вы взглянете на карту или введете пункт назначения в свою навигационную систему. Вы никогда не прибудете в пункт назначения без какой-либо подготовки и руководства.

Таким же образом мы должны спланировать наши композиции, прежде чем пытаться их исполнить.Нам нужно знать, «куда мы идем» с нашими произведениями искусства. Мы должны спланировать конечный результат, прежде чем приступить к его созданию. Мы можем изменить наши идеи в процессе работы, если захотим, но мы должны иметь общее представление о том, как должна выглядеть законченная работа, прежде чем мы начнем.

Планируя, мы можем решить все композиционные головоломки, которые помогут создать сильное произведение искусства. Когда мы делаем это, мы можем сосредоточиться на самом процессе рисования и раскрашивания, поскольку большинство наших решений относительно композиции уже принято.

В большинстве случаев планирование композиции включает создание небольших рисунков без деталей. Эти небольшие рисунки часто называют эскизами или предварительными набросками. Миниатюры следует создавать быстро и подходить к ним с экспериментальной точки зрения. Чем больше эскизов вы создадите перед тем, как перейти к окончательной поверхности, тем выше ваши шансы на создание успешной композиции.

Создавая миниатюры, будьте готовы пробовать разные вещи.Поэкспериментируйте с расположением предметов и балансом положительного и отрицательного пространства. Подумайте, как взгляд зрителя может перемещаться по произведению. Попробуйте вертикальные композиции и сравните их с горизонтальными. Поэкспериментируйте с разными цветами. Держите свой разум открытым.

Часто у нас в голове есть видение того, что мы хотим создать, и мы, естественно, предполагаем, что именно это видение является наиболее успешным. Однако в большинстве случаев наше первоначальное видение — это лишь «верхушка айсберга».Если немного «покопаться», наше первоначальное видение превратится в нечто гораздо более успешное. Это происходит только тогда, когда мы открыты для экспериментов и уделяем время планированию.

Правило третей

Правило третей — это теория композиции, основанная на размещении предметов в композиции. Он основан на «Золотом сечении», математической формуле, описывающей пропорциональные отношения. Поскольку золотая середина довольно сложна, большинство художников и фотографов полагаются на правило третей для создания аналогичного эффекта.

Вот как это работает…

Давайте возьмем композицию и разделим ее на три части — по горизонтали и вертикали. Мы можем представить себе линии, идущие вдоль каждой трети. Эти линии пересекаются в четырех точках на картинной плоскости. Помещая важные объекты или фокусные точки на этих местах пересечения или рядом с ними, мы создаем более эстетически успешную композицию.

Арман Гийомен «Лощина в снегу» 1869

Обратите внимание, как Гийомен поместил фигуру почти прямо в одну из этих точек.

Мы также можем создавать более динамичные и интересные композиции, размещая предметы прямо на этих линиях.

Создание диагоналей

Композиции могут быть динамическими или статическими. Статические композиции довольно прямолинейны и прямолинейны. Статическая композиция имеет смысл для информационного изображения — как научная иллюстрация. Напротив, динамичная композиция создает большее ощущение истории и привлекает зрителя. В большинстве случаев мы хотим, чтобы наши композиции были динамичными.

Динамические композиции можно создать, включив в работу диагонали. Эти диагонали могут быть созданы с использованием реальных линий и форм или подразумеваемых линий. Их также можно использовать, чтобы помочь зрителю ориентироваться в работе, как мы уже обсуждали ранее.

Фредрик Ремингтон «Ковбой» 1902

Ищите интересные способы включить диагонали в свою работу. Это может означать, что вы изменили угол обзора зрителя. Вместо того, чтобы рисовать или раскрашивать объекты со стандартной точки зрения, рассмотрите вид сверху или снизу или даже под наклоном.

Нечетные числа лучше

Когда мы составляем наши произведения искусства, мы также должны учитывать количество предметов или элементов, которые мы включаем. Человеческий разум находит баланс в нечетных числах. Наиболее оптимальное число для использования — 3. Это означает, что если вы составляете натюрморт, лучше всего использовать 3 объекта. Это не означает, что мы ограничены тремя объектами. Мы, конечно, можем включить больше, если захотим. Но если мы включим больше, лучше всего будут нечетные числа.

Рассмотрим изображение с двумя объектами.С двумя объектами, кажется, существует своего рода визуальное соревнование между ними. Трудно решить, какая тема будет в центре внимания.

Однако, когда мы включаем третий, два других объекта создают рамку для третьего, что приводит к более сбалансированной композиции.

Заключение

Состав — это не «догадки». Хорошая композиция — это не результат удачи и, конечно, не талант. Речь идет о понимании того, как зритель будет визуально взаимодействовать с тем, что мы создаем, и тщательном планировании.

Мы довольно много здесь рассмотрели. Это большой объем информации, который нужно усвоить. Но, практикуя эти концепции и внедряя их в свои работы, они постепенно станут интуитивно понятными, и ваши композиции станут лучше.

Что такое композиция в искусстве?

Работа @radioactive_yukata подсказки По сценарию Маккеллы Сойер Раскрытие информации: этот пост может содержать партнерские ссылки. Это означает, что если вы что-то покупаете, мы получаем небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас (подробнее)

Композиция — это расположение или размещение визуальных элементов в произведении искусства.Вы можете рассматривать это как «макет» произведения (термин, который вы часто слышите в графическом дизайне).

Состав по сути то же самое.

Это просто место, где различные части вашего произведения фактически попадают на страницу, чтобы создать единое целое.

Это своего рода абстрактная концепция, поэтому давайте проясним: композиция НЕ является фактическим предметом вашего искусства, а там, где вы ее поместили .

Например, вы можете нарисовать собаку и расположить ее немного не по центру холста.Это выбор композиции.

Может быть, вы рисуете натюрморт с предметами на столе. То, как вы решите расположить эти объекты в своей последней части, — это композиция.

Итак, почему композиция важна?

Композиция важна, потому что формирует восприятие зрителем произведения искусства.

Композиция — это большая часть того, что делает произведение привлекательным и динамичным, или успокаивающим и успокаивающим, или дезориентирующим и необычным.

Посмотрите на разные произведения искусства и на то, как композиция влияет на настроение.

Изделия с симметричной композицией (одинаковые с обеих сторон), как правило, очень успокаивают, в то время как асимметричные изделия (разные с обеих сторон) кажутся более динамичными.

Одна часть части может иметь что-то большее или больший визуальный «вес», который привлекает внимание к этой части.

Работа Цветелина Крастева

Обратите внимание на это, когда смотрите на искусство. Где фокус?

Если есть более одного координационного центра, как оба они изложены на странице? Как это направляет ваш взгляд? Как композиция влияет на ощущение произведения?

Вы быстро поймете, почему это так важно учитывать.

Состав и дизайн

Вы также можете назвать композицию «дизайном», потому что композиция — это способ организации принципов дизайна.

Элементами дизайна являются линия, форма, цвет, значение, текстура, форма и пространство. Это то, что на самом деле составляет искусство.

Рисунок состоит из линий, форм, цветов, значений…

Скульптура также имеет форму, текстуру, форму, пространство и так далее.

Затем есть принципы дизайна: баланс, контраст, акцент, движение, узор, ритм и единство.

Они влияют на то, как зритель воспринимает произведение.

Изделие с хорошим балансом успокоит зрителя, потому что людям нравится баланс.

Контрастное изображение выделяет определенные предметы и привлекает внимание зрителя. Если на вашем рисунке (линии) есть несколько зигзагообразных линий, то взгляд вашего зрителя будет следить за этими линиями на странице (движение).

Какое все это имеет отношение к композиции, спросите вы?

Работа Ивана Ребера @ivan_to_draw

Композиция, или то, как вы располагаете элементов дизайна, — это то, как вы создаете принципов дизайна, таких как движение и баланс.

Давайте подробнее рассмотрим принципы дизайна, чтобы увидеть, как мы можем создавать их с помощью композиции:

Равновесие : Вы можете сразу сказать, если фигура разбалансирована, даже если не знаете, почему. Чтобы сохранить баланс в предмете, вы должны убедиться, что визуальный «вес» одинаков с обеих сторон.

Это не означает, что вам нужен симметричный дизайн, потому что вы можете сделать это и асимметрично.

Например, если у вас есть один большой объект на одной половине вашей картины, вы можете рассмотреть возможность размещения двух меньших объектов на другой стороне, чтобы сохранить баланс.

Контраст : Обычно мы думаем о контрасте по отношению к значениям, но он может относиться к любым элементам, которые сильно различаются.

Например, вы можете смешивать маленькие и большие формы в своей картине или комбинировать прямые и изогнутые линии или холодные и теплые цвета.

Акцент : подумайте о том, где вы хотите сфокусировать глаз. Поместите фокус в привлекательное место. Подумайте о центре вашей фигуры или в соответствии с правилом третей, чтобы добиться этого.

Движение : Это то, как глаз перемещается по разным линиям от объекта к объекту. Расположение ваших линий и предметов направляет зрителя. Помните об этом при настройке композиции.

Узор : Узор — это повторяющиеся элементы, поэтому вы можете расположить похожие формы или цвета вокруг своего изделия, чтобы добиться этого.

Ритм : с какой скоростью движется глаз вокруг вашей фигуры? Повторение определенных форм и цветов может дать глазу отдых, прежде чем двигаться дальше, или прямые линии позволяют глазу быстро перемещаться.

Несколько одинаковых повторяющихся элементов, расположенных близко друг к другу, создают безумный ритм (например, множество быстрых ударов барабана), а элемент, который просто повторяется несколько раз, создает более спокойный ритм.

Unity : Это ощущение, что все в части «идет вместе» либо через объединяющий элемент, такой как цвет, либо через визуальный вес. Таким образом, ни один объект не выглядит так, как будто он утяжеляет его.

Советы по планированию композиции

Поскольку композиция присутствует в каждом произведении искусства, думаете вы о нем или нет, очень важно знать, как оно составлено.

Давайте начнем с основ планирования композиции в вашем произведении.

Работа Наталии Диас @nataliadsw

Когда вы начнете уделять внимание композиции в искусстве, вы заметите, что некоторые очень популярные аранжировки используются снова и снова. Вот несколько примеров:

Центральный объект : Вы часто видите это на портретах.

Здесь основная тема статьи размещена в центре страницы. Это привлекает внимание к объекту и создает симметрию, что дает очень успокаивающий и стабильный эффект.

Объект не в центре : Это когда объект расположен не в центре. Поскольку это создает асимметричную композицию, это считается более «интересным» и перемещает взгляд зрителя по странице.

Симметричный узор : Узор — это повторение элементов, что обычно создает симметричный элемент. Например, подумайте о узорах и орнаментах в мечетях.

Правило третей : Это очень популярный трюк, позволяющий целенаправленно помещать фокус (точки) в композицию.

Вот как это работает: изобразите квадратный или прямоугольный лист бумаги.

Если вы возьмете карандаш и начертите две линии, чтобы разделить лист на три части, затем поверните лист один раз и сделайте то же самое, то получится что-то вроде этого:

Вот почему это называется правилом третей.

Вы видите области пересечения линий? Согласно правилу третей, это наиболее интересные области, в которых вы должны сосредоточить внимание на балансе и гармонии.

Также ключевой момент: подумайте о том, куда вы хотите направить взгляд зрителя .

Вы хотите, чтобы он двигался по кругу?

Чтобы перемещаться по странице зигзагом?

Вы хотите сосредоточить внимание на одной области? Вы хотите, чтобы глаз останавливался внизу, поднимался вверх или даже сливался прямо с предмета? Имейте это в виду, когда расставляете предметы.

А как вы хотите, чтобы вьюер чувствовал себя ?

На настроение произведения влияет множество различных факторов (например, цвет и сам предмет).Композиция — только одна из них.

Изучите правила, чтобы добиться желаемого эффекта вместо того, чтобы случайно создать настроение, совершенно отличное от того, что вы планировали.

Работа Родриго Ризо @rodrigorizo_

Если вы хотите, чтобы зритель чувствовал себя некомфортно и дезориентированно (что вполне законно), вы можете нарушить правила композиции, чтобы добиться этого.

А теперь интересный момент для художников: знайте, где находятся ваши объекты , смотрящие или , указывающие .

Это все о линиях и подразумеваемых линиях.

Наши глаза следуют линиям, независимо от того, видимы ли они, как указывающая рука, или подразумеваются, как линия взгляда глаз на вашем изделии.

Если вы включаете человека или животное в свою работу, знайте, что ваш зритель будет смотреть туда, куда смотрит ваш объект.

Если объект указывает или тянется к нему, глаз будет следовать по линии руки или ноги. Вы можете намеренно использовать это, чтобы направить взгляд, или можете случайно отправить зрителя туда, куда вы не хотели.

И не забываем про отрицательное пространство .

Негативное пространство — это все, что не является предметом.

Если использовать пример портретной живописи, негативное пространство — это все, что находится вокруг человека.

Всегда хорошо знать формы, которые негативное пространство принимает между разными объектами. Будет ли эта форма привлекать внимание к предмету? Это форма, которая создает баланс и движение, или это заставляет вещи чувствовать себя неуравновешенными или отвлекающими?

Если вы действительно хотите вникнуть в это, вы можете даже расположить объекты вокруг негативного пространства, чтобы создать определенные формы.

Треугольники, как правило, создают баланс и интерес к произведению, поэтому многие художники будут пытаться создать треугольники в своем негативном пространстве.

Известным примером этого является «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи.

Обратите внимание на перевернутый треугольник между Христом и Иоанном Возлюбленным, фигуру слева от Христа. Это привлекает взгляд к фокусной точке (Христу), но затем направляет его на линию стола, которая не только заземляет фигуру, но и позволяет глазу перемещаться по другим объектам, сидящим за столом.

Это может показаться сложным и ненужным, но в следующий раз, когда вы будете работать над частью, уделите несколько секунд, чтобы заметить негативное пространство и форму, которую оно создает. Как это повлияет на вашу работу?

Да, звучит много, но композиция — одна из тех вещей, которая становится второй натурой для артиста с небольшой практикой.

Чем больше вы замечаете композицию в искусстве, архитектуре, фотографии и дизайне, тем больше вы узнаете ее в своих собственных работах и ​​используете ее для формирования восприятия вашего искусства людьми.


Автор: МакКелла Сойер

Маккелла — художник и писатель-фрилансер из Солт-Лейк-Сити, штат Юта. Когда она не рисует и не пишет для клиентов, она любит писать художественную литературу, путешествовать и исследовать горы возле своего дома пешком, верхом на лошади или на горном велосипеде. Вы можете просмотреть ее работы на Etsy и ее услуги по написанию на TheCafeWordsmith.com.


8 элементов композиции в искусстве

Композиция — это термин, используемый для описания расположения визуальных элементов в картине или другом произведении искусства.Это то, как элементы искусства и дизайна — линия, форма, цвет, значение, текстура, форма и пространство — организованы или составлены в соответствии с принципами искусства и дизайна — баланс, контраст, акцент, движение, узор, ритм, единство / разнообразие — и другие элементы композиции, чтобы придать картине структуру и передать замысел художника.

Композиция отличается от сюжета картины. Каждая картина, абстрактная или изобразительная, независимо от сюжета, имеет композицию.Хорошая композиция — залог успеха картины. Успешно выполненная хорошая композиция привлекает зрителя, а затем перемещает его взгляд по всей картине, так что все воспринимается, наконец, останавливаясь на главном предмете картины.

Композиция по Анри Матиссу

«Композиция — это искусство декоративной компоновки различных элементов по команде художника, чтобы выразить его чувства». — Анри Матисс в «Записках художника».«

Элементы композиции

Элементы композиции в искусстве используются для упорядочивания или организации визуальных компонентов таким образом, чтобы это нравилось художнику и, можно надеяться, зрителю. Они помогают структурировать макет картины и способ представления предмета. Они также могут побудить или побудить зрителя блуждать по всей картине, вбирать в себя все и в конечном итоге возвращаться к фокусу. В западном искусстве элементами композиции обычно считаются:

  • Unity: Кажется ли, что все части композиции принадлежат друг другу, или что-то застряло, неловко не на своем месте?
  • Баланс: Баланс — это ощущение, что картина «кажется правильной» и не тяжелее с одной стороны.Симметричное расположение создает ощущение спокойствия, а асимметричное расположение создает более динамичное ощущение. Несбалансированная картина вызывает чувство беспокойства.
  • Движение: Есть много способов придать картине ощущение движения, например, расположение предметов, положение фигур, течение реки. Вы можете использовать направляющие линии (термин в фотографии, применимый к живописи), чтобы направить взгляд зрителя на картину и вокруг нее. Ведущие линии могут быть фактическими линиями, такими как линии забора или железной дороги, или они могут быть подразумеваемыми линиями, такими как ряд деревьев или кривая из камней или кругов.
  • Ритм: Во многом так же, как музыка, произведение искусства может иметь ритм или базовый ритм, который заставляет ваш взгляд просматривать произведение искусства в определенном темпе. Ищите большие основные формы (квадраты, треугольники и т. Д.) И повторяющийся цвет.
  • Фокус (или акцент): Глаз зрителя в конечном итоге хочет остановиться на «самом важном» предмете или фокусе на картине, иначе глаз чувствует себя потерянным, блуждая в пространстве.
  • Контраст: Картины с высокой контрастностью — например, сильные различия между светом и темнотой — имеют другое ощущение, чем картины с минимальным контрастом между светом и темнотой, например, в серии Whistler Nocturne .

Leave a Reply

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *